تاریخ هنر ، به طور خلاصه، تاریخ هنر است – یا مطالعه نوع خاصی از اشیاء خلق شده در گذشته. [1]
به طور سنتی، رشته تاریخ هنر بر نقاشی، طراحی، مجسمه سازی، معماری، سرامیک و هنرهای تزئینی تأکید داشت. با این حال، امروزه، تاریخ هنر جنبه‌های گسترده‌تری از فرهنگ بصری ، از جمله نتایج مختلف بصری و مفهومی مرتبط با تعریف همیشه در حال تکامل هنر را بررسی می‌کند. [2] [3] تاریخ هنر شامل مطالعه اشیایی است که توسط فرهنگ‌های مختلف در سراسر جهان و در طول تاریخ خلق شده‌اند که اساساً از طریق بازنمایی‌های بصری معنا، اهمیت یا سودمندی را ارائه می‌کنند.
به عنوان یک رشته، تاریخ هنر از نقد هنری متمایز می شود که به ایجاد ارزش هنری نسبی برای آثار فردی با توجه به سایر سبک های مشابه یا تأیید یک سبک یا جنبش کامل می پردازد. و نظریه هنر یا « فلسفه هنر » که به ماهیت بنیادی هنر می پردازد. یکی از شاخه های این حوزه ، زیبایی شناسی است که شامل بررسی معمای تعالی و تعیین جوهره زیبایی می شود. از نظر فنی، تاریخ هنر این چیزها نیست، زیرا مورخ هنر برای پاسخ به این سؤالات از روش تاریخی استفاده می کند : هنرمند چگونه کار را خلق کرد؟، حامیان چه کسانی بودند؟، معلمان آنها چه کسانی بودند؟، مخاطبان چه کسانی بودند؟ شاگردان آنها چه کسانی بودند؟، چه نیروهای تاریخی آثار هنرمند را شکل دادند و او و خلقت به نوبه خود بر روند رویدادهای هنری، سیاسی و اجتماعی تأثیر گذاشتند؟ با این حال، جای سوال است که آیا می توان به بسیاری از سؤالات از این دست بدون در نظر گرفتن سؤالات اساسی در مورد ماهیت هنر پاسخ رضایت بخشی داد. شکاف انضباطی کنونی بین تاریخ هنر و فلسفه هنر (زیبایی‌شناسی) اغلب مانع این تحقیق می‌شود. [4]
تاریخ هنر یک عمل بین رشته ای است که عوامل مختلف فرهنگی، سیاسی، مذهبی، اقتصادی یا هنری را که به جلوه بصری یک اثر هنری کمک می کند، تجزیه و تحلیل می کند.
مورخان هنر در تحقیقات خود در مورد هستی شناسی و تاریخ اشیا از روش های مختلفی استفاده می کنند .
مورخان هنر اغلب آثار را در چارچوب زمان خود بررسی می کنند. در بهترین حالت، این کار به گونه ای انجام می شود که به انگیزه ها و الزامات خالق آن احترام بگذارد. با در نظر گرفتن خواسته ها و تعصبات حامیان و حامیان آن؛ با تحلیل تطبیقی مضامین و رویکردهای همکاران و معلمان پدیدآور. و با در نظر گرفتن شمایل نگاری و نمادگرایی . به طور خلاصه، این رویکرد اثر هنری را در چارچوب جهانی که در آن خلق شده است بررسی می کند.
مورخان هنر نیز اغلب آثار را از طریق تحلیل فرم بررسی می کنند. یعنی استفاده خالق از خط، شکل ، رنگ ، بافت و ترکیب. این رویکرد بررسی می کند که چگونه هنرمند از یک صفحه تصویری دو بعدی یا سه بعدی فضای مجسمه ای یا معماری برای خلق هنر خود استفاده می کند. نحوه به کارگیری این عناصر منفرد منجر به هنر بازنمایی یا غیربازنمایی می شود . آیا هنرمند از شیئی تقلید می کند یا تصویر را می توان در طبیعت یافت؟ اگر چنین است، بازنمایی است. هر چه هنر به تقلید کامل نزدیکتر باشد، هنر واقع گرایانه تر است . آیا هنرمند تقلید نمی کند، بلکه بر نمادگرایی تکیه می کند یا به شیوه ای مهم به جای کپی مستقیم از آن، تلاش می کند تا جوهر طبیعت را به تصویر بکشد؟ اگر چنین است، هنر غیر بازنمایی است - همچنین انتزاعی نامیده می شود . رئالیسم و انتزاع در یک پیوستار وجود دارند. امپرسیونیسم نمونه‌ای از سبک بازنمایی است که مستقیماً تقلیدکننده نبود، بلکه تلاش می‌کرد تا "تصویر" طبیعت را ایجاد کند. اگر اثر بازنمایی نباشد و بیانگر احساسات، آرزوها و آرزوهای هنرمند باشد یا در جستجوی آرمان‌های زیبایی و فرم باشد، اثر غیربازنمایی یا اثری اکسپرسیونیسم است .
