stringtranslate.com

تاریخ معماری

رویای معمار ، اثر توماس کول ، 1840، رنگ روغن روی بوم

تاریخ معماری تغییرات معماری را از طریق سنت‌ها، مناطق مختلف، گرایش‌های سبک کلی و تاریخ‌ها دنبال می‌کند. تصور می‌شود که آغاز همه این سنت‌ها این است که انسان‌ها نیاز اساسی به سرپناه و محافظت را برآورده می‌کنند. [1] اصطلاح «معماری» عموماً به ساختمان‌ها اطلاق می‌شود، اما در ذات آن بسیار گسترده‌تر است، از جمله زمینه‌هایی که ما اکنون اشکال تخصصی تمرین را در نظر می‌گیریم، مانند شهرسازی ، مهندسی عمران ، دریایی ، نظامی ، [2] و معماری منظر .

روندهای معماری، در میان عوامل دیگر، تحت تأثیر نوآوری های تکنولوژیکی، به ویژه در قرن های 19، 20 و 21 قرار گرفتند. بهبود و/یا استفاده از فولاد ، چدن ، کاشی، بتن مسلح و شیشه به ظاهر هنر نو کمک کرد و Beaux Arts را بزرگتر کرد. [3]

پارینه سنگی

انسان‌ها و اجدادشان حداقل صدها هزار سال است که انواع پناهگاه‌ها را ایجاد کرده‌اند، و ساخت سرپناه ممکن است در اوایل تکامل هومینین وجود داشته باشد. همه میمون‌های بزرگ «لانه‌هایی» برای خواب می‌سازند ، البته در فرکانس‌ها و درجات پیچیدگی متفاوت. شامپانزه ها به طور منظم از دسته های شاخه های بافته شده به هم لانه می سازند. [4] اینها بسته به آب و هوا متفاوت است (لانه ها هنگام خنک بودن بستر ضخیم تری دارند و در هوای بادی یا مرطوب با تکیه گاه های بزرگتر و قوی تر ساخته می شوند). [5] اورانگوتان‌ها در حال حاضر پیچیده‌ترین لانه‌ها را از همه میمون‌های بزرگ غیرانسانی می‌سازند، با سقف، پتو، بالش، و «تخته‌ها». [6]

استدلال شده است که شیوه‌های لانه‌سازی بیش از استفاده از ابزار برای تکامل خلاقیت و مهارت‌های ساخت و ساز انسان بسیار مهم است، زیرا انسان‌ها نه تنها در شرایط سازگاری منحصربه‌فرد بلکه به‌عنوان اشکالی از سیگنال‌دهی نیاز به ساختن لانه‌ها داشتند . [7] حفظ ویژگی‌های درختی مانند دست‌های بسیار مستحکم برای ساخت متخصص لانه‌ها و پناهگاه‌ها نیز می‌تواند برای انسان‌های اولیه در محیط‌های غیرقابل پیش‌بینی و آب و هوای متغیر مفید باشد. [5] بسیاری از انسان‌ها، به‌ویژه قدیمی‌ترین انسان‌ها مانند آردی‌پیتکوس [8] و استرالوپیتکوس [9] چنین ویژگی‌هایی را حفظ کرده‌اند و ممکن است در صورت وجود، لانه‌سازی روی درختان را انتخاب کرده باشند. توسعه یک "پایگاه خانگی" در 2 میلیون سال پیش نیز ممکن است تکامل ساخت پناهگاه ها یا انبارهای محافظت شده را تقویت کرده باشد. [10] صرف نظر از پیچیدگی لانه سازی، انسان های اولیه ممکن است هنوز در شرایط کم و بیش «باز» می خوابیده باشند، مگر اینکه فرصت یک پناهگاه سنگی فراهم شده باشد. [7] این پناهگاه‌های صخره‌ای را می‌توان با اصلاحات کمی بیشتر از لانه‌ها و کوره‌ها استفاده کرد، یا در مورد پایگاه‌های مستقر - به‌ویژه در میان انسان‌های متأخر- می‌توان آن‌ها را با هنر صخره‌ای (در مورد لاسکو ) یا موارد دیگر شخصی‌سازی کرد. انواع ساختارهای زیبایی شناختی (در مورد غار برونیکئل در میان نئاندرتال ها) [11] در موارد خوابیدن در زمین باز، آدریان کورتلندت اخلاق شناس هلندی یک بار پیشنهاد کرد که انسان ها می توانستند محوطه های موقتی از بوته های خاردار برای جلوگیری از شکارچیان بسازند، که او از آن حمایت کرد. با استفاده از آزمایشاتی که نشان می‌دهد شیرها اگر نزدیک شاخه‌های خاردار باشند، از غذا بیزارند. [12]

در سال 2000، باستان شناسان دانشگاه میجی در توکیو ادعا کردند که 2 امتداد سوراخ پستی پنج ضلعی را در دامنه تپه ای در نزدیکی روستای چیچیبو پیدا کرده اند که آن را به عنوان دو کلبه با قدمت حدود 500000 سال و توسط هومو ارکتوس ساخته شده است . [13] در حال حاضر، اولین سازه های مورد تایید تایید شده در فرانسه در محل Terra Amata ، همراه با اولین شواهد آتش مصنوعی، c. 400000 سال پیش [14] به دلیل فاسد شدنی بودن پناهگاه‌های این زمان، یافتن شواهدی برای خانه‌هایی فراتر از آتش‌گاه و سنگ‌هایی که ممکن است شالوده یک خانه را تشکیل دهند، دشوار است. در نزدیکی وادی حلفا ، سودان ، سایت Arkin 8 حاوی دایره‌های 100000 ساله ماسه‌سنگ است که احتمالاً سنگ‌های لنگر چادرها بوده‌اند. [15] در شرق اردن ، نشانه‌های سوراخ پستی در خاک نشان می‌دهد که خانه‌های ساخته شده از تیرک و برس کاهگلی در حدود 20000 سال پیش. [16] در مناطقی که استخوان - به ویژه استخوان ماموت - یک ماده قابل دوام است، شواهدی از ساختارها بسیار راحت‌تر حفظ می‌شوند، مانند خانه‌های استخوان ماموت در فرهنگ Mal'ta-Buret 24 تا 15000 سال پیش و در Mezhirich 15000. سال پیش پارینه سنگی فوقانی به طور کلی با گسترش و رشد فرهنگی انسان های مدرن از نظر آناتومی (و همچنین رشد فرهنگی نئاندرتال ها ، علیرغم انقراض مداوم آنها در این زمان) مشخص می شود، و اگرچه ما در حال حاضر فاقد اطلاعات برای خانه های ساخته شده قبل از این زمان هستیم، خانه‌های این دوره معمولاً نشانه‌هایی از اصلاح زیبایی‌شناختی را نشان می‌دهند، مانند در Mezhirich که در آن عاج‌های ماموت حکاکی شده ممکن است "نمای" یک خانه را تشکیل داده باشند. [17]

10000–2000 قبل از میلاد

بازسازی یک خانه میان سنگی در ایرلند، پارک میراث ملی ایرلند

پیشرفت های معماری بخش مهمی از دوره نوسنگی (10000-2000 قبل از میلاد) است که در طی آن برخی از نوآوری های عمده تاریخ بشر رخ داده است. برای مثال، اهلی کردن گیاهان و حیوانات، هم به اقتصاد جدید و هم به ایجاد رابطه جدید بین مردم و جهان، افزایش اندازه و ماندگاری جامعه، توسعه گسترده فرهنگ مادی و راه‌حل‌های جدید اجتماعی و آیینی منجر شد تا مردم را قادر به زندگی کنند. با هم در این جوامع سبک‌های جدید سازه‌های فردی و ترکیب آن‌ها در سکونتگاه‌ها، ساختمان‌های مورد نیاز برای سبک زندگی و اقتصاد جدید را فراهم می‌کردند و همچنین عنصر اساسی تغییر بودند. [21]

اگرچه بسیاری از خانه‌های متعلق به تمام دوره‌های ماقبل تاریخ و همچنین برخی از مدل‌های سفالی خانه‌ها کشف شده‌اند که امکان ایجاد بازسازی‌های مومنانه را فراهم می‌کنند، اما به ندرت عناصری را در بر می‌گرفتند که ممکن است آنها را به هنر مرتبط کند. برخی از استثنائات توسط تزئینات دیوار و یافته‌هایی که به همان اندازه در آیین‌ها و هنرهای نوسنگی و کالکولیتیک صدق می‌کنند، ارائه شده‌اند .

در جنوب و جنوب غربی آسیا، فرهنگ های نوسنگی به زودی پس از 10000 سال قبل از میلاد، ابتدا در شام ( نوسنگی پیش از سفال A و نوسنگی پیش سفال B ) ظاهر می شوند و از آنجا به سمت شرق و غرب گسترش می یابند. فرهنگ های اولیه نوسنگی در آناتولی جنوب شرقی، سوریه و عراق تا 8000 سال قبل از میلاد وجود دارد، و جوامع تولید کننده مواد غذایی برای اولین بار در 7000 سال قبل از میلاد در جنوب شرقی اروپا و در حدود 1000 در اروپای مرکزی ظاهر شدند. 5500 سال قبل از میلاد (که اولین مجموعه‌های فرهنگی شامل Starčevo-Koros (Cris) ، Linearbandkeramic و Vinča است ). [22] [23] [24] [25]

سکونتگاه ها و «شهرها» دوران نوسنگی عبارتند از:

دوران باستان

بین النهرین

بین النهرین به دلیل ساخت ساختمان های خشت و گلی و ساخت زیگورات ها ، که جایگاه برجسته ای در هر شهر اشغال می کند و از یک تپه مصنوعی تشکیل شده است، که اغلب در پله های عظیم بالا می رود و توسط معبدی بر فراز آن قرار دارد، مورد توجه قرار گرفته است. این تپه بدون شک معبد را به موقعیت فرماندهی در جایی که در غیر این صورت یک دره رودخانه هموار بود، ارتقا می داد. شهر بزرگ اوروک دارای تعدادی محوطه مذهبی بود که شامل معابد بسیاری بزرگتر و جاه طلبانه تر از هر ساختمانی بود که قبلاً شناخته شده بود. [32]

کلمه زیگورات شکل انگلیسی شده کلمه اکدی ziqqurratum است ، نامی که به برج های پلکانی جامد از آجر گلی داده شده است. از فعل zaqaru ("بالا بودن") گرفته شده است. این ساختمان ها مانند کوه هایی هستند که زمین و بهشت ​​را به هم پیوند می دهند. زیگورات اور ، که توسط لئونارد وولی حفاری شده است ، 64 در 46 متر در پایه و در اصل حدود 12 متر ارتفاع دارد و دارای سه طبقه است. این بنا در زمان Ur-Nammu (حدود 2100 قبل از میلاد) ساخته شد و در زمان Nabonidus (555-539 قبل از میلاد) بازسازی شد، زمانی که ارتفاع آن احتمالاً به هفت طبقه افزایش یافت. [33]

مصر باستان

تصورات مدرن مصر باستان به شدت تحت تأثیر آثار باقی مانده از معماری تاریخی است. بسیاری از سبک ها و نقوش رسمی در سپیده دم دولت فراعنه ، در حدود 3100 قبل از میلاد ایجاد شد. نمادین ترین ساختمان های مصر باستان اهرام هستند که در دوران پادشاهی قدیم و میانه ( حدود 2600 تا 1800 قبل از میلاد) به عنوان مقبره فرعون ساخته شده اند . با این حال، معابد چشمگیری نیز وجود دارد، مانند مجموعه معبد کارناک .

مصریان باستان به زندگی پس از مرگ اعتقاد داشتند . آنها همچنین معتقد بودند که برای اینکه روح آنها (معروف به کا ) برای ابد در زندگی پس از مرگشان زندگی کند، بدن آنها باید تا ابد دست نخورده باقی بماند. بنابراین، آنها مجبور بودند راهی برای محافظت از متوفی در برابر آسیب و دزدان قبر ایجاد کنند. به این ترتیب، مستبا به دنیا آمد. این سازه‌های خشتی با سقف‌های مسطح بودند که دارای اتاق‌های زیرزمینی برای تابوت در ارتفاع حدود 30 متری بودند . ایمهوتپ ، کشیش و معمار مصر باستان، مجبور شد مقبره ای برای فرعون جوسر طراحی کند . برای این کار، او پنج مستابا را قرار داد، یکی بالاتر از دیگری، به این ترتیب اولین هرم مصر، هرم جوسر در ساقارا ( حدود 2667–2648 قبل از میلاد) را ایجاد کرد که هرم پلکانی است . اولین یک طرف صاف توسط فرعون اسنفرو ساخته شد که بین سالهای قبل حکومت کرد. 2613 و 2589 ق.م. با ابهت ترین هرم ، هرم بزرگ جیزه است که برای پسر اسنفرو ساخته شده است: خوفو ( حدود 2589–2566 قبل از میلاد)، که آخرین شگفتی بازمانده از جهان باستان و بزرگترین هرم مصر است. بلوک‌های سنگی که برای اهرام استفاده می‌شد توسط ملات در کنار هم نگه داشته می‌شد و کل سازه با سنگ آهک سفید بسیار صیقلی پوشیده شده بود که بالای آن‌ها طلایی بود. آنچه امروز می بینیم در واقع ساختار هسته ای هرم است. در داخل، گذرگاه های باریکی به اتاق های تدفین سلطنتی منتهی می شد. علیرغم ارتباط بسیار با مصر باستان، اهرام توسط تمدن های دیگری مانند مایاها نیز ساخته شده اند .