تحلیل شمایل نگاری تحلیلی است که بر عناصر طراحی خاص یک شی تمرکز دارد. با مطالعه دقیق چنین عناصری می توان نسب آنها را ردیابی کرد و با آن در مورد خاستگاه و مسیر حرکت این نقوش نتیجه گرفت . به نوبه خود، می توان هر تعداد مشاهداتی را در مورد ارزش های اجتماعی، فرهنگی، اقتصادی و زیبایی شناختی مسئولین تولید شیء انجام داد.
بسیاری از مورخان هنر از نظریه انتقادی برای چارچوب بندی تحقیقات خود در مورد اشیا استفاده می کنند. تئوری اغلب برای برخورد با اشیاء جدیدتر، آنهایی که از اواخر قرن نوزدهم به بعد هستند، استفاده می شود. نظریه انتقادی در تاریخ هنر اغلب از محققان ادبی وام گرفته شده است و شامل استفاده از یک چارچوب تحلیلی غیر هنری برای مطالعه اشیاء هنری است. تئوری های فمینیستی ، مارکسیستی ، نژاد انتقادی ، دگرباش و پسااستعماری همگی در این رشته به خوبی تثبیت شده اند. همانطور که در مطالعات ادبی، علاقه مندی محققان به طبیعت و محیط زیست وجود دارد، اما مسیری که این امر در این رشته خواهد داشت هنوز مشخص نشده است.
اولین نوشته‌های باقی‌مانده در مورد هنر که می‌توان آن را به عنوان تاریخ هنر طبقه‌بندی کرد، بخش‌هایی از تاریخ طبیعی پلینی بزرگ ( حدود ۷۷–۷۹ پس از میلاد )، در مورد توسعه مجسمه‌سازی و نقاشی یونانی است . [5] از آنها می‌توان ایده‌های گزنوکراتس سیکیونی ( حدود 280 پیش از میلاد )، مجسمه‌ساز یونانی را که شاید اولین مورخ هنر بود، ردیابی کرد. [6] آثار پلینی، در حالی که عمدتاً دایره المعارفی از علوم است، بنابراین از رنسانس به بعد تأثیرگذار بوده است. (بخش هایی در مورد تکنیک های مورد استفاده توسط نقاش آپلس (332-329 قبل از میلاد) به ویژه شناخته شده است.) پیشرفت های مشابه، اگرچه مستقل، در قرن ششم چین رخ داد، جایی که انجمن هنرمندان شایسته ای توسط نویسندگان در سال تاسیس شد. طبقه دانش پژوه - رسمی این نویسندگان، که لزوماً در خوشنویسی مهارت داشتند، خود هنرمند بودند. هنرمندان در شش اصل نقاشی که توسط Xie He فرموله شده است، توصیف شده اند . [7]
.jpg/1280px-Johann_Joachim_Winckelmann_(Anton_von_Maron_1768).jpg)
در حالی که خاطرات شخصی از هنر و هنرمندان مدت‌هاست نوشته شده و خوانده شده است ( برای بهترین نمونه اولیه به Lorenzo Ghiberti Commentarii مراجعه کنید)، [8] این جورجیو وازاری، نقاش، مجسمه‌ساز توسکانی و نویسنده کتاب زندگی بهترین نقاشان بود. مجسمه سازان و معمارانی که اولین تاریخ واقعی هنر را نوشتند. [9] او بر پیشرفت و توسعه هنر که نقطه عطفی در این زمینه بود، تاکید کرد. او یک گزارش شخصی و تاریخی بود که شامل بیوگرافی تک‌تک هنرمندان ایتالیایی بود که بسیاری از آنها از معاصران و آشنایان شخصی او بودند. مشهورترین آنها میکل آنژ بود .
ایده‌های وازاری در مورد هنر بسیار تأثیرگذار بود و به‌عنوان الگویی برای بسیاری از جمله در شمال اروپا شیلدر-بوک کارل ون مندر و آکادمی توچة یواخیم فون ساندارت عمل کرد . [ نیاز به نقل از ] رویکرد وازاری تا قرن هجدهم، زمانی که انتقاداتی به شرح زندگی‌نامه‌اش از تاریخ وارد شد، تحت تأثیر قرار گرفت. [ نیازمند منبع ]
محققانی مانند یوهان یوآخیم وینکلمان (1717-1768) «فرقه» شخصیت هنری وازاری را مورد انتقاد قرار دادند و استدلال کردند که تأکید واقعی در مطالعه هنر باید دیدگاه بیننده دانش‌آموز باشد و نه دیدگاه هنرمند. بنابراین نوشته‌های وینکلمان سرآغاز نقد هنری بود. دو اثر برجسته او که مفهوم نقد هنری را معرفی کردند عبارتند از Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst که در سال 1755، اندکی قبل از عزیمت او به رم منتشر شد ( فوسلی ترجمه انگلیسی را در سال 1765 تحت عنوان تأملاتی در مورد نقاشی و مجسمه سازی یونانیان )، و Geschichte der Kunst des Altertums ( تاریخ هنر در دوران باستان )، منتشر شده در سال 1764 (این اولین رخداد عبارت "تاریخ هنر" در عنوان یک کتاب است). [10] وینکلمان از افراط‌های هنری در فرم‌های باروک و روکوکو انتقاد کرد و در اصلاح ذائقه به نفع نئوکلاسیک هشیارتر نقش داشت . یاکوب بورکهارت (1818-1897)، یکی از بنیانگذاران تاریخ هنر، خاطرنشان کرد که وینکلمان "اولین کسی بود که بین دوره های هنر باستان تمایز قائل شد و تاریخ سبک را با تاریخ جهان پیوند داد". از وینکلمان تا اواسط قرن بیستم، رشته تاریخ هنر تحت سلطه دانشگاهیان آلمانی زبان بود. بنابراین، کار وینکلمان ورود تاریخ هنر به گفتمان فلسفی عالی فرهنگ آلمان را نشان داد.