به دلیل کمبود منابع و تغییر قدرت به سمت کشیش، مصریان باستان از اهرام فاصله گرفتند و معابد به کانون ساخت و ساز فرقه تبدیل شدند. درست مانند اهرام، معابد مصر باستان نیز دیدنی و تاریخی بودند. آنها از زیارتگاه های کوچک ساخته شده از مواد فاسد شدنی به مجتمع های بزرگ تکامل یافته اند و در پادشاهی جدید (حدود 1550-1070 قبل از میلاد) به سازه های سنگی عظیمی متشکل از تالارها و حیاط ها تبدیل شده اند. معبد نوعی «کیهان» را در سنگ نشان می‌داد، کپی از تپه اصلی خلقت که بر روی آن خدا می‌توانست خود و جهان را جوان کند. ورودی شامل یک دروازه دوقلو ( پیلون ) بود که نماد تپه‌های افق بود. در داخل تالارهای ستون دار وجود داشت که نمادی از یک انبوه پاپیروس اولیه بود. به دنبال آن مجموعه ای از راهروها با ابعاد رو به کاهش بود تا اینکه به محراب رسیدند، جایی که مجسمه ای از فرقه خدا قرار گرفت. در دوران باستان، معابد با رنگ‌های روشن، عمدتاً قرمز، آبی، زرد، سبز، نارنجی و سفید نقاشی می‌شدند. به دلیل آب و هوای بیابانی مصر، برخی از قسمت‌های این سطوح رنگ‌آمیزی شده به‌خوبی حفظ شده‌اند، به‌ویژه در فضای داخلی.

یکی از عناصر معماری خاص معماری مصر باستان، قرنیز کاوتو (یک قالب مقعر ) است که در اواخر پادشاهی قدیم معرفی شد. به طور گسترده ای برای برجسته کردن بالای تقریباً هر ساختمان رسمی فراعونی استفاده می شد. به دلیل دفعات استفاده از آن، بعداً بسیاری از ساختمان‌ها و اشیاء احیای مصر را تزئین کرد . [41] [38]

هاراپان

اولین تمدن شهری در شبه قاره هند در اصل به تمدن دره سند عمدتاً در موهنجودارو و هاراپا ، اکنون در پاکستان امروزی و همچنین ایالت های غربی جمهوری هند قابل ردیابی است. قدیمی ترین سکونتگاه ها در دوره نوسنگی در مرهگره بلوچستان دیده می شود . شهرهای این تمدن به دلیل برنامه ریزی شهری با ساختمان های آجری پخته، سیستم های زهکشی و آب دقیق، و صنایع دستی ( محصولات کارنلی ، کنده کاری مهر) مورد توجه قرار گرفتند. این تمدن با تخصص خود در متالورژی (مس، برنز، سرب و قلع) از دوره نوسنگی به دوره کالکولیتیک و پس از آن انتقال یافت. [44] مراکز شهری آنها احتمالاً بین 30000 تا 60000 نفر رشد کرده است، [45] و خود تمدن ممکن است بین یک تا پنج میلیون نفر داشته باشد. [46]

یونانی

از زمان ظهور عصر کلاسیک در آتن ، در قرن 5 قبل از میلاد، شیوه کلاسیک ساختمان عمیقاً در درک غربی از معماری و در واقع از خود تمدن تنیده شده است. [53] از حدود 850 قبل از میلاد تا حدود 300 پس از میلاد، فرهنگ یونان باستان در سرزمین اصلی یونان ، در پلوپونز ، و در جزایر دریای اژه شکوفا شد . با این حال، معماری یونان باستان بیشتر به خاطر معابدش شناخته می شود ، که بسیاری از آنها در سراسر منطقه یافت می شوند، و پارتنون نمونه بارز آن است. بعدها، آنها به عنوان الهام بخش معماران نئوکلاسیک در اواخر قرن 18 و 19 خدمت خواهند کرد. معروف ترین معابد پارتنون و ارکتیون هستند که هر دو در آکروپولیس آتن قرار دارند . نوع دیگری از بناهای مهم یونان باستان تئاترها بودند. هم معابد و هم تئاترها از ترکیب پیچیده ای از توهمات نوری و نسبت های متعادل استفاده می کردند.

معابد یونان باستان معمولاً از یک پایه با پله‌های پیوسته چند پله در هر لبه (معروف به کرپیدوما )، یک سل (یا ناوس ) با مجسمه‌ای مذهبی در آن، ستون‌ها ، یک گلدسته و دو پدیدمان ، یکی در جلو تشکیل شده است. پهلو و دیگری در پشت. در قرن چهارم قبل از میلاد، معماران و سنگ‌تراش‌های یونانی سیستمی از قوانین را برای همه ساختمان‌ها ایجاد کردند که به نام‌های راسته‌ها شناخته می‌شوند : دوره دوریک ، یونیک و کورنت. آنها به راحتی با ستون هایشان (مخصوصاً با حروف بزرگ ) شناسایی می شوند. ستون دوریک تنومند و پایه است، ستون یونی باریک‌تر است و دارای چهار طومار (به نام طومار ) در گوشه‌های سرستون است، و ستون کورنتی دقیقاً مانند ستون یونی است، اما سرستون کاملاً متفاوت است و با آکانتوس تزئین شده است. برگ و چهار طومار. [47] علاوه بر ستون ها، فریز بر اساس نظم متفاوت بود. در حالی که دوریک دارای متوپ ها و تریگلیف هایی با گوتاها است ، دیوارهای یونی و کورنتی از یک نوار پیوسته بزرگ با نقش برجسته تشکیل شده است .

معابد علاوه بر ستون‌ها، با مجسمه‌ها، سنگ‌فرش‌ها، دیواره‌ها ، متوپ‌ها و تریگلیف‌ها بسیار تزئین شده بودند . زیور آلات مورد استفاده معماران و هنرمندان یونان باستان عبارتند از : نخل ، طومارهای گیاهی یا موج مانند ، ماکارون های شیر (بیشتر روی قرنیزهای جانبی )، دندون ها ، برگ های آکانتوس ، بوکرانیا ، فستون ها ، تخم مرغ و دارت ، رایس دکور ، پیچ و خم ها و آکروتریوم در گوشه های پدیدمان ها. اغلب، زیور آلات یونان باستان به طور مداوم به عنوان نوار استفاده می شود. آنها بعداً در سبک های اتروسکی ، رومی و در سبک های پس از قرون وسطی که سعی در احیای هنر و معماری یونانی-رومی داشتند، مانند رنسانس ، باروک ، نئوکلاسیک و غیره استفاده خواهند شد.

با نگاهی به بقایای باستان‌شناسی ساختمان‌های باستانی و قرون وسطی، می‌توان آن‌ها را به‌عنوان سنگ آهک و بتون با رنگ مایل به خاکستری درک کرد و این فرض را ایجاد کرد که ساختمان‌های باستانی تک رنگ هستند. با این حال، معماری در بسیاری از دنیای باستان و قرون وسطی چند رنگ بود. یکی از نمادین‌ترین ساختمان‌های باستان، پارتنون ( حدود ۴۴۷–۴۳۲ قبل از میلاد) در آتن ، دارای جزئیاتی بود که با رنگ‌های قرمز، آبی و سبز پر جنب و جوش نقاشی شده بود. علاوه بر معابد باستانی، کلیساهای قرون وسطایی هرگز کاملا سفید نبودند. بیشتر آنها دارای برجسته های رنگی روی حروف بزرگ و ستون ها بودند . [54] این عمل رنگ آمیزی ساختمان ها و آثار هنری در اوایل رنسانس کنار گذاشته شد. این به این دلیل است که لئوناردو داوینچی و دیگر هنرمندان رنسانس، از جمله میکل آنژ ، پالت رنگی را با الهام از ویرانه‌های یونانی-رومی باستان ترویج کردند که به دلیل بی‌توجهی و پوسیدگی مداوم در قرون وسطی، علی‌رغم اینکه در ابتدا رنگارنگ بودند، سفید شدند. رنگدانه های مورد استفاده در دنیای باستان ظریف و به ویژه در برابر هوا حساس بودند. بدون مراقبت لازم، رنگ‌هایی که در معرض باران، برف، خاک و عوامل دیگر قرار می‌گرفتند به مرور زمان از بین رفتند و به این ترتیب ساختمان‌ها و آثار هنری باستان مانند امروز و در دوره رنسانس سفید شدند. [55]

رومی

معماری روم باستان یکی از تاثیرگذارترین معماری های جهان بوده است. میراث آن در سراسر دوره های قرون وسطی و اوایل مدرن مشهود است و ساختمان های رومی همچنان در دوران مدرن در معماری کلاسیک جدید و پسامدرن مورد استفاده مجدد قرار می گیرند . به ویژه تحت تأثیر سبک های یونانی و اتروسکی قرار گرفت . طیفی از انواع معبد در طول سال های جمهوری (509-27 قبل از میلاد) توسعه یافت که از نمونه های اولیه یونانی و اتروسکی اصلاح شده بود.

هر جا که ارتش روم تسخیر شد، شهرها و شهرها را تأسیس کردند، امپراتوری خود را گسترش دادند و دستاوردهای معماری و مهندسی خود را پیش بردند. در حالی که مهم‌ترین آثار را می‌توان در ایتالیا یافت، سازندگان رومی در استان‌های غربی و شرقی نیز راه‌های خلاقانه‌ای یافتند که بهترین نمونه‌های آن در شمال آفریقا ، ترکیه ، سوریه و اردن امروزی حفظ شده است . پروژه های عجیب و غریب مانند طاق Septimius Severus در Leptis Magna ( لیبی فعلی ، ساخته شده در 216 پس از میلاد)، با سنگفرش های شکسته در هر طرف، یا طاق Caracalla در Thebeste ( الجزایر فعلی ، ساخته شده در حدود 214) ظاهر شد. پس از میلاد)، با ستون‌های زوجی در هر طرف، گلدسته‌ها و مدال‌هایی با نیم‌تنه‌های الهی. با توجه به اینکه این امپراتوری از ملت ها و فرهنگ های متعدد شکل گرفته است، برخی بناها محصول تلفیق سبک رومی با سنت محلی بوده اند. به عنوان مثال طاق پالمیرا ( سوریه کنونی ، ساخته شده در حدود 212-220) است که برخی از طاق های آن با طرح نواری مکرر متشکل از چهار بیضی در یک دایره در اطراف یک روزت ، که منشأ شرقی دارند، تزئین شده است.

در میان بسیاری از دستاوردهای معماری رومی، گنبدها (که برای معابد ایجاد شده بودند)، حمام ها، ویلاها، کاخ ها و مقبره ها بودند. شناخته شده ترین نمونه پانتئون در رم است که بزرگترین گنبد رومی بازمانده است و دارای یک چشم بزرگ در مرکز آن است. نوآوری مهم دیگر طاق سنگی گرد است که در طاق ها، قنات ها و سازه های دیگر استفاده می شود. علاوه بر دستورات یونانی (دوریک، یونی و کورنتی)، رومیان دو دستور دیگر را اختراع کردند. راسته توسکانی تحت تأثیر دوره دوریک بود ، اما با ستون‌های غیرفلزدار و میخ ساده‌تر بدون تریگلیف یا گوتا ، در حالی که کامپوزیت یک راسته مختلط بود که پیچ‌های سرستون راسته یونی را با برگ‌های آکانتوس راسته کورنتی ترکیب می‌کرد .

بین سال‌های 30 تا 15 قبل از میلاد، معمار و مهندس مارکوس ویترویوس پولیو رساله‌ای به نام De architectura منتشر کرد که برای قرن‌ها معماران سراسر جهان را تحت تأثیر قرار داد. به عنوان تنها رساله معماری که از دوران باستان باقی مانده است، از زمان رنسانس به عنوان اولین کتاب در نظریه معماری و همچنین منبع اصلی در قانون معماری کلاسیک در نظر گرفته شده است. [60]

درست مانند یونانی ها، رومی ها نیز آمفی تئاتر ساختند . بزرگترین آمفی تئاتری که تاکنون ساخته شده است، کولوسئوم در رم، می تواند حدود 50000 تماشاگر را در خود جای دهد. یکی دیگر از سازه‌های نمادین رومی که دقت و پیشرفت فناوری آنها را نشان می‌دهد ، Pont du Gard در جنوب فرانسه است که بالاترین قنات رومی باقی مانده است. [61] [57]

آمریکا (قبل از کلمبیا)

از بیش از 3000 سال قبل از "کشف" آمریکا توسط اروپایی ها، جوامع پیچیده در سراسر آمریکای شمالی، مرکزی و جنوبی ایجاد شده بود. پیچیده ترین آنها در میان آمریکا بود ، به ویژه مایاها ، اولمک ها و آزتک ها ، اما همچنین اینکاها در آمریکای جنوبی . سازه‌ها و ساختمان‌ها اغلب با ویژگی‌های نجومی یا با جهت‌های اصلی همسو بودند.

مزوآمریکا

بسیاری از معماری میان‌آمریکایی از طریق تبادل فرهنگی توسعه یافته است - برای مثال آزتک‌ها چیزهای زیادی از معماری قبلی مایاها آموخته‌اند . بسیاری از فرهنگ ها کل شهرها را با معابد و اهرام یکپارچه ساخته اند که به صورت تزئینی با حیوانات، خدایان و پادشاهان حک شده اند. بیشتر این شهرها دارای یک میدان مرکزی با ساختمان‌ها و معابد دولتی، به‌علاوه زمین‌های توپ عمومی یا تلاچتلی ، روی سکوهای بلند بودند. درست مانند مصر باستان، در اینجا اهرام نیز ساخته می شد که عموماً پلکانی بودند . احتمالاً از آنها به عنوان اتاق دفن استفاده نمی شد، اما مکان های مذهبی مهمی در بالا داشتند. [64] آنها اتاق های کمی داشتند، زیرا فضای داخلی کمتر از حضور آیینی این سازه های باشکوه و مراسم عمومی که آنها میزبانی می کردند اهمیت داشت. بنابراین، سکوها، محراب ها، پله های موکب، مجسمه ها و کنده کاری ها همه مهم بودند. [67]

آند

معماری اینکاها از سبک های تیواناکو که در قرن دوم قبل از میلاد پایه گذاری شد، نشات گرفته است. اینکاها در طراحی های خود از مواد توپوگرافی و زمین استفاده می کردند، پایتخت شهر کوزکو هنوز هم نمونه های زیادی دارد. املاک سلطنتی معروف ماچو پیچو ، همراه با ساکسای‌هوامان و اولانتایتامبو ، نمونه‌ای باقی مانده است . اینکاها همچنین یک سیستم جاده‌ای را در امتداد قاره غربی ایجاد کردند، و معماری متمایز خود را در مسیر قرار دادند و از نظر بصری حاکمیت امپراتوری خود را در امتداد مرز تأیید کردند. گروه‌های دیگری مانند Muisca معماری بزرگی از مصالح سنگی نساخته‌اند، بلکه از مصالحی مانند چوب و خشت ساخته شده‌اند.

جنوب آسیا

پس از سقوط دره سند ، معماری آسیای جنوبی وارد دوره درمیک شد که شاهد توسعه سبک های معماری هند باستان بود که در قرون وسطی به اشکال مختلف منحصر به فرد، همراه با ترکیب سبک های اسلامی و بعدها، دیگر سنت های جهانی توسعه یافت. .

بودایی باستان

معماری بودایی در قرن چهارم و دوم پیش از میلاد در شبه قاره هند توسعه یافت و ابتدا به چین و سپس در سراسر آسیا گسترش یافت. سه نوع سازه با معماری مذهبی بودیسم اولیه مرتبط است : صومعه‌ها ( ویهاراها )، مکان‌هایی برای ادای احترام به یادگارها ( استوپا )، و زیارتگاه‌ها یا نمازخانه‌ها ( چایتیا ، که چایتیا گریها نیز نامیده می‌شوند )، که بعدها در برخی معبدها نامیده شدند. مکان ها نمادین ترین نوع ساختمان بودایی، استوپا است، که از یک ساختار گنبدی حاوی یادگارهایی تشکیل شده است که به عنوان مکانی برای مراقبه برای بزرگداشت بودا استفاده می شود . گنبد نماد فضای بیکران آسمان بود. [68]

بودیسم پس از معرفی، تأثیر قابل توجهی بر معماری سریلانکا گذاشت، [69] و معماری باستانی سریلانکا عمدتاً مذهبی بود، با بیش از 25 سبک صومعه های بودایی. [70] صومعه‌ها با استفاده از Manjusri Vasthu Vidya Sastra طراحی شدند که طرح‌بندی ساختار را مشخص می‌کند.

پس از سقوط امپراتوری گوپتا، بودیسم عمدتاً در بنگال زیر پالاس باقی ماند ، [71] و تأثیر قابل توجهی بر معماری بنگالی پیش از اسلام در آن دوره داشته است. [72]

هندو باستان

در سراسر شبه قاره هند، معماری هندو از زیارتگاه‌های ساده غارهای سنگ‌تراشی شده به معابد عظیم تبدیل شد. از قرن چهارم تا پنجم پس از میلاد، معابد هندو برای پرستش خدایان مختلف و باورهای منطقه ای اقتباس شده بودند و در قرن ششم یا هفتم نمونه های بزرگتر به سازه های مرتفع آجری یا سنگی تبدیل شدند که نمادی از کوه مقدس مرو با پنج قله است. . این معماری تحت تأثیر استوپاهای اولیه بودایی ، برای عبادت دسته جمعی طراحی نشده بود، بلکه دارای مناطقی بود که عبادت کنندگان می توانستند هدایا را ترک کنند و مراسم را انجام دهند. [73]

بسیاری از سبک‌های معماری هندی برای سازه‌هایی مانند معابد، مجسمه‌ها، خانه‌ها، بازارها، باغ‌ها و برنامه‌ریزی همانطور که در متون هندو توضیح داده شده است . [74] [75] دستورالعمل‌های معماری در نسخه‌های خطی سانسکریت و در برخی موارد در سایر زبان‌های منطقه‌ای باقی مانده است. اینها شامل Vastu shastras ، Shilpa Shastras ، Brihat Samhita ، بخش‌های معماری پوراناها و آگاماها، و متون منطقه‌ای مانند Manasara از جمله می‌شوند. [76] [77]

از آنجایی که این سبک معماری در دوره کلاسیک ظهور کرد، تأثیر قابل توجهی بر سبک های مختلف معماری قرون وسطی مانند گورجاراها ، دراویدی ها ، دکن ، اودیا ، بنگالی ها و آسامی ها داشته است .

مارو گورجارا

این سبک از معماری هند شمالی در عبادتگاه ها و جماعت هندوها و همچنین جین ها مشاهده شده است . در قرن 11 تا 13 تحت دوره Chaulukya (Solanki) ظهور کرد. [79] سرانجام در میان جوامع جین که آن را در منطقه بزرگتر و در سراسر جهان گسترش دادند، محبوبیت بیشتری پیدا کرد. [80] این سازه‌ها دارای ویژگی‌های منحصربه‌فردی مانند تعداد زیادی برجستگی بر روی دیوارهای خارجی با مجسمه‌های حکاکی شده تیز، و چندین اسپیرلت اورشرینگا بر روی شیخاره اصلی هستند .

هیمالیا

هیمالیا توسط گروه های مختلف مردمی از جمله پاهاری ها ، چینی-تبتی ها ، کشمیری ها و بسیاری از گروه های دیگر ساکن است. این معماری به دلیل داشتن پیشینه‌های مذهبی و قومی مختلف، تأثیرات متعددی نیز داشته است. با توجه به مشکلات لجستیکی و سرعت کندتر زندگی در هیمالیا، صنعتگران زمان آن را دارند که حکاکی‌ها و نقاشی‌های چوبی پیچیده همراه با کارهای فلزی زینتی و مجسمه‌های سنگی بسازند که در ساختمان‌های مذهبی، مدنی و نظامی منعکس می‌شود. این سبک ها به اشکال مختلف از تبت و کشمیر گرفته تا آسام و ناگالند وجود دارند . [81] یک ویژگی مشترک در سقف های مایل لایه ای در معابد، مساجد و ساختمان های مدنی مشاهده می شود. [82]

دراویدی

این یک سبک معماری است که در قسمت جنوبی شبه قاره هند و در سریلانکا پدیدار شد. اینها شامل معابد هندو با سبکی منحصر به فرد است که شامل یک برج هرمی کوتاه‌تر بر فراز گارباگریها یا پناهگاهی به نام ویمانا است ، جایی که شمال آن برج‌های بلندتری دارد که معمولاً در هنگام بالا آمدن به سمت داخل خم می‌شوند، به نام شیخارا . اینها همچنین شامل ساختمان‌های سکولار می‌شوند که ممکن است بر اساس منطقه جغرافیایی سقف‌های شیبدار داشته باشند یا نداشته باشند. در کشور تامیل، این سبک تحت تأثیر دوره سنگام و همچنین سبک های سلسله های بزرگ حاکم بر آن است. این سبک در منطقه ای به سمت غرب آن در کرالا متفاوت است که تحت تأثیر عوامل جغرافیایی مانند تجارت غربی و بادهای موسمی است که منجر به سقف های شیب دار می شود. [85] بیشتر در شمال، سبک کارناتا دراویدا بر اساس تنوع تأثیرات متفاوت است، که اغلب در مورد روندهای هنری حاکمان دوازده سلسله مختلف صحبت می کند. [86]

کالینگا

منطقه باستانی کالینگا مربوط به مناطق شرقی هند امروزی اودیشا ، بنگال غربی و شمال آندرا پرادش است . معماری آن بین قرن های 9 و 12 تحت حمایت سلسله سوماوامسی از اودیشا به اوج خود رسید. معابد کالینگا که با صدها مجسمه به شکل مجلل مجسمه سازی شده اند، معمولاً دارای اشکال تکرار شونده مانند نعل اسب هستند. در داخل دیوارهای محافظ مجموعه معبد سه ساختمان اصلی با برج‌های منحنی متمایز به نام دیول یا دیولا و نمازخانه‌هایی به نام جگموهان وجود دارد . [88]

آسیای شرقی و جنوب شرقی

فرهنگ چینی و کنفوسیوس تأثیر قابل توجهی بر هنر و معماری در سینوسپهر (عمدتاً ویتنام ، کره ، ژاپن ) داشته است. [89]

چین و ویتنام

آنچه امروزه به عنوان فرهنگ چینی شناخته می شود، ریشه در دوره نوسنگی (10000-2000 قبل از میلاد) دارد که مکان های فرهنگی یانگ شائو ، لانگشان و لیانگژو در مرکز چین را پوشش می دهد. بخش‌هایی از شمال شرقی چین امروزی همچنین دارای مکان‌هایی از فرهنگ نوسنگی هونگشان است که جنبه‌هایی از فرهنگ پیش‌چینی را نشان می‌دهد. سیستم های اعتقادی بومی چین شامل پرستش طبیعت گرایانه، حیوان گرا و قهرمان بود. به طور کلی، سکوهای هوای آزاد ( طنز ، یا محراب) برای پرستش خدایان طبیعت گرایانه، مانند خدایان باد و زمین، استفاده می شد، در حالی که ساختمان های رسمی ( miao ، یا معبد) برای قهرمانان و اجداد مرده بودند.

بیشتر ساختمان های اولیه در چین سازه های چوبی بودند . ستون هایی با مجموعه ای از براکت ها بر روی نمای ساختمان ها، عمدتاً به تعداد زوج، فضای بین ستونی مرکزی را به بزرگترین دهانه داخلی تبدیل می کرد. سقف‌های بسیار کاشی‌کاری شده به‌طور مربع روی ساختمان چوبی با دیوارهای آجری یا خاکی کوبیده شده بود.