وینکلمان توسط یوهان ولفگانگ فون گوته و فردریش شیلر که هر دو شروع به نوشتن در مورد تاریخ هنر کردند با اشتیاق خوانده شد و گزارش او از گروه Laocoön باعث پاسخ لسینگ شد . ظهور هنر به عنوان موضوع اصلی گمانه زنی های فلسفی با ظهور کتاب نقد داوری امانوئل کانت در سال 1790 تثبیت شد و با سخنرانی های هگل در مورد زیبایی شناسی بیشتر شد . فلسفه هگل الهام‌بخش مستقیم کار کارل اشناسه بود. Niederländische Briefe Schnaase پایه های نظری را برای تاریخ هنر به عنوان یک رشته مستقل ایجاد کرد و Geschichte der bildenden Künste او که یکی از اولین بررسی های تاریخی تاریخ هنر از دوران باستان تا رنسانس بود، تدریس تاریخ هنر را در دانشگاه های آلمانی زبان تسهیل کرد. . نظرسنجی Schnaase همزمان با اثر مشابه فرانتس تئودور کوگلر منتشر شد .
هاینریش وولفلین (۱۸۶۴–۱۹۴۵)، که زیر نظر بورکهارت در بازل تحصیل کرد، «پدر» تاریخ هنر مدرن است. ولفلین در دانشگاه های برلین، بازل، مونیخ و زوریخ تدریس می کرد. تعدادی از دانش‌آموزان از جمله یاکوب روزنبرگ و فریدا شاتمولر به مشاغل برجسته در تاریخ هنر ادامه دادند . او رویکردی علمی به تاریخ هنر با تمرکز بر سه مفهوم معرفی کرد. او ابتدا سعی کرد هنر را با استفاده از روانشناسی مطالعه کند، به ویژه با استفاده از آثار ویلهلم وونت . او از جمله استدلال کرد که هنر و معماری اگر شبیه بدن انسان باشد خوب است. به عنوان مثال، خانه‌ها اگر نمای خانه‌ها شبیه چهره باشد، خوب بودند. ثانیاً او ایده مطالعه هنر را از طریق مقایسه مطرح کرد. با مقایسه نقاشی های فردی با یکدیگر، او توانست تفاوت هایی را در سبک ایجاد کند. کتاب رنسانس و باروک او این ایده را توسعه داد و اولین کتابی بود که نشان داد این دوره‌های سبکی با یکدیگر تفاوت دارند. برخلاف جورجیو وازاری ، وولفلین به زندگی‌نامه هنرمندان بی‌علاقه بود. در واقع او ایجاد یک "تاریخ هنر بدون نام" را پیشنهاد کرد. در نهایت، او هنر را بر اساس ایده های ملی مطالعه کرد . او به ویژه به این موضوع علاقه داشت که آیا یک سبک ذاتاً "ایتالیایی" و ذاتاً " آلمانی " وجود دارد یا خیر. این آخرین علاقه به طور کامل در تک نگاری او در مورد هنرمند آلمانی آلبرشت دورر بیان شد .
همزمان با حرفه وولفلین، یک مکتب اصلی تفکر هنری-تاریخی در دانشگاه وین ایجاد شد . نسل اول مکتب وین تحت سلطه آلویس ریگل و فرانتس ویکهوف ، هر دو شاگرد موریتز تاوزینگ بود و با گرایش به ارزیابی مجدد دوره های نادیده گرفته شده یا تحقیر شده در تاریخ هنر مشخص می شد. ریگل و ویکهوف هر دو به طور گسترده در مورد هنر اواخر باستان نوشتند ، که قبل از آنها به عنوان دوره انحطاط از ایده آل کلاسیک در نظر گرفته می شد. ریگل همچنین به تجدید ارزش گذاری باروک کمک کرد.