انتقال آیین بودا به چین در حدود قرن اول بعد از میلاد منجر به عصر جدیدی از اعمال مذهبی و به همین ترتیب انواع ساختمان‌های جدید شد. مکان های عبادت به شکل معابد غار در چین ظاهر شد که بر اساس معابد هندی سنگ تراشیده شده بود . یکی دیگر از انواع ساختمان های جدید که توسط بودیسم معرفی شد، شکل چینی استوپا ( ta ) یا بتکده بود . در هند، استوپاها برای بزرگداشت افراد یا معلمان سرشناس ساخته می‌شدند: در نتیجه، سنت بودایی ساختار را برای یادآوری معلم بزرگ، بودا، تطبیق داد. در بتکده چینی نمادی مشابه با استوپای هندی داشت و عمدتاً با حمایت حامیان امپراتوری ساخته شد که امیدوار بودند برای زندگی بعدی شایستگی های زمینی به دست آورند. بودیسم از قرن ششم تا هشتم زمانی که تعداد بی سابقه ای از صومعه ها در چین وجود داشت به اوج خود رسید. بیش از 4600 صومعه رسمی و 40000 صومعه غیر رسمی ساخته شد. اندازه آنها بر اساس تعداد صومعه هایی که در آنها وجود دارد، از 6 تا 120 متغیر است. هر صومعه شامل یک ساختمان مستقل اصلی - یک تالار، بتکده غرفه - بود و توسط یک راهرو سرپوشیده در یک دالان مستطیل شکل احاطه شده بود که توسط یک ساختمان ساخته شده بود. ساختمان دروازه [90]

ژاپن و کره

معماری کره ای ، به ویژه پس از دوره چوسون، تأثیرات مینگ - چینگ را به نمایش می گذارد . [91]

به طور سنتی، معماری ژاپنی از چوب و فوسوما (درهای کشویی) به جای دیوارها ساخته می شد که اجازه می داد فضای داخلی برای اهداف مختلف تغییر یابد. معرفی بودیسم در اواسط قرن ششم، از طریق پادشاهی کره ای همسایه Paekche ، شروع به ساخت معبد چوبی در مقیاس بزرگ با تأکید بر سادگی کرد و بیشتر معماری از چین و سایر فرهنگ های آسیایی وارد شد. در پایان این قرن، ژاپن صومعه هایی به سبک قاره ای، به ویژه معبدی که به نام هوریو جی در ایکاروگا شناخته می شود، می ساخت . [92] برخلاف معماری غربی، سازه های ژاپنی به ندرت از سنگ استفاده می کنند، به جز عناصر خاصی مانند پی. دیوارها سبک، نازک، هرگز باربر نیستند و اغلب متحرک هستند. [60]

خمر

از آغاز قرن نهم تا اوایل قرن پانزدهم، پادشاهان خمر بر یک امپراتوری هندو-بودایی در جنوب شرقی آسیا حکومت می‌کنند. انگکور ، در کامبوج کنونی ، پایتخت آن بود، و بیشتر ساختمان‌های باقی‌مانده آن معابد سنگی رو به شرق هستند، بسیاری از آنها به شکل هرمی و پلکانی ساخته شده‌اند که شامل پنج سازه مربع با برج‌ها یا پراسات‌ها هستند که نماد مقدس هستند. پنج قله کوه مرو از عقاید هندو ، جین و بودایی . معابد به عنوان محل سکونت خدایان، از مواد بادوام مانند ماسه سنگ ، آجر یا لاتریت ساخته می‌شدند ، ماده‌ای مانند خاک رس که سخت خشک می‌شود. [94]

معماری چم در ویتنام نیز از سبک مشابهی پیروی می کند. [93]

جنوب صحرای آفریقا

معماری سنتی آفریقای جنوب صحرا متنوع است و به طور قابل توجهی در مناطق مختلف متفاوت است. در میان انواع خانه‌های سنتی، کلبه‌هایی که گاهی از یک یا دو اتاق و همچنین سازه‌های مختلف بزرگتر و پیچیده‌تر تشکیل شده‌اند، وجود دارد.

سبک های آفریقای غربی و بانتو

در بیشتر غرب آفریقا، خانه‌های مستطیلی شکل با سقف‌ها و حیاط‌هایی که گاهی از چندین اتاق و حیاط تشکیل شده‌اند نیز به‌طور سنتی یافت می‌شوند (گاهی تزئین شده، با نقش برجسته‌های خشتی مانند اشانتی‌های غنا ، [96] [97] یا ستون‌های کنده‌کاری شده مانند در میان مردم یوروبای نیجریه، به ویژه در کاخ ها و خانه های ثروتمندان) [98] علاوه بر نوع مستطیل شکل منظم با سقف تیز، که در غرب آفریقا و ماداگاسکار رایج است ، انواع دیگری از خانه ها نیز وجود دارد: خانه های کندویی که از دایره ای از سنگ که بالای آن سقفی گنبدی شکل است و دایره ای گرد با سقفی مخروطی شکل. نوع اول که در آمریکا نیز وجود داشت به ویژه برای جنوب آفریقا مشخص است. این ها توسط گروه های بانتو زبان در جنوب و بخش هایی از شرق آفریقا استفاده می شد که با گل، تیرک، کاهگل و سرگین گاو ساخته می شد (خانه های مستطیلی در میان مردمان بانتو زبان در منطقه بزرگ کنگو و آفریقای مرکزی رایج تر بود). . کلبه گرد با سقفی مخروطی شکل به ویژه در سودان و آفریقای شرقی گسترده است ، اما در کلمبیا و کالدونیای جدید و همچنین در غرب سودان و مناطق ساحل در غرب آفریقا وجود دارد ، جایی که گاهی اوقات به صورت ترکیبی مرتب می شوند. [99] سبک متمایز معماری چوبی سنتی در میان مردم علفزار کامرون، مانند بامیلک وجود دارد .

در چندین جامعه غرب آفریقا، از جمله پادشاهی بنین (و سایر مردمان ادو )، و پادشاهی‌های یوروبا، هائوسا، در مکان‌هایی مانند Jenne-Jeno (یک شهر پیش از اسلام در مالی)، [100] [101] و در جاهای دیگر، شهرها و شهرها با دیوارهای بزرگی از آجر یا خشتی، [102] و گاهی با خندق‌ها و خاک‌ریزی‌های تاریخی، مانند اردو سونگبو (در پادشاهی یوروبای نیجریه ایجبو) و دیوارهای بنین (نیجریه) احاطه شده بودند. پادشاهی بنین ). [103] [104] در قرون وسطی جنوب آفریقا، سنتی از سکونتگاه های سنگی مستحکم مانند زیمبابوه بزرگ و خامی وجود داشت .

شهر معروف بنین در جنوب غربی نیجریه (پایتخت پادشاهی بنین) که توسط اکسپدیشن تنبیهی ویران شد ، مجموعه بزرگی از خانه‌هایی بود که از خاک رس پوشیده شده بودند، با سقف‌های شیاردار از زونا یا برگ‌های نخل. کاخ مجموعه ای از اتاق های تشریفاتی داشت و با پلاک های برنجی تزئین شده بود . دور تا دور آن را مجموعه‌ای عظیم از خاک‌ریزی‌ها و دیوارها احاطه کرده بود که گمان می‌رود ساخت آن در اوایل قرون وسطی آغاز شده باشد. [103] [104] [105] [106]

ساحلیان

در منطقه ساحل غربی ، نفوذ اسلام عامل اصلی توسعه معماری از قرون بعدی پادشاهی غنا بود . در کومبی صالح ، مردم محلی در خانه‌های گنبدی شکل در بخش پادشاهی شهر زندگی می‌کردند که توسط محوطه‌ای بزرگ احاطه شده بود. بازرگانان در خانه‌های سنگی در بخشی زندگی می‌کردند که دارای 12 مسجد زیبا به شرح البکری بود که یکی از آنها نماز جمعه بود . [107] گفته می شود که پادشاه چندین عمارت داشت که یکی از آنها شصت و شش فوت طول، چهل و دو فوت عرض، شامل هفت اتاق، دو طبقه و یک راه پله بود. با دیوارها و اتاق های پر از مجسمه و نقاشی. [108]

معماری ساحلی در ابتدا از دو شهر جننه و تیمبوکتو رشد کرد . مسجد سانکور در تیمبوکتو ، که از گل روی چوب ساخته شده بود، از نظر سبک شبیه به مسجد بزرگ جنه بود . ظهور پادشاهی ها در منطقه ساحلی غرب آفریقا، معماری هایی را ایجاد کرد که از سنت های بومی، با استفاده از چوب، آجر گلی و خشت استفاده می کرد. اگرچه بعداً این سبک تأثیرات اسلامی را به خود اختصاص داد، اما این سبک همچنین ریشه در سبک‌های ساختمانی محلی پیش از اسلام داشت، مانند سبک‌هایی که در سکونتگاه‌های باستانی مانند Jenne-Jeno ، Dia، Mali و Dhar Tichitt یافت می‌شود ، [109] که برخی از آنها از سبک سنتی ساحلی استفاده می‌کردند. از آجر گلی استوانه ای [100]

اتیوپیایی

معماری اتیوپی (از جمله اریتره امروزی ) از سبک آکسومیتی گسترش یافت و با گسترش دولت اتیوپی سنت‌های جدیدی را در خود جای داد. سبک ها بیشتر چوب و سازه های گردتر را در معماری داخلی در مرکز کشور و جنوب گنجانده بودند و این تأثیرات سبکی در ساخت کلیساها و صومعه ها نمایان شد. در طول دوره قرون وسطی، معماری و تأثیرات آکسومیت و سنت یکپارچه آن همچنان ادامه داشت، با تأثیر آن در اوایل قرون وسطی (آکسومیت متأخر) و دوره زاگوه (زمانی که کلیساهای یکپارچه سنگی تراشیده شده در لالیبلا کنده کاری شده بودند). در سراسر دوره قرون وسطی، و به ویژه از قرن 10 تا 12، کلیساها از صخره در سراسر اتیوپی تراشیده شدند، به ویژه در شمال ترین منطقه Tigray ، که قلب امپراتوری Aksumite بود. معروف‌ترین نمونه معماری سنگ‌تراشی شده در اتیوپی، یازده کلیسای یکپارچه Lalibela هستند که از توف آتشفشانی قرمز موجود در اطراف شهر حک شده‌اند. [110] در اوایل دوره مدرن در اتیوپی، جذب تأثیرات متنوع جدید مانند سبک باروک، عرب، ترک و گجراتی با ورود مبلغان یسوعی پرتغالی در قرن 16 و 17 آغاز شد.

اقیانوسیه

بیشتر ساختمان های اقیانوسی از کلبه هایی تشکیل شده اند که از چوب و سایر مواد گیاهی ساخته شده اند. هنر و معماری اغلب ارتباط نزدیکی با یکدیگر داشته اند - برای مثال، انبارها و خانه های جلسات اغلب با کنده کاری های استادانه تزئین شده اند - و بنابراین در این بحث با هم ارائه می شوند. معماری جزایر اقیانوس آرام متنوع و گاهی در مقیاس بزرگ بود. ساختمان ها ساختار و مشغله های جوامع سازنده آنها را با جزئیات نمادین قابل توجهی منعکس می کردند. از نظر فنی، بیشتر ساختمان‌ها در اقیانوسیه چیزی بیش از مجموعه‌ای ساده از میله‌ها نبودند که با شلاق‌های عصایی در کنار هم قرار گرفته بودند. تنها در جزایر کارولین روش های پیچیده اتصال و چسباندن شناخته شده بود. Fakhua shen، Taboa shen و Kuhua shen (سه قلوهای shen) اولین معماری اقیانوسی را طراحی کردند.

یک سایت باستانی مهم اقیانوسی نان مدول از ایالات فدرال میکرونزی است . نان مادول مقر تشریفاتی و سیاسی سلسله Saudeleur بود که حدود 25000 نفر پونپی را تا حدود سال 1628 متحد کرد . یا قرن دوم میلادی در قرن هشتم یا نهم، ساخت جزایر آغاز شد، با ساخت معماری متمایز مگالیتیک که از 1180 تا 1200 بعد از میلاد آغاز شد. [112]

اسلامی

با توجه به گستردگی فتوحات اسلامی ، معماری اسلامی طیف وسیعی از سبک های معماری را از ابتدای اسلام (قرن هفتم) تا به امروز در بر می گیرد. معماری اولیه اسلامی متاثر از معماری رومی ، بیزانسی ، ایرانی ، بین النهرینی و سایر سرزمین هایی بود که فتوحات مسلمانان اولیه در قرن هفتم و هشتم فتح کردند. [118] [119] بیشتر در شرق، با گسترش اسلام به آسیای جنوب شرقی نیز تحت تأثیر معماری چینی و هندی قرار گرفت . این تاریخ گسترده و طولانی موجب پیدایش بسیاری از سبک‌های معماری محلی شده است، از جمله: معماری اموی ، عباسی ، ایرانی ، موری ، فاطمی ، مملوکی ، عثمانی ، هندی-اسلامی (به ویژه مغول )، چینی-اسلامی و ساحلی .

برخی از بناهای متمایز در معماری اسلامی عبارتند از: مساجد ، مدارس ، مقبره ها، کاخ ها، حمام ها و قلعه ها. انواع برجسته معماری مذهبی اسلامی عبارتند از : مساجد کم‌سبک ، مساجد و مقبره‌های گنبدی، سازه‌هایی با ایوان‌های طاق‌دار ، و مدارسی که در اطراف حیاط‌های مرکزی ساخته شده‌اند. در معماری سکولار، نمونه‌های اصلی کاخ‌های تاریخی حفظ‌شده عبارتند از الحمرا و کاخ توپکاپی . اسلام به پرستش بت ها تشویق نمی کند; از این رو معماری به جای تصویرسازی صحنه ها و داستان ها، تمایل دارد با خط عربی (از جمله آیات قرآن یا اشعار دیگر) و با نقوش انتزاعی تر مانند نقش های هندسی ، مقرنس ها و عربی ها تزئین شود. [120] [121] [122] [123]

اروپایی

قرون وسطی

نمونه‌های باقی‌مانده از معماری سکولار قرون وسطی عمدتاً برای دفاع در بخش‌های مختلف اروپا خدمت می‌کردند. قلعه ها و دیوارهای مستحکم برجسته ترین نمونه های غیر مذهبی باقی مانده از معماری قرون وسطی را ارائه می دهند. در این دوره انواع جدیدی از ساختمان‌های مدنی، نظامی و مذهبی با سبک‌های جدید در این منطقه ظاهر می‌شوند.