نسل بعدی اساتید در وین شامل ماکس دووراک ، جولیوس فون شلوسر ، هانس تیتزه، کارل ماریا سوبودا و یوزف استرزیگوفسکی بودند . تعدادی از مهم ترین مورخان هنر قرن بیستم، از جمله ارنست گومبریچ ، در این زمان مدرک خود را در وین دریافت کردند. اصطلاح "مدرسه دوم وین" (یا "مکتب وین جدید") معمولاً به نسل بعدی دانشمندان وین، از جمله هانس سدلمایر ، اتو پخت و گیدو کاشنیتز فون واینبرگ اشاره دارد. این محققان در دهه 1930 شروع کردند به بازگشت به کارهای نسل اول، به ویژه به Riegl و مفهوم او از Kunstwollen ، و تلاش کردند آن را به یک روش شناسی هنری-تاریخی کامل توسعه دهند. سدلمایر، به ویژه، مطالعه دقیق شمایل‌نگاری، حمایت و سایر رویکردهای مبتنی بر بافت تاریخی را رد کرد و ترجیح داد به جای آن بر کیفیت‌های زیبایی‌شناختی یک اثر هنری تمرکز کند. در نتیجه، مکتب دوم وین به خاطر فرمالیسم افسارگسیخته و غیرمسئولانه شهرت یافت و علاوه بر این، با نژادپرستی آشکار سدل مایر و عضویت در حزب نازی رنگ آمیزی شد. با این حال، این گرایش اخیر به هیچ وجه بین همه اعضای مدرسه مشترک نبود. به عنوان مثال، پشت خود یهودی بود و در دهه 1930 مجبور به ترک وین شد.
درک قرن بیست و یکمی ما از محتوای نمادین هنر از سوی گروهی از محققانی است که در دهه 1920 در هامبورگ گرد هم آمدند. برجسته ترین آنها اروین پانوفسکی ، ابی واربورگ ، فریتز ساکسل و گرترود بینگ بودند . آنها با هم بسیاری از واژگانی را توسعه دادند که همچنان در قرن بیست و یکم توسط مورخان هنر استفاده می شود. "شکل نگاری" - با ریشه به معنای "نمادهای از نوشته" به موضوع هنری برگرفته از منابع مکتوب - به ویژه کتاب مقدس و اساطیر اشاره دارد. "Iconology" اصطلاح گسترده تری است که به همه نمادها اطلاق می شود، خواه برگرفته از یک متن خاص باشد یا نه. امروزه مورخان هنر گاهی از این اصطلاحات به جای هم استفاده می کنند.
پانوفسکی، در کارهای اولیه‌اش، نظریه‌های ریگل را نیز توسعه داد، اما در نهایت بیشتر به شمایل‌نگاری، و به‌ویژه با انتقال مضامین مرتبط با دوران باستان کلاسیک در قرون وسطی و رنسانس مشغول شد. از این نظر علایق او با علاقه‌های واربورگ، پسر خانواده‌ای ثروتمند که کتابخانه‌ای در هامبورگ تشکیل داده بود، همسو بود و به مطالعه سنت کلاسیک در هنر و فرهنگ بعدی اختصاص داشت. تحت نظارت ساکسل، این کتابخانه به یک مؤسسه تحقیقاتی وابسته به دانشگاه هامبورگ تبدیل شد ، جایی که پانوفسکی در آن تدریس می کرد.
واربورگ در سال 1929 درگذشت و در دهه 1930 ساکسل و پانوفسکی، هر دو یهودی، مجبور به ترک هامبورگ شدند. ساکسل در لندن مستقر شد و کتابخانه واربورگ را با خود آورد و مؤسسه واربورگ را تأسیس کرد . پانوفسکی در موسسه مطالعات پیشرفته در پرینستون مستقر شد . از این نظر آنها بخشی از هجوم خارق العاده مورخان هنر آلمانی به آکادمی انگلیسی زبان در دهه 1930 بودند. این محققان تا حد زیادی مسئول ایجاد تاریخ هنر به عنوان یک رشته تحصیلی مشروع در دنیای انگلیسی زبان بودند و تأثیر روش شناسی پانوفسکی، به ویژه، مسیر تاریخ هنر آمریکا را برای یک نسل تعیین کرد.
هاینریش ولفلین تنها محققی نبود که در مطالعه هنر از نظریه های روانشناختی استفاده کرد. چرخشی غیرمنتظره در تاریخ نقد هنر در سال 1910 زمانی رخ داد که روانکاو زیگموند فروید کتابی درباره هنرمند لئوناردو داوینچی منتشر کرد که در آن از نقاشی های لئوناردو برای بازجویی از روان و گرایش جنسی هنرمند استفاده کرد . فروید از تحلیل خود استنباط کرد که لئوناردو احتمالاً همجنسگرا بوده است . فروید در سال 1914 تفسیری روانکاوانه از موسی میکل آنژ ( Der Moses des Michelangelo ) منتشر کرد. [11] او این اثر را اندکی پس از خواندن کتاب زندگی وازاری منتشر کرد . به دلایل نامعلوم، او ابتدا مقاله را به صورت ناشناس منتشر کرد.
اگرچه استفاده از مطالب پس از مرگ برای انجام روانکاوی در میان مورخان هنر بحث برانگیز است، به خصوص که آداب و رسوم جنسی زمان میکل آنژ و لئوناردو و فروید متفاوت است، اغلب تلاش می شود.
کارل یونگ همچنین نظریه روانکاوی را در هنر به کار برد. یونگ روانپزشک سوئیسی ، متفکری تأثیرگذار و بنیانگذار روانشناسی تحلیلی بود . رویکرد یونگ به روانشناسی بر درک روان از طریق کاوش در جهان رویاها ، هنر، اساطیر ، دین جهانی و فلسفه تأکید داشت . بسیاری از کارهای زندگی او صرف کاوش در فلسفه شرق و غرب، کیمیاگری ، طالع بینی ، جامعه شناسی و همچنین ادبیات و هنر شد. برجسته ترین مشارکت او شامل مفهوم کهن الگوی روانشناختی ، ناخودآگاه جمعی و نظریه همزمانی اوست . یونگ معتقد بود که بسیاری از تجربیاتی که به عنوان تصادف تلقی می شوند ، صرفاً ناشی از تصادف نیستند، بلکه در عوض، تجلی رویدادها یا شرایط موازی را نشان می دهند که این پویایی حاکم را منعکس می کنند. [12] او استدلال کرد که ناخودآگاه جمعی و تصاویر کهن الگویی در هنر قابل تشخیص است. ایده های او به ویژه در میان اکسپرسیونیست های انتزاعی آمریکایی در دهه های 1940 و 1950 محبوبیت داشت . [13] کار او الهام بخش مفهوم سوررئالیستی ترسیم تصاویر از رویاها و ناخودآگاه بود.
یونگ بر اهمیت تعادل و هماهنگی تاکید کرد. او هشدار داد که انسان‌های مدرن به شدت به علم و منطق متکی هستند و از ادغام معنویت و درک قلمرو ناخودآگاه سود خواهند برد. کار او نه تنها باعث کار تحلیلی مورخان هنر شد، بلکه به بخشی جدایی ناپذیر از هنرسازی تبدیل شد. به عنوان مثال، جکسون پولاک ، به طور معروف مجموعه‌ای از نقاشی‌ها را برای همراهی جلسات خود با تحلیلگر یونگی خود، جوزف هندرسون، خلق کرد. هندرسون که بعداً این نقاشی‌ها را در متنی به جلسات پولاک منتشر کرد، متوجه شد که نقاشی‌ها به عنوان یک ابزار درمانی چقدر قدرتمند هستند. [14]
میراث روانکاوی و روانشناسی تحلیلی در تاریخ هنر عمیق بوده و فراتر از فروید و یونگ است. برای مثال، مورخ برجسته هنر فمینیست، گریزلدا پولاک، هم در خوانش خود از هنر معاصر و هم در بازخوانی هنر مدرنیستی از روانکاوی استفاده می کند. با خوانش گریزلدا پولاک از روانکاوی فمینیستی فرانسوی و به ویژه نوشته‌های جولیا کریستوا و براچا ال. اتینگر ، و همچنین با خوانش روزالیند کراوس از ژاک لاکان و ژان فرانسوا لیوتار و بازخوانی کاترین دو زگر از هنر، در فمینیستی نوشته شده است. حوزه‌های فمینیسم فرانسوی و روانکاوی به‌شدت از چارچوب‌بندی مجدد هنرمندان زن و مرد در تاریخ هنر خبر داده است.
در اواسط قرن بیستم، مورخان هنر با استفاده از رویکردهای انتقادی، تاریخ اجتماعی را پذیرفتند. هدف نشان دادن چگونگی تعامل هنر با ساختارهای قدرت در جامعه بود. یکی از این رویکردهای انتقادی مارکسیسم بود. تاریخ هنر مارکسیستی تلاش کرد نشان دهد که چگونه هنر به طبقات خاصی گره خورده است، چگونه تصاویر حاوی اطلاعاتی درباره اقتصاد هستند و چگونه تصاویر می توانند وضعیت موجود را طبیعی جلوه دهند ( ایدئولوژی ). [1]
مارسل دوشان و جنبش دادا سبک ضد هنر را آغاز کردند. هنرمندان آلمانی که از جنگ جهانی در سال 1914 ناراحت شده بودند، می خواستند آثار هنری بی انطباق و با هدف تخریب سبک های هنری سنتی خلق کنند.[2] این دو حرکت به هنرمندان دیگر کمک کرد تا آثاری را خلق کنند که به عنوان هنر سنتی دیده نمی شد. برخی از نمونه‌هایی از سبک‌هایی که از جنبش ضد هنر منشعب شده‌اند، نئو دادائیسم، سوررئالیسم و سازه‌گرایی هستند. این سبک ها و هنرمندان نمی خواستند تسلیم شیوه های سنتی هنر شوند. این طرز تفکر جنبش های سیاسی مانند انقلاب روسیه و آرمان های کمونیستی را برانگیخت. [15]
اثر هنری هنرمند ایزاک برادسکی ، کارگران شوک از دنیپروستروی در سال 1932، مشارکت سیاسی او را در هنر نشان می دهد. این اثر هنری را می توان برای نشان دادن مشکلات داخلی که روسیه شوروی در آن زمان تجربه می کرد، تحلیل کرد. شاید معروف ترین مارکسیست کلمنت گرینبرگ بود که در اواخر دهه 1930 با مقاله خود " آوانگارد و کیچ " به شهرت رسید. [16] در مقاله گرینبرگ ادعا کرد که آوانگارد به منظور دفاع از استانداردهای زیبایی شناختی از زوال ذائقه درگیر در جامعه مصرفی و در نظر گرفتن کیچ و هنر به عنوان متضاد به وجود آمد. گرینبرگ همچنین مدعی شد که هنر آوانگارد و مدرنیسم وسیله ای برای مقاومت در برابر هموارسازی فرهنگ تولید شده توسط تبلیغات سرمایه داری است . گرینبرگ واژه آلمانی « کیچ » را برای توصیف این مصرف‌گرایی به کار برد، اگرچه مفاهیم آن از آن زمان به مفهومی مثبت‌تر از مواد باقی‌مانده فرهنگ سرمایه‌داری تغییر کرده است. گرینبرگ اکنون به دلیل بررسی و انتقاد از ویژگی‌های رسمی هنر مدرن شناخته شده است.[3]
مایر شاپیرو یکی از بهترین مورخان هنر مارکسیست در اواسط قرن بیستم است. پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه کلمبیا در سال 1924، او به دانشگاه خود بازگشت تا هنرهای بیزانسی، مسیحی اولیه و قرون وسطی را همراه با تئوری هنری-تاریخی تدریس کند. [4] اگرچه او درباره دوره‌های زمانی و مضامین متعددی در هنر نوشت، اما بیشتر به خاطر تفسیرهایش درباره مجسمه‌سازی از اواخر قرون وسطی و اوایل رنسانس به یاد می‌آید.