بیزانسی

معماران بیزانسی دیوارهای شهر، کاخ ها، هیپودروم ها، پل ها، قنات ها و کلیساها را ساختند. آنها انواع مختلفی از کلیساها را ساختند، از جمله کلیسا (متداول ترین نوع، و کلیسا که به بزرگترین توسعه رسید). پس از دوره اولیه، رایج‌ترین طرح‌بندی چهارگوش با پنج گنبد بود که در مسکو ، نووگورود یا کیف ، و همچنین در رومانی ، بلغارستان ، صربستان ، مقدونیه شمالی و آلبانی یافت شد . از طریق اصلاحات و اقتباس از الهام محلی، سبک بیزانس به عنوان منبع اصلی الهام برای سبک های معماری در تمام کشورهای ارتدکس شرقی استفاده خواهد شد . [129] به عنوان مثال، در رومانی، سبک Brâncovenesc بسیار بر اساس معماری بیزانسی است، اما همچنین دارای ویژگی های فردی رومانیایی است.

همانطور که پارتنون مشهورترین بنای معماری یونان باستان است ، ایاصوفیه نیز کلیسای نمادین مسیحیت ارتدکس باقی مانده است . در معابد یونانی و رومی ، نمای بیرونی مهم‌ترین قسمت معبد بود که در آن قربانی‌ها انجام می‌شد. قسمت داخلی، جایی که مجسمه فرقه خدایی که معبد برای او ساخته شده بود نگهداری می شد، اغلب دسترسی محدودی برای عموم داشت. اما عبادت های مسیحی در داخل کلیساها برگزار می شود، نمای بیرونی بیزانس معمولاً تزئینات کمی دارد. [130]

معماری بیزانسی اغلب دارای ستون‌های مرمری، سقف‌های صندوقدار و تزئینات مجلل، از جمله استفاده گسترده از موزاییک‌هایی با زمینه‌های طلایی بود . [131] مصالح ساختمانی مورد استفاده معماران بیزانسی دیگر مرمر نبود، که بسیار مورد استقبال یونانیان باستان بود. برای پنجره ها بیشتر از سنگ و آجر استفاده می کردند . [132] از موزاییک ها برای پوشاندن دیوارهای آجری و هر سطح دیگری که نقاشی های دیواری در آن مقاومت نمی کرد استفاده می شد. نمونه‌های خوبی از موزاییک‌های دوره بیزانسی در هاگیوس دمتریوس در تسالونیکی (یونان)، کلیسای سنت آپولینار نووو و کلیسای سن ویتال ، هر دو در راونا (ایتالیا) و ایاصوفیه در استانبول هستند .

ارمنستان

معماری و شهرسازی ارمنستان از همان آغاز شکل گیری روابط فئودالی وارد مرحله جدیدی شد. شهرهای باستانی ارمنستان دچار انحطاط اقتصادی شدند. تنها آرتاشات و تیگراناکرت اهمیت خود را حفظ کردند. اهمیت شهرهای دوین و کارین (ارزروم) افزایش یافت. ساخت شهر ارشاکاوان توسط ارشک دوم پادشاه ارمنستان بزرگ به طور کامل به پایان نرسید. مسیحیت معماری جدیدی از بناهای مذهبی را زنده کرد که در ابتدا از سنت های معماری قدیمی و باستانی تغذیه می شد.

کلیساهای قرن 4-5 عمدتاً بازیلیکا هستند ( قسخ ، قرن 4-5، اشتراک، قرن پنجم، اختس، قرن چهارم، یغورد، قرن پنجم). برخی از کلیساهای معماری ارمنی متعلق به کلیساهای باسیلیکایی به اصطلاح «نوع غربی» هستند. از این میان مشهورترین کلیساها عبارتند از کلیساهای تکور (قرن 5)، یرروک (قرن IV-V)، دوین (470)، Tsitsernavank (قرن IV-5). کلیسای سه شبستانی یررویک بر روی یک استیلوبات 6 پله ای قرار دارد که احتمالاً در محل معبدی پیش از مسیحیت ساخته شده است. باسیلیکای کارنوت (قرن پنجم)، یغورد (قرن پنجم)، گارنی (قرن چهارم)، زوونی (قرن پنجم)، تساغکاوانک (قرن ششم)، دوینا (553–557)، تالین (قرن پنجم) نیز حفظ شده است. .)، تنات (491)، جرجریس (قرن IV-V)، لرناکرت (قرن IV-V) و غیره [136]

رمانسک

اصطلاح «رومانسک» ریشه در قرن نوزدهم دارد، زمانی که برای توصیف کلیساهای قرون وسطایی ساخته شده از قرن دهم تا دوازدهم، قبل از ظهور طاق‌های نوک تیز، تکیه‌گاه‌های پرنده و دیگر عناصر گوتیک ابداع شد. این سبک معماری تقریباً به طور همزمان در چندین کشور (فرانسه، آلمان، ایتالیا، اسپانیا) ظهور کرد. [142] برای منتقدان قرن 19، رومنسک بازتاب معماری سنگ‌تراش‌هایی بود که ظاهراً طاق‌های بشکه‌ای سنگین و سرستون‌های حکاکی شده پیچیده رومیان باستان را تحسین می‌کردند، اما معماری خود را مشتق و منحط می‌دانستند، فاقد پیچیدگی‌های مدل‌های کلاسیک‌شان.

محققان در قرن بیست و یکم تمایل کمتری به درک معماری این دوره به عنوان «شکست» در بازتولید دستاوردهای گذشته دارند و به احتمال زیاد انبوه اشکال تجربی آن را به عنوان مجموعه ای از اختراعات خلاقانه جدید تشخیص می دهند. با این حال، در آن زمان، تحقیقات ارزش رمانسک به عنوان یک اصطلاح سبک را زیر سوال برد. در ظاهر، نامی مناسب برای ساختمان‌هایی ارائه می‌دهد که واژگان مشترکی از طاق‌های گرد و سنگ‌تراشی ضخیم دارند و در بین احیای دوران باستان کلاسیک کارولینژی در قرن نهم و تکامل سریع معماری گوتیک پس از نیمه دوم ظاهر می‌شوند. قرن دوازدهم با این حال، یک مشکل این است که این اصطلاح طیف وسیعی از تغییرات منطقه‌ای را در بر می‌گیرد که برخی از آنها پیوندهای نزدیک‌تری به رم دارند تا دیگران. همچنین باید توجه داشت که تمایز بین معماری رومانسک و پیشینیان و پیروان بلافصل آن به هیچ وجه روشن نیست. شواهد کمی وجود دارد مبنی بر اینکه بینندگان قرون وسطایی به تمایزات سبکی که امروزه مشاهده می‌کنیم توجه داشتند، و این امر باعث می‌شود که تکامل آهسته معماری قرون وسطی به دسته‌های زمانی منظمی تقسیم شود. با این وجود، رمانسک علیرغم محدودیت‌هایش، واژه‌ای مفید باقی می‌ماند، زیرا دوره‌ای از فعالیت‌های ساختمانی فشرده را منعکس می‌کند که تداومی با گذشته کلاسیک حفظ می‌کند، اما اشکال باستانی را آزادانه به شیوه‌ای متمایز جدید تفسیر می‌کند. [21]

کلیساهای رومی را می توان به راحتی از کلیساهای گوتیک و بیزانسی متمایز کرد، زیرا آنها با استفاده گسترده از اسکله ها و ستون های ضخیم، طاق های گرد و سختی مشخص می شوند. در اینجا، امکانات طاق گرد در هر دو مفهوم ساختاری و فضایی یک بار دیگر به طور کامل مورد استفاده قرار گرفت. بر خلاف قوس نوک تیز گوتیک متأخر، طاق گرد رومی به پشتیبانی از پایه ها و ستون های عظیم نیاز داشت. در مقایسه با کلیساهای بیزانسی، کلیساهای رومی از تزئینات پیچیده در نمای بیرونی و داخلی برخوردار نیستند. نمونه‌ای از این کلیسای جامع پریگو ( Périgueux ، فرانسه) است که در اوایل قرن دوازدهم ساخته شد و بر اساس الگوی کلیسای سنت مارک در ونیز طراحی شد ، اما فاقد موزاییک است و فضای داخلی آن را بسیار ساده و مینیمال می‌کند. [143]

گوتیک

معماری گوتیک با مجموعه‌ای از آزمایش‌ها آغاز شد که برای برآورده کردن درخواست‌های خاص مشتریان و جا دادن تعداد روزافزون زائرانی که از مکان‌هایی بازدید می‌کردند که آثار ارزشمندی را در خود جای داده بودند، انجام شد. زائران در قرون وسطی بالا (حدود 1000 تا 1250 بعد از میلاد) به طور فزاینده ای به مکان های زیارتی معروف، اما همچنین به مکان های محلی که قدیسان محلی و ملی معروف به انجام معجزه بودند، سفر می کردند. کلیساها و صومعه‌ها که آثار مهمی را در خود جای داده‌اند ، می‌خواستند محبوبیت مقدسین مربوطه خود را افزایش دهند و زیارتگاه‌های مناسبی برای آنها بسازند. این زیارتگاه‌ها صرفاً تکیه‌گاه‌های نگین‌کاری‌شده نبودند، بلکه مهم‌تر از آن به شکل تنظیمات معماری قدرتمندی بودند که با نورهای رنگی ساطع شده از مناطق وسیع شیشه‌های رنگی مشخص می‌شد . با این حال، استفاده از شیشه های رنگی تنها عنصر تعیین کننده معماری گوتیک نیست و همچنین طاق نوک تیز ، طاق آجدار ، پنجره گل رز یا تکیه گاه پرنده نیز وجود ندارد ، زیرا بسیاری از این عناصر در گذشته به روشی مورد استفاده قرار می گرفتند. سنت های معماری این بیشتر ترکیب و اصلاح مداوم این عناصر، همراه با واکنش سریع به تکنیک های ساختمانی که به سرعت در حال تغییر آن زمان بود، بود که به جنبش گوتیک در معماری دامن زد.

در نتیجه، اشاره به یک عنصر یا مکان دقیقی که گوتیک برای اولین بار در آنجا ظهور کرد، دشوار است. با این حال، شروع بحث در مورد معماری گوتیک با کلیسای سنت دنیس (حدود 1135-1344) و حامیان آن، ابوت سوگر ، که شروع به بازسازی جبهه غربی و گروه کر کلیسا کردند، سنتی است. همانطور که او در De Administratione خود نوشت ، ساختمان قدیمی دیگر نمی توانست حجم زیادی از زائران را که برای ادای احترام به یادگارهای سنت دنیس می آمدند در خود جای دهد، و راه حلی برای این دو مورد: نمای غربی با سه درگاه بزرگ و گروه کر نوآورانه جدید . ، که یک سرپایی را با کلیساهای تابشی ترکیب می کرد که منحصر به فرد بودند زیرا با دیوارها از هم جدا نمی شدند. در عوض ردیفی از ستون‌های باریک بین نمازخانه‌ها و طاق‌های گروه کر تعبیه شده بود تا طاق‌های دنده‌ای را پشتیبانی کنند. نتیجه به بازدیدکنندگان این امکان را می‌دهد تا در اطراف محراب گردش کنند و بدون اینکه فضای محراب را مختل کنند، در دسترس آثار قرار گیرند، در حالی که پنجره‌های شیشه‌ای رنگی بزرگ داخل کلیساها را نیز تجربه می‌کنند. همانطور که توسط Suger تایید شد ، میل به رنگ آمیزی بیشتر لزوماً آوردن نور روز بیشتر به ساختمان نبود، بلکه پرکردن فضا با پرتوهای پیوسته ای از نور رنگارنگ بود، مانند موزاییک ها یا سنگ های قیمتی، که باعث ناپدید شدن دیوار می شد. تقاضا برای پنجره‌های شیشه‌ای رنگی و جستجوی تکنیک‌هایی که از آن‌ها پشتیبانی می‌کند، در طول توسعه معماری گوتیک ثابت است، همانطور که در نوشته‌های سوگر، که مجذوب کیفیت عرفانی چنین نورپردازی بود، مشهود است. [21]

گوتیک آجری سبک خاصی از معماری گوتیک بود که در اروپای شمال شرقی و مرکزی به ویژه در نواحی داخل و اطراف دریای بالتیک که منابع سنگی ایستاده ندارند رایج بود. ساختمان ها اساسا با استفاده از آجر ساخته شده اند .

رنسانس

در دوران رنسانس ، ایتالیا متشکل از ایالات بسیاری بود و رقابت شدید بین آنها باعث افزایش پیشرفت‌های فنی و هنری شد. خانواده مدیچی ، یک خانواده بانکداری و سلسله سیاسی ایتالیایی ، به دلیل حمایت مالی از هنر و معماری رنسانس مشهور است.

این دوره در حدود سال 1452 آغاز شد، زمانی که معمار و اومانیست لئون باتیستا آلبرتی (1404-1472) رساله خود را De Re Aedificatoria ( درباره هنر ساختمان ) پس از مطالعه ویرانه‌های باستانی روم و De Architectura Vitruvius تکمیل کرد . نوشته‌های او موضوعات متعددی از جمله تاریخ، شهرسازی، مهندسی، هندسه مقدس، انسان‌گرایی و فلسفه‌های زیبایی را پوشش می‌دهد و عناصر کلیدی معماری و تناسبات ایده‌آل آن را بیان می‌کند. در دهه های پایانی قرن پانزدهم، هنرمندان و معماران برای مطالعه ویرانه ها، به ویژه کولوسئوم و پانتئون ، شروع به بازدید از رم کردند . آنها سوابق گرانبهایی از مطالعات خود را در قالب نقاشی به یادگار گذاشتند. در حالی که علاقه انسان‌گرایان به رم بیش از یک قرن افزایش یافته بود (حداقل به پترارک در قرن چهاردهم باز می‌گردد)، ملاحظات باستانی بناها به جای بقایای فیزیکی، بر اطلاعات ادبی، کتیبه‌ای و تاریخی متمرکز شده بود. اگرچه برخی از هنرمندان و معماران، مانند فیلیپو برونلسکی (1377-1446)، دوناتلو (حدود 1386-1466) و لئون باتیستا آلبرتی، گزارش شده‌اند که درباره مجسمه‌سازی و ویرانه‌های رومی مطالعاتی انجام داده‌اند، تقریباً هیچ مدرک مستقیمی از این اثر باقی نمانده است. در دهه 1480، معماران برجسته، مانند فرانچسکو دی جورجیو (1439-1502) و جولیانو دا سانگالو (حدود 1445-1516)، در حال انجام مطالعات متعددی در مورد بناهای باستانی بودند که به روشی انجام شد که نشان داد فرآیند تبدیل مدل به یک طراحی جدید از قبل شروع شده بود. در بسیاری از موارد، ترسیم ویرانه‌ها در حالت تکه تکه‌شان نیاز به جهشی از تخیل داشت، همان‌طور که خود فرانچسکو در حاشیه‌نویسی‌اش برای بازسازی کمپیدوگلیو به آسانی اعتراف کرد و اشاره کرد که «تصور زیادی توسط من وجود دارد، زیرا خیلی چیزها را می‌توان از ویرانه‌ها فهمید. [156]

به زودی، ساختمان های بزرگی در فلورانس با استفاده از سبک جدید ساخته شد، مانند کلیسای کوچک پازی (1441-1478) یا پالازو پیتی (1458-1464). رنسانس در ایتالیا آغاز شد، اما به آرامی با تفاسیر متفاوت به سایر نقاط اروپا گسترش یافت. [149]

از آنجایی که هنر رنسانس تلاشی برای احیای فرهنگ روم باستان است، تقریباً از تزئینات مشابه یونان و روم باستان استفاده می کند. با این حال، از آنجایی که بیشتر یا نه همه منابعی که هنرمندان رنسانس در اختیار داشتند ، رومی بودند ، معماری و هنرهای کاربردی رنسانس به طور گسترده از نقوش و زیور آلات خاصی استفاده می‌کنند که مخصوص روم باستان است. نمادین‌ترین آنها مارجنت است ، آرایش عمودی از گل‌ها، برگ‌ها یا تاک‌های آویزان که در ستون‌ها استفاده می‌شود . یکی دیگر از زیور آلات مرتبط با رنسانس ، مدالیون گرد است که شامل نمایه ای از یک شخص است، شبیه به کامئوهای باستانی . سبک‌های رنسانس، باروک، روکوکو و دیگر سبک‌های پس از قرون وسطی در مقایسه با هنر و معماری یونانی-رومی، اغلب از پوتی (فرشته‌های چاق بچه) استفاده می‌کنند. تزیینی که در دوران رنسانس مجدداً معرفی شد و از تبار روم باستان بود و در سبک‌های بعدی نیز مورد استفاده قرار خواهد گرفت، کارتوش است ، طرحی بیضی یا مستطیل با سطح کمی محدب، که معمولاً با طومارهای زینتی لبه‌هایی دارد .

در سراسر جهان

باروک

باروک از ضد اصلاحات به عنوان تلاشی توسط کلیسای کاتولیک در رم برای انتقال قدرت خود و تأکید بر عظمت خدا پدیدار شد. باروک و نوع متاخر آن روکوکو اولین سبک واقعا جهانی در هنر بودند. تسلط بر بیش از دو قرن هنر و معماری در اروپا، آمریکای لاتین و فراتر از آن از حدود 1580 تا حدود 1800. متولد شده در استودیوهای نقاشی بولونیا و رم در دهه های 1580 و 1590، و در آتلیه های مجسمه سازی و معماری رومی در دوره دوم و سوم. دهه‌های قرن هفدهم، باروک به سرعت در سراسر ایتالیا ، اسپانیا و پرتغال ، فلاندر، فرانسه ، هلند، انگلستان، اسکاندیناوی و روسیه و همچنین به مراکز اروپای مرکزی و شرقی از مونیخ (آلمان) تا ویلنیوس ( لیتوانی ) گسترش یافت. . امپراتوری های پرتغال ، اسپانیا و فرانسه و شبکه تردینگ هلندی نقش پیشرو در گسترش این دو سبک در قاره آمریکا و آفریقا و آسیا مستعمرات، در مکان هایی مانند لیما ، موزامبیک ، گوا و فیلیپین داشتند . [166] با توجه به گسترش آن در مناطق با سنت های معماری متفاوت، انواع مختلفی از باروک بر اساس مکان ظاهر شد، در برخی جنبه ها متفاوت، اما در کل مشابه است. به عنوان مثال، باروک فرانسوی در مقایسه، سخت و بی‌تفاوت به نظر می‌رسید و از نئوکلاسیکیسم و ​​معماری عصر روشنگری جلوگیری می‌کرد . [157] معماری ترکیبی بومیان آمریکا/اروپایی باروک اولین بار در آمریکای جنوبی (برخلاف مکزیک) در اواخر قرن هفدهم ظاهر شد، پس از اینکه نمادها و سبک های بومی که این گونه غیرمعمول باروک را مشخص می کنند در طول قرن قبل در سایر قرن ها زنده نگه داشته شدند. رسانه ها، نمونه بسیار خوبی از آن کلیسای یسوعی در آرکیپا (پرو) است. [167]

اولین ساختمان‌های باروک کلیساها، کلیساها و صومعه‌ها بودند که به زودی ساختمان‌های مدنی، عمارت‌ها و کاخ‌ها به آن‌ها پیوستند. با پویایی مشخص می شود، برای اولین بار دیوارها، نماها و فضاهای داخلی منحنی هستند، [168] یک نمونه خوب San Carlo alle Quattro Fontane در رم است. معماران باروک عناصر اساسی معماری رنسانس از جمله گنبدها و ستون‌ها را در نظر گرفتند و آن‌ها را بلندتر، بزرگ‌تر، تزئین‌شده‌تر و دراماتیک‌تر ساختند. جلوه‌های داخلی اغلب با استفاده از نقاشی کوادراتورا یا نقاشی ترومپ‌لِیل همراه با مجسمه‌سازی به دست می‌آمد: چشم به سمت بالا کشیده می‌شود و این توهم را به وجود می‌آورد که به آسمان نگاه می‌کند. دسته‌هایی از فرشتگان حجاری‌شده و پیکره‌های نقاشی شده سقف را ازدحام کرده‌اند. نور همچنین برای جلوه دراماتیک استفاده شد. از گنبدها سرازیر شد و از تذهیب فراوان منعکس شد. ستون های سلیمانی اغلب برای ایجاد توهم حرکت رو به بالا استفاده می شدند و سایر عناصر تزئینی هر فضای موجود را اشغال می کردند. در کاخ های باروک، راه پله های بزرگ به یک عنصر اصلی تبدیل شد. [169] علاوه بر معماری، نقاشی و مجسمه سازی باروک با پویایی نیز مشخص می شود. این در تضاد با ایستایی و صلح آمیز بودن هنر رنسانس است.

علاوه بر خود ساختمان، فضایی که در آن قرار گرفته نیز نقش داشته است. ساختمان های باروک و روکوکو هر دو سعی می کنند توجه بینندگان را به خود جلب کنند و بر اطراف خود مسلط شوند، چه در مقیاس کوچک مانند San Carlo alle Quattro Fontane در رم، یا در یک ساختمان عظیم، مانند نمای جدید کلیسای جامع سانتیاگو د کامپوستلا . طراحی شده تا بر فراز شهر باشد. تجلی قدرت و اقتدار در بزرگ ترین مقیاس، برنامه ریزی شهری باروک و نوسازی توسط کلیسا و دولت به طور یکسان ترویج شد. این اولین دوره از دوران باستان بود که مهاجرت دسته جمعی به شهرها را تجربه کرد و برنامه ریزان شهری اقدامات ایده آلیستی را برای تنظیم آنها انجام دادند. بارزترین نمونه اولیه بازسازی طرح خیابان رم توسط دومنیکو فونتانا از پاپ سیکستوس پنجم بود . معماران از اوایل رنسانس طرح‌های شهری ایده‌آلی را آزمایش کرده بودند، نمونه‌هایی از آن لئون باتیستا آلبرتی (1404-1472) بود که یک شهر نمونه متمرکز را طراحی کرد، با خیابان‌هایی که به یک میدان مرکزی یا فیلارته (Antonio di Pietro Aver(u)lino، c.  1400 - حدود  1469 ) طراحی شهری گرد به نام اسفورزیندا (1451-1456) که بر اساس بخش‌هایی از بدن انسان این ایده را نشان می‌دهد که یک شهر سالم باید نمایانگر چهره ساکنان آن باشد. با این حال، هیچ یک از این شهرهای آرمانی هرگز ساخته نشده است. در واقع، تعداد کمی از این پروژه ها در اروپا به اجرا درآمدند، زیرا شهرهای جدید بسیار پرهزینه بودند و مناطق شهری موجود، با کلیساها و کاخ های موجود، قابل تخریب نبودند. تنها در قاره آمریکا، جایی که معماران اغلب فضای تمیزی برای کار داشتند، چنین شهرهایی مانند لیما (پرو) یا بوئنوس آیرس ( آرژانتین ) امکان پذیر بود. اولین شهر ایده آل باروک Zamość است که در شمال شرقی کراکوف (لهستان) توسط معمار ایتالیایی برناردو موراندو ( حدود  1540-1600 ) ساخته شده است. در جاهایی که کل شهرها قابل بازسازی نبود، مشتریان و معماران با ایجاد میدان‌های بزرگ و متقارن، اغلب با خیابان‌ها و تابش در زوایای عمود بر روی یک فواره، مجسمه یا ابلیسک جبران می‌کردند . یک مثال خوب از این مکان Place des Vosges (قبلاً Place Royale) است که احتمالاً پس از طرح‌هایی توسط Baptiste du Cerceau (1590-1545) توسط هنری چهارم ساخته شد. معروف ترین فضای باروک جهان، میدان سنت پیتر جیانلورنزو برنینی در رم است. [170] مشابه با برنامه ریزی شهری ایده آل،باغ‌های باروک با خیابان‌های مستقیم و سازگار با فضاهای هندسی مشخص می‌شوند.

روکوکو

نام روکوکو از کلمه فرانسوی rocaille گرفته شده است که به معنی سنگ کاری پوشیده از صدف و coquille به معنی صدف دریایی است. معماری روکوکو فانتزی و روان است، عدم تقارن را برجسته می کند، با استفاده فراوان از منحنی ها، طومارها، تذهیب و تزئینات. این سبک در نیمه اول قرن هجدهم از محبوبیت زیادی نزد نخبگان حاکم اروپا برخوردار بود. در فرانسه از مد جدید در دکوراسیون داخلی توسعه یافت و در سراسر اروپا گسترش یافت. [175] روکوکوی داخلی لحن اخلاقی والای باروک، تمثیل های سنگین و وسواس آن نسبت به مشروعیت را کنار گذاشت: در واقع، اشکال انتزاعی و موضوعات بی دغدغه و شبانی آن بیشتر به مفاهیم پناهندگی و شادی مربوط می شد که فضای بخشنده تری را برای گفتگوهای مؤدبانه ایجاد می کرد. اتاق‌های روکوکو معمولاً کوچک‌تر از همتایان باروک خود هستند که نشان‌دهنده حرکتی به سمت صمیمیت خانگی است. حتی سالن‌های بزرگ‌تری که برای سرگرمی استفاده می‌شد، در مقیاس متوسط‌تر بودند، زیرا رویدادهای اجتماعی شامل تعداد کمتری مهمان بود.