آرنولد هاوزر اولین بررسی مارکسیستی هنر غرب را با عنوان تاریخ اجتماعی هنر نوشت . او تلاش کرد نشان دهد که چگونه آگاهی طبقاتی در دوره های هنری اصلی منعکس شده است. این کتاب زمانی که در سال 1951 منتشر شد، به دلیل تعمیم هایی که در مورد کل دوران دارد، بحث برانگیز بود، استراتژی که اکنون " مارکسیسم مبتذل " نامیده می شود.[5]
تاریخ هنر مارکسیستی توسط محققانی مانند تی جی کلارک ، اتو کارل ورکمایستر ، دیوید کونزل، تئودور دبلیو. آدورنو و ماکس هورکهایمر اصلاح شد . تی جی کلارک اولین مورخ هنر بود که از دیدگاه مارکسیستی نوشت که مارکسیسم مبتذل را کنار گذاشت . او تاریخ‌های هنری مارکسیستی را از چندین هنرمند امپرسیونیست و رئالیست ، از جمله گوستاو کوربه و ادوار مانه نوشت . این کتاب‌ها تمرکز نزدیکی بر فضای سیاسی و اقتصادی داشتند که این هنر در آن ایجاد شد. [17]
مقاله لیندا نوچلین " چرا هیچ هنرمند زن بزرگی وجود نداشته است؟ " به شعله ور شدن تاریخ هنر فمینیستی در طول دهه 1970 کمک کرد و یکی از پرخواننده ترین مقالات درباره هنرمندان زن باقی مانده است. سپس پانل انجمن هنر کالج در سال 1972 به ریاست نوکلین با عنوان "اروتیسم و تصویر زن در هنر قرن نوزدهم" دنبال شد . در طی یک دهه، تعداد زیادی مقاله، مقاله و مقاله، شتاب فزاینده‌ای را حفظ کردند که توسط جنبش فمینیستی موج دوم ، گفتمان انتقادی پیرامون تعاملات زنان با هنر، هم به عنوان هنرمند و هم به عنوان سوژه، تقویت شد. نوچلین در مقاله پیشگام خود، چارچوب انتقادی فمینیستی را برای نشان دادن طرد سیستماتیک زنان از آموزش هنر به کار می‌گیرد و استدلال می‌کند که طرد از هنر و همچنین تاریخ متعارف هنر نتیجه شرایط فرهنگی است که زنان را از حوزه‌های تولید هنر محدود و محدود می‌کند. . [18] تعداد معدودی که موفق شدند به عنوان ناهنجاری تلقی شدند و الگویی برای موفقیت بعدی ارائه نکردند. گریزلدا پولاک یکی دیگر از مورخان برجسته هنر فمینیستی است که استفاده از نظریه روانکاوی در بالا توضیح داده شده است.