ویژگی این سبک، نقوش روکای بود که از صدف ها، یخ ها و تزئینات سنگی یا غار به دست می آمد. آرابسک‌های روکای عمدتاً فرم‌های انتزاعی بودند که به‌طور متقارن روی قاب‌های معماری و اطراف آن چیده می‌شدند. موتیف مورد علاقه پوسته گوش ماهی بود که طومارهای بالایی آن طومارهای چارچوب اصلی S و C از عربیسک ها را بازتاب می داد و برجستگی های سینوسی آن منحنی بودن کلی دکوراسیون اتاق را بازتاب می داد. در حالی که تعداد کمی از نمای بیرونی روکوکو در فرانسه ساخته شده است، تعدادی از کلیساهای روکوکو در جنوب آلمان یافت می شوند. [176] دیگر نقوش پرکاربرد در هنرهای تزئینی و معماری داخلی عبارتند از: آکانتوس و سایر برگ‌ها، پرندگان، دسته‌های گل، میوه‌ها، عناصر مرتبط با عشق ( پوتی ، کتک‌هایی با تیر و قلب‌های تیردار) ، غنائم بازو ، پوتی ، مدال‌ها. با چهره‌ها، گل‌های فراوان و عناصر خاور دور ( بتکده‌ها ، اژدها، میمون‌ها، گل‌های عجیب و غریب، بامبو و مردم چین). [177] رنگ های پاستلی مانند آبی روشن، سبز نعنایی یا صورتی به طور گسترده مورد استفاده قرار می گرفتند. طراحان روکوکو نیز آینه ها را دوست داشتند (هرچه بیشتر، بهتر)، نمونه آن تالار آینه های آمالینبورگ ( مونیخ ، آلمان)، اثر یوهان باپتیست زیمرمان است . به طور کلی، آینه ها نیز در بالای شومینه قرار دارند.

اگزوتیسم

The interactions between East and West brought on by colonialist exploration have had an impact on aesthetics. Because of being something rare and new to Westerners, some non-European styles were really appreciated during the 17th, 18th and 19th centuries. Some nobles and kings built little structures inspired by these styles in the gardens of their palaces, or fully decorated a handful of rooms of palaces like this. Because of not fully understanding the origins and principles that govern these exotic aesthetics, Europeans sometimes created hybrids of the style which they tried to replicate and which were the trends at that time. A good example of this is chinoiserie, a Western decorative style, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese arts, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was something hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques.

Chinese art was not the only foreign style with which Europeans experimented. Another was the Islamic one. Examples of this include the Garden Mosque of the Schwetzingen Palace in Germany (the only surviving example of an 18th-century European garden mosque), the Royal Pavilion in Brighton, or the Moorish Revival buildings from the 19th and early 20th centuries, with horseshoe arches and brick patterns. When it come to the Orient, Europeans also had an interest for the culture of Ancient Egypt. Compared to other cases of exoticism, the one with the land of pharaohs is the oldest one, since Ancient Greeks and Romans had this interest during Antiquity. The main periods when Egyptian Revival monuments were erected were the early 19th century, with Napoleon's military campaigns in Egypt, and the 1920s, when the Tomb of Tutankhamun was discovered in 1922, which caused an Egyptomania that lead to Art Deco sometimes using motifs inspired by Ancient Egypt. During the late 18th and early 19th century, Neoclassicism sometimes mixed Greco-Roman elements with Egyptian ones. Because of its association with pharaohs, death and eternity, multiple Egyptian Revival tombs or cemetery entry gates were built in this style. Besides mortuary structures, other buildings in this style include certain synagogues, like the Karlsruhe Synagogue or some Empire monuments built during the reign of Nepoleon, such as the Egyptian portico of the Hôtel Beauharnais or the Fontaine du Fellah. During the 1920s and 1930s, Pre-Columbian Mesoamerican architecture was of great interest for some American architects, particularly what the Mayans built. Several of Frank Lloyd Wright's California houses were erected in a Mayan Revival style, while other architects combined Mayan motifs with Art Deco ones.[186]

Neoclassicism

Neoclassical architecture focused on Ancient Greek and Roman details, plain, white walls and grandeur of scale. Compared to the previous styles, Baroque and Rococo, Neoclassical exteriors tended to be more minimalist, featuring straight and angular lines, but being still ornamented. The style's clean lines and sense of balance and proportion worked well for grand buildings (such as the Panthéon in Paris) and for smaller structures alike (such as the Petit Trianon).

Excavations during the 18th century at Pompeii and Herculaneum, which had both been buried under volcanic ash during the 79 AD eruption of Mount Vesuvius, inspired a return to order and rationality, largely thanks to the writings of Johann Joachim Winckelmann.[197][198] In the mid-18th century, antiquity was upheld as a standard for architecture as never before. Neoclassicism was a fundamental investigation of the very bases of architectural form and meaning. In the 1750s, an alliance between archaeological exploration and architectural theory started, which will continue in the 19th century. Marc-Antoine Laugier wrote in 1753 that 'Architecture owes all that is perfect to the Greeks'.[199]

The Cenotaph of Newton, c. 1784 (never built), by Étienne-Louis Boullée[193]

The style was adopted by progressive circles in other countries such as Sweden and Russia. Federal-style architecture is the name for the classicizing architecture built in North America between c. 1780 and 1830, and particularly from 1785 to 1815. This style shares its name with its era, the Federal Period. The term is also used in association with furniture design in the United States of the same time period. The style broadly corresponds to the middle-class classicism of Biedermeier style in the German-speaking lands, Regency style in Britain and to the French Empire style. In Central and Eastern Europe, the style is usually referred to as Classicism (German: Klassizismus, Russian: Классицизм), while the newer Revival styles of the 19th century until today are called neoclassical.

Étienne-Louis Boullée (1728–1799) was a visionary architect of the period. His utopian projects, never built, included a monument to Isaac Newton (1784) in the form of an immense dome, with an oculus allowing the light to enter, giving the impression of a sky full of stars. His project for an enlargement of the Royal Library (1785) was even more dramatic, with a gigantic arch sheltering the collection of books. While none of his projects were ever built, the images were widely published and inspired architects of the period to look outside the traditional forms.[200]

Similarly with the Renaissance and Baroque periods, during the Neoclassical one urban theories of how a good city should be appeared too. Enlightenment writers of the 18th century decried the problems of Paris at that time, the biggest one being the big number of narrow medieval streets crowded with modest houses. Voltaire openly criticized the failure of the French Royal administration to initiate public works, improve the quality of life in towns, and stimulate the economy. 'It is time for those who rule the most opulent capital in Europe to make it the most comfortable and the most magnificent of cities. There must be public markets, fountains which actually provide water and regular pavements. The narrow and infected streets must be widened, monuments that cannot be seen must be revealed and new ones built for all to see', Voltaire insisted in a polemical essay on 'The Embellishments of Paris' in 1749. In the same year, Étienne La Font de Saint-Yenne, criticized how Louis XIV's great east façade of the Louvre, was all but hidden from views by a dense quarter of modest houses. Voltaire also said that in order to transform Paris into a city that could rival ancient Rome, it was necessary to demolish more than it was to built. 'Our towns are still what they were, a mass of houses crowded together haphazardly without system, planning or design', Marc-Antoine Laugier complained in 1753. Writing a decade later, Pierre Patte promoted an urban reform in quest of health, social order, and security, launching at the same time a medical and organic metaphor which compared the operations of urban design to those of the surgeons. With bad air and lack of fresh water its current state was pathological, Patte asserted, calling for fountains to be placed at principal intersections and markets. Squares are recommended promote the circulation of air, and for the same reason houses on the city's bridges should be demolished. He also criticized the location of hospitals next to markets and protested continued burials in overcrowded city churchyards.[201] Besides cities, new ideas of how a garden should be appeared in 18th century England, making place for the English landscape garden (aka jardin à l'anglaise), characterized by an idealized view of nature, and the use of Greco-Roman or Gothic ruins, bridges, and other picturesque architecture, designed to recreate an idyllic pastoral landscape. It was the opposite of the symmetrical and geometrically planned Baroque garden (aka jardin à la française).

Revivalism and Eclecticism

The 19th century was dominated by a wide variety of stylistic revivals, variations, and interpretations. Revivalism in architecture is the use of visual styles that consciously echo the style of a previous architectural era. Modern-day Revival styles can be summarized within New Classical architecture, and sometimes under the umbrella term traditional architecture.

The idea that architecture might represent the glory of kingdoms can be traced to the dawn of civilisation, but the notion that architecture can bear the stamp of national character is a modern idea, that appeared in the 18th century historical thinking and given political currency in the wake of the French Revolution. As the map of Europe was repeatedly changing, architecture was used to grant the aura of a glorious past to even the most recent nations. In addition to the credo of universal Classicism, two new, and often contradictory, attitudes on historical styles existed in the early 19th century. Pluralism promoted the simultaneous use of the expanded range of style, while Revivalism held that a single historical model was appropriate for modern architecture. Associations between styles and building types appeared, for example: Egyptian for prisons, Gothic for churches, or Renaissance Revival for banks and exchanges. These choices were the result of other associations: the pharaohs with death and eternity, the Middle Ages with Christianity, or the Medici family with the rise of banking and modern commerce.

View of Devonpart, near Plymouth (UK), by John Foulston, 1820s, including an 'Egyptian' library, a 'Hindoo' nonconformist chapel, a 'primitive Doric' town hall, and a street of houses with a Roman Corinthian order

Whether their choice was Classical, medieval, or Renaissance, all revivalists shared the strategy of advocating a particular style based on national history, one of the great enterprises of historians in the early 19th century. Only one historic period was claimed to be the only one capable of providing models grounded in national traditions, institutions, or values. Issues of style became matters of state.[204]

The most well-known Revivalist style is the Gothic Revival one, that appeared in the mid-18th century in the houses of a number of wealthy antiquarians in England, a notable example being the Strawberry Hill House. German Romantic writers and architects were the first to promote Gothic as a powerful expression of national character, and in turn use it as a symbol of national identity in territories still divided. Johann Gottfried Herder posed the question 'Why should we always imitate foreigners, as if we were Greeks or Romans?'.[205]

In art and architecture history, the term Orientalism refers to the works of the Western artists who specialized in Oriental subjects, produced from their travels in Western Asia, during the 19th century. In that time, artists and scholars were described as Orientalists, especially in France.

In India, during the British Raj, a new style, Indo-Saracenic, (also known as Indo-Gothic, Mughal-Gothic, Neo-Mughal, or Hindoo style) was getting developed, which incorporated varying degrees of Indian elements into the Western European style. The Churches and convents of Goa are another example of the blending of traditional Indian styles with western European architectural styles. Most Indo-Saracenic public buildings were constructed between 1858 and 1947, with the peaking at 1880.[206] The style has been described as "part of a 19th-century movement to project themselves as the natural successors of the Mughals".[207] They were often built for modern functions such as transport stations, government offices, and law courts. It is much more evident in British power centres in the subcontinent like Mumbai, Chennai, and Kolkata.[208]

Beaux-Arts

The Beaux-Arts style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Due to the fact that international students studied here, there are buildings from the second half of the 19th century and the early 20th century of this type all over the world, designed by architects like Charles Girault, Thomas Hastings, Ion D. Berindey or Petre Antonescu. Today, from Bucharest to Buenos Aires and from San Francisco to Brussels, the Beaux-Arts style survives in opera houses, civic structures, university campuses commemorative monuments, luxury hotels and townhouses. The style was heavily influenced by the Paris Opéra House (1860–1875), designed by Charles Garnier, the masterpiece of the 19th century renovation of Paris, dominating its entire neighbourhood and continuing to astonish visitors with its majestic staircase and reception halls. The Opéra was an aesthetic and societal turning point in French architecture. Here, Garnier showed what he called a style actuel, which was influenced by the spirit of the time, aka Zeitgeist, and reflected the designer's personal taste.

Beaux-Arts façades were usually imbricated, or layered with overlapping classical elements or sculpture. Often façades consisted of a high rusticated basement level, after it a few floors high level, usually decorated with pilasters or columns, and at the top an attic level and/or the roof. Beaux-Arts architects were often commissioned to design monumental civic buildings symbolic of the self-confidence of the town or city. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. However, it was not just a revival of the Baroque, being more of a synthesis of Classicist styles, like Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassicism etc.[216][217][218]

Industry and new technologies

Because of the Industrial Revolution and the new technologies it brought, new types of buildings have appeared. By 1850 iron was quite present in dailylife at every scale, from mass-produced decorative architectural details and objects of apartment buildings and commercial buildings to train sheds. A well-known 19th century glass and iron building is the Crystal Palace from Hyde Park (London), built in 1851 to house the Great Exhibition, having an appearance similar with a greenhouse. Its scale was daunting.