در حالی که تاریخ هنر فمینیستی می تواند بر هر دوره زمانی و مکانی تمرکز کند، توجه زیادی به دوران مدرن شده است. برخی از این بورسیه بر جنبش هنر فمینیستی متمرکز است که به طور خاص به تجربه زنان اشاره دارد. اغلب، تاریخ هنر فمینیستی «بازخوانی» انتقادی از قانون هنر غربی را ارائه می‌کند، مانند تفسیر مجدد کارول دانکن از Les Demoiselles d'Avignon . دو پیشگام این رشته مری گارارد و نورما برود هستند . مجموعه‌های آنها فمینیسم و تاریخ هنر: پرسش از لیتانی ، گفتمان در حال گسترش: فمینیسم و تاریخ هنر ، و بازیابی آژانس فمینیستی: تاریخ هنر فمینیستی پس از پست مدرنیسم، تلاش‌های اساسی برای آوردن دیدگاه‌های فمینیستی به گفتمان تاریخ هنر است. این زوج همچنین کنفرانس تاریخ هنر فمینیستی را تأسیس کردند. [19]
برخلاف شمایل نگاری که به دنبال شناسایی معناست، نشانه شناسی به چگونگی خلق معنا می پردازد. معانی دلالتی و دلالتی رولان بارت در این بررسی بسیار مهم است. در هر اثر هنری خاص، تفسیر به شناسایی معنای نشان داده شده [20] - شناخت یک نشانه بصری، و معنای مفهومی [21] - تداعی‌های فرهنگی آنی که با شناخت همراه می‌شوند، بستگی دارد. دغدغه اصلی مورخ هنر نشانه شناسی یافتن راه هایی برای پیمایش و تفسیر معنای مضمون است. [22]
تاریخ هنر نشانه‌شناسی به دنبال کشف معنا یا معانی مدون در یک شی زیبایی‌شناختی با بررسی ارتباط آن با یک آگاهی جمعی است . [23] مورخان هنر معمولاً به هیچ برند خاصی از نشانه‌شناسی متعهد نیستند، بلکه نسخه‌ای ترکیبی می‌سازند که آن را در مجموعه ابزارهای تحلیلی خود گنجانده‌اند. به عنوان مثال، مایر شاپیرو معنای متمایز سوسور را در تلاش برای خواندن نشانه‌ها آنگونه که در یک سیستم وجود دارند، وام گرفت . [24] به گفته شاپیرو، برای درک معنای جلوه در یک زمینه تصویری خاص، باید آن را از احتمالات متناوب مانند نمایه یا نمای سه ربعی متمایز کرد یا در ارتباط با آنها دید . شاپیرو این روش را با کار چارلز سندرز پیرس ترکیب کرد که ابژه، نشانه و مفسر ساختاری برای رویکرد او فراهم کردند. الکس پاتس کاربرد مفاهیم پیرس را در بازنمایی بصری با بررسی آنها در رابطه با مونالیزا نشان می دهد . برای مثال، دیدن مونالیزا به عنوان چیزی فراتر از مادی بودن آن، شناسایی آن به عنوان یک نشانه است. سپس به عنوان اشاره به یک شی خارج از خود، یک زن یا مونالیزا شناخته می شود . به نظر نمی رسد این تصویر معنای مذهبی را نشان دهد و بنابراین می توان آن را یک پرتره فرض کرد. این تفسیر منجر به زنجیره ای از تفاسیر ممکن می شود: چه کسی در رابطه با لئوناردو داوینچی نشسته بود ؟ چه اهمیتی برای او داشت؟ یا، شاید او نمادی برای تمام زنان باشد. این زنجیره تفسیر یا "نشانگی نامحدود" بی پایان است. کار مورخ هنر این است که به همان اندازه که احتمالات جدید را آشکار می کند، برای تفسیرهای ممکن مرزبندی کند. [25]
نشانه شناسی بر اساس این تئوری عمل می کند که یک تصویر را فقط از منظر بیننده می توان درک کرد. هنرمند به‌عنوان تامین‌کننده معنا توسط بیننده جایگزین می‌شود، حتی تا جایی که تفسیری بدون توجه به اینکه خالق آن را خواسته یا نه، همچنان معتبر است. [25] روزالیند کراوس در مقاله خود "به نام پیکاسو" از این مفهوم حمایت کرد. او انحصار این هنرمند بر معنا را محکوم کرد و اصرار داشت که تنها زمانی می‌توان معنا را دریافت کرد که اثر از بافت تاریخی و اجتماعی آن حذف شود. میکه بال نیز به همین ترتیب استدلال کرد که تا زمانی که تصویر توسط بیننده مشاهده نشود، معنا وجود ندارد. تنها پس از تصدیق این است که معنا می تواند به روی احتمالات دیگری مانند فمینیسم یا روانکاوی باز شود. [26]
جنبه هایی از موضوع که در دهه های اخیر مطرح شده است عبارتند از علاقه به حمایت و مصرف هنر، از جمله اقتصاد بازار هنر، نقش مجموعه داران، نیات و آرزوهای سفارش دهندگان و واکنش های معاصر. و بینندگان و صاحبان بعدی. مطالعات موزه‌ای ، از جمله تاریخچه گردآوری و نمایش موزه‌ها، در حال حاضر مانند تاریخ گردآوری، یک زمینه تخصصی مطالعه است.
پیشرفت‌های علمی امکان بررسی دقیق‌تر مواد و تکنیک‌های مورد استفاده در خلق آثار را فراهم کرده است، به‌ویژه تکنیک‌های عکاسی مادون قرمز و اشعه ایکس که باعث شده است بسیاری از نقاشی‌های زیرین نقاشی، از جمله فیگورهایی که از قطعه حذف شده‌اند، دوباره دیده شوند. . تجزیه و تحلیل صحیح رنگدانه های مورد استفاده در رنگ اکنون امکان پذیر است که بسیاری از اسناد را بر هم زده است. دندروکرونولوژی برای تابلوهای نقاشی و تاریخ‌گذاری رادیویی کربنی برای اشیاء قدیمی در مواد آلی به روش‌های علمی تاریخ‌گذاری اشیاء اجازه داده است تا تاریخ‌های حاصل از تحلیل سبک‌شناسی یا شواهد مستند را تأیید یا برهم بزنند. توسعه عکاسی رنگی خوب، که اکنون به صورت دیجیتالی و در دسترس در اینترنت یا به وسیله‌های دیگر برگزار می‌شود، مطالعه بسیاری از انواع هنر را تغییر داده است، به‌ویژه آنهایی که اشیاء موجود در تعداد زیادی را که به طور گسترده در میان مجموعه‌ها پراکنده هستند، مانند نسخه‌های خطی تذهیب‌شده و مینیاتورهای ایرانی و بسیاری از انواع آثار هنری باستان شناسی.
همزمان با آن پیشرفت های تکنولوژیکی، مورخان هنر علاقه فزاینده ای به رویکردهای نظری جدید در مورد ماهیت آثار هنری به عنوان اشیا نشان داده اند. نظریه اشیاء ، نظریه شبکه کنشگر ، و هستی شناسی شی گرا نقش فزاینده ای در ادبیات تاریخی هنر ایفا کرده اند.
ساخت هنر، تاریخ آکادمیک هنر و تاریخ موزه‌های هنری با ظهور ناسیونالیسم پیوند تنگاتنگی دارند. هنر خلق شده در دوران مدرن، در واقع، اغلب تلاشی برای ایجاد احساس برتری ملی یا عشق به کشور بوده است . هنر روسی نمونه خوبی از این موضوع است، زیرا هنر آوانگارد روسی و بعداً هنر شوروی تلاش هایی برای تعریف هویت آن کشور بود.
ناپلئون بناپارت همچنین به دلیل سفارش آثاری که بر قدرت فرانسه با او به عنوان حاکم تأکید می کرد، به خوبی شناخته شده بود.
رمانتیسیسم غربی قدردانی جدیدی از کشور خود یا کشور جدید ایجاد کرد. کاسپار دیوید فردریش ، راهب کنار دریا (1808 یا 1810) صحنه‌ای عالی را به نمایش می‌گذارد که زیبایی و قدرت بی‌نظیر خط ساحلی آلمان در دریای بالتیک را نشان می‌دهد. در دوران طفولیت مستعمرات آمریکا، مردم بر این باور بودند که سرنوشتشان این است که در غرب و بیابان «رام نشده» کاوش کنند. هنرمندانی که در مدرسه رودخانه هادسون در نیویورک آموزش دیده بودند ، وظیفه ارائه سرزمین ناشناخته را به عنوان زیبا و عالی به عهده گرفتند.
اکثر مورخان هنر که امروزه کار می کنند، تخصص خود را هنر فرهنگ، دوره زمانی یا جنبش خاصی مانند هنر آلمانی قرن نوزدهم یا هنر معاصر چین می دانند. تمرکز بر ملیت ریشه های عمیقی در این رشته دارد. در واقع، کتاب زندگی برجسته‌ترین نقاشان، مجسمه‌سازان و معماران وازاری تلاشی برای نشان دادن برتری فرهنگ هنری فلورانس است و نوشته‌های هاینریش ولفلین (به‌ویژه تک‌نگاری او درباره آلبرشت دورر ) تلاش می‌کند تا سبک‌های ایتالیایی را از آلمانی متمایز کند. هنر
بسیاری از بزرگ‌ترین و با بودجه‌های بسیار خوب موزه‌های هنری جهان، مانند موزه لوور ، موزه ویکتوریا و آلبرت ، و گالری ملی هنر در واشنگتن، دولتی هستند. در واقع، اکثر کشورها دارای یک گالری ملی هستند ، با مأموریت صریح حفظ میراث فرهنگی متعلق به دولت - صرف نظر از اینکه چه فرهنگ هایی این هنر را ایجاد کرده اند - و یک مأموریت اغلب ضمنی برای تقویت میراث فرهنگی آن کشور . بنابراین گالری ملی هنر هنر ساخته شده در ایالات متحده را به نمایش می گذارد ، اما همچنین دارای اشیایی از سراسر جهان است.
رشته تاریخ هنر به طور سنتی به تخصص ها یا تمرکز بر اساس دوره ها و مناطق، با تقسیم بندی های فرعی بیشتر بر اساس رسانه ها تقسیم می شود.
به عنوان مثال، هنر غربی را می توان به دوره های زیر تقسیم کرد : کلاسیک باستان، قرون وسطی، رنسانس، باروک، نئوکلاسیک، رمانتیسم، مدرن، و معاصر.
در ایالات متحده، مهم ترین سازمان تاریخ هنر، انجمن هنر کالج است . [27] کنفرانس سالانه ای را سازماندهی می کند و بولتن هنری و مجله هنری را منتشر می کند . سازمان‌های مشابهی در سایر نقاط جهان و همچنین برای تخصص‌هایی مانند تاریخ معماری و تاریخ هنر رنسانس وجود دارد. برای مثال، در بریتانیا، انجمن مورخان هنر اولین سازمان است و مجله‌ای با عنوان تاریخ هنر منتشر می‌کند .
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)منابع
رسانه‌های مرتبط با تاریخ هنر در ویکی‌مدیا کامانز
تاریخ هنر در ویکی‌کتاب
نقل قول های مربوط به تاریخ هنر در ویکی نقل قول