The marketplace pioneered novel uses of iron and glass to create an architecture of display and consumption that made the temporary display of the world fairs a permanent feature of modern urban life. Just after a year after the Crystal Palace was dismantaled, Aristide Boucicaut opened what historians of mass consumption have labelled the first department store, Le Bon Marché in Paris. As the store expanded, its exterior took on the form of a public monument, being highly decorated with French Renaissance Revival motifs. The entrances advanced subtly onto the pavemenet, hoping to captivate the attention of potential customers. Between 1872 and 1874, the interior was remodelled by Louis-Charles Boileau, in collaboration with the young engineering firm of Gustave Eiffel. In place of the open courtyard required to permit more daylight into the interior, the new building focused around three skylight atria.[224]

Art Nouveau

Popular in many countries from the early 1890s until the outbreak of World War I in 1914, Art Nouveau was an influential although relatively brief art and design movement and philosophy. Despite being a short-lived fashion, it paved the way for the modern architecture of the 20th century. Between c. 1870 and 1900, a crisis of historicism occurred, during which the historicist culture was critiqued, one of the voices being Friedrich Nietzsche in 1874, who diagnosed 'a malignant historical fervour' as one of the crippling symptoms of a modern culture burdened by archaeological study and faith in the laws of historical progression.

Focusing on natural forms, asymmetry, sinuous lines and whiplash curves, architects and designers aimed to escape the excessively ornamental styles and historical replications, popular during the 19th century. However, the style was not completely new, since Art Nouveau artists drew on a huge range of influences, particularly Beaux-Arts architecture, the Arts and Crafts movement, aestheticism and Japanese art. Buildings used materials associated in the 19th century with modernity, such as cast-iron and glass. A good example of this is the Paris Metro entrance at Porte Dauphine by Hector Guimard (1900). Its cast-iron and glass canopy is as much sculpture as it is architecture. In Paris, Art Nouveau was even called Le Style Métro by some. The interest for stylized organic forms of ornamentation originated in the mid 19th century, when it was promoted in The Grammar of Ornament (1854), a pattern book by British architect Owen Jones (architect) (1809–1874).

Whiplash curves and sinuous organic lines are its most familiar hallmarks, however the style can not be summarized only to them, since its forms are much more varied and complex. The movement displayed many national interpretations. Depending on where it manifested, it was inspired by Celtic art, Gothic Revival, Rococo Revival, and Baroque Revival. In Hungary, Romania and Poland, for example, Art Nouveau incorporated folkloric elements. This is true especially in Romania, because it facilitated the appearance of the Romanian Revival style, which draws inspiration from Brâncovenesc architecture and traditional peasant houses and objects. The style also had different names, depending on countries. In Britain it was known as Modern Style, in the Netherlands as Nieuwe Kunst, in Germany and Austria as Jugendstil, in Italy as Liberty style, in Romania as Arta 1900, and in Japan as Shiro-Uma. It would be wrong to credit any particular place as the only one where the movement appeared, since it seems to have arisen in multiple locations.[233][234][235][236]

Modern

Rejecting ornament and embracing minimalism and modern materials, Modernist architecture appeared across the world in the early 20th century. Art Nouveau paved the way for it, promoting the idea of non-historicist styles. It developed initially in Europe, focusing on functionalism and the avoidance of decoration. Modernism reached its peak during the 1930s and 1940s with the Bauhaus and the International Style, both characterised by asymmetry, flat roofs, large ribbon windows, metal, glass, white rendering and open-plan interiors.[240]

Art Deco

Art Deco, named retrospectively after an exhibition held in Paris in 1925, originated in France as a luxurious, highly decorated style. It then spread quickly throughout the world - most dramatically in the United States - becoming more streamlined and modernistic through the 1930s. The style was pervasive and popular, finding its way into the design of everything from jewellery to film sets, from the interiors of ordinary homes to cinemas, luxury streamliners and hotels. Its exuberance and fantasy captured the spirit of the 'roaring 20s' and provided an escape from the realities of the Great Depression during the 1930s.[245]

Although it ended with the start of World War II, its appeal has endured. Despite that it is an example of modern architecture, elements of the style drew on ancient Egyptian, Greek, Roman, African, Aztec and Japanese influences, but also on Futurism, Cubism and the Bauhaus. Bold colours were often applied on low-reliefs. Predominant materials include chrome plating, brass, polished steel and aluminium, inlaid wood, stone and stained glass.

International Style

The International Style emerged in Europe after World War I, influenced by recent movements, including De Stijl and Streamline Moderne, and had a close relationship to the Bauhaus. The antithesis of nearly every other architectural movement that preceded it, the International Style eliminated extraneous ornament and used modern industrial materials such as steel, glass, reinforced concrete and chrome plating. Rectilinear, flat-roofed, asymmetrical and white, it became a symbol of modernity across the world. It seemed to offer a crisp, clean, rational future after the horrors of war. Named by the architect Philip Johnson and historian Henry-Russell Hitchcock (1903–1987) in 1932, the movement was epitomized by Charles-Edouard Jeanneret, or Le Corbusier and was clearly expressed in his statement that 'a house is a machine for living in'.[250]

Brutalist

Based on social equality, Brutalism was inspired by Le Corbusier's 1947-1952 Unité d'habitation in Marseilles. It seems the term was originally coined by Swedish architect Hans Asplund (1921–1994), but Le Corbusier's use of the description béton brut, meaning raw concrete, for his choice of material for the Unité d'habitation was particularly influential. The style flourished from the 1950s to the mid-1970s, mainly using concrete, which although new in itself, was unconventional when exposed on facades. Before Brutalism, concrete was usually hidden beneath other materials.[256]

Postmodern

Not one definable style, Postmodernism is an eclectic mix of approaches that appeared in the late 20th century in reaction against Modernism, which was increasingly perceived as monotonous and conservative. As with many movements, a complete antithesis to Modernism developed. In 1966, the architect Robert Venturi (1925–2018) had published his book, Complexity and Contradiction in Architecture, which praised the originality and creativity of Mannerist and Baroque architecture of Rome, and encouraged more ambiguity and complexity in contemporary design. Complaining about the austerity and tedium of so many smooth steel and glass Modernist buildings, and in deliberate denunciation of the famous Modernist 'Less is more', Venturi stated 'Less is a bore'. His theories became a majore influence on the development of Postmodernism.[257]

Deconstructivist

Deconstructivism in architecture is a development of postmodern architecture that began in the late 1980s. It is characterized by ideas of fragmentation, non-linear processes of design, an interest in manipulating ideas of a structure's surface or skin, and apparent non-Euclidean geometry,[269] (i.e., non-rectilinear shapes) which serve to distort and dislocate some of the elements of architecture, such as structure and envelope. The finished visual appearance of buildings that exhibit the many deconstructivist "styles" is characterised by a stimulating unpredictability and a controlled chaos.

Important events in the history of the Deconstructivist movement include the 1982 Parc de la Villette architectural design competition (especially the entry from the French philosopher Jacques Derrida and the American architect Peter Eisenman[270] and Bernard Tschumi's winning entry), the Museum of Modern Art's 1988 Deconstructivist Architecture exhibition in New York, organized by Philip Johnson and Mark Wigley, and the 1989 opening of the Wexner Center for the Arts in Columbus, designed by Peter Eisenman. The New York exhibition featured works by Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelblau, and Bernard Tschumi. Since the exhibition, many of the architects who were associated with Deconstructivism have distanced themselves from the term. Nonetheless, the term has stuck and has now, in fact, come to embrace a general trend within contemporary architecture.

Contemporary architecture

Contemporary architecture is the architecture of the 21st century. No single style is dominant.[271] Contemporary architects work in several different styles, from postmodernism, high-tech architecture and new references and interpretations of traditional architecture[272][273] to highly conceptual forms and designs, resembling sculpture on an enormous scale. Some of these styles and approaches make use of very advanced technology and modern building materials, such as tube structures which allow construction of buildings that are taller, lighter and stronger than those in the 20th century, while others prioritize the use of natural and ecological materials like stone, wood and lime.[274] One technology that is common to all forms of contemporary architecture is the use of new techniques of computer-aided design, which allow buildings to be designed and modeled on computers in three dimensions, and constructed with more precision and speed.

See also

Notes

  1. ^ Ching, Francis, D.K. and Eckler, James F. Introduction to Architecture. 2013. John Wiley & Sons. p13
  2. ^ Architecture. Def. 1. Oxford English Dictionary Second Edition on CD-ROM (v. 4.0) Oxford University Press 2009
  3. ^ Virginia McLeod, Belle Place, Sarah Kramer, Milena Harrison-Gray, and Cristopher Lacy (2019). HOUSES - Extraordinary Living. Phaidon. p. 9. ISBN 978-0-7148-7809-6.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  4. ^ Wrangham, Richard W. (1996). Chimpanzee cultures. Chicago Academy of Sciences, Harvard University Press. pp. 115–125. ISBN 978-0-674-11663-4. Retrieved 2 July 2011.
  5. ^ a b McLester, E. (2018, July 26). Chimpanzee ‘nests’ shed light on the origins of humanity. The Conversation.
  6. ^ Didik, Prasetyo; Ancrenaz, Marc; Morrogh-Bernard, Helen C.; Atmoko, S. Suci Utami; Wich, Serge A.; van Schaik, Carel P. (2009). "Nest building in orangutans". In Wich, Serge A.; Atmoko, S. Suci Utami; Setia, Tatang Mitra (eds.). Orangutans: geographic variation in behavioral ecology and conservation. Oxford University Press. pp. 270–275. ISBN 978-0-19-921327-6. Retrieved 5 July 2011.
  7. ^ a b Verpooten, Jan, and Yannick Joye. "Evolutionary interactions between human biology and architecture: insights from signaling theory and a cross-species comparative approach." Naturalistic approaches to culture (2014): 101-121.
  8. ^ White, Tim D., Berhane Asfaw, Yonas Beyene, Yohannes Haile-Selassie, C. Owen Lovejoy, Gen Suwa, and Giday WoldeGabriel. "Ardipithecus ramidus and the paleobiology of early hominids." Science 326, no. 5949 (2009): 64-86.
  9. ^ Alemseged, Zeresenay, Fred Spoor, William H. Kimbel, René Bobe, Denis Geraads, Denné Reed, and Jonathan G. Wynn. "A juvenile early hominin skeleton from Dikika, Ethiopia." Nature 443, no. 7109 (2006): 296-301.
  10. ^ Isaac, Glynn. "The food-sharing behavior of protohuman hominids." Scientific American 238, no. 4 (1978): 90-109.
  11. ^ Jaubert, Jacques, Sophie Verheyden, Dominique Genty, Michel Soulier, Hai Cheng, Dominique Blamart, Christian Burlet et al. "Early Neanderthal constructions deep in Bruniquel Cave in southwestern France." Nature 534, no. 7605 (2016): 111-114.
  12. ^ Kortlandt, Adriaan. "How might early hominids have defended themselves against large predators and food competitors?." Journal of Human Evolution 9, no. 2 (1980): 79-112.
  13. ^ “World’s Oldest Building Discovered.” BBC News, March 1, 2000.
  14. ^ de Lumley 2007, p. 211.
  15. ^ Chmielewski, Waldemar. "Early and Middle Paleolithic sites near Arkin, Sudan." The prehistory of Nubia;[final report] papers assembled and (1968): 110-147.
  16. ^ Maher, Lisa A., Tobias Richter, Danielle Macdonald, Matthew D. Jones, Louise Martin, and Jay T. Stock. "Twenty thousand-year-old huts at a hunter-gatherer settlement in eastern Jordan." PloS one 7, no. 2 (2012): e31447.
  17. ^ Baitenov, Eskander. "New Interpretation of the Engraving Discovered at Mezhirich Upper Paleolithic Site." In 3rd International Conference on Architecture: Heritage, Traditions and Innovations (AHTI 2021), pp. 85-93. Atlantis Press, 2021.
  18. ^ Monumente, Jg. 28 (2018), Nr. 4, S. 18–23, hier S. 21.
  19. ^ http://stanzon.husemann.net/download.php?id=201533&type=T [bare URL]
  20. ^ Musée de Préhistoire Terra Amata. "Le site acheuléen de Terra Amata" [The Acheulean site of Terra Amata]. Musée de Préhistoire Terra Amata (in French). Retrieved 10 June 2022.
  21. ^ a b c Jones 2014, pp. 148, 149.
  22. ^ "The Old Copper Complex: North America's First Miners & Metal Artisans". Retrieved 10 August 2015.
  23. ^ Song, Jeeun. "The History of Metallurgy and Mining in the Andean Region". World History at Korean Minjok Leadership Academy. Korean Minjok Leadership Academy. Retrieved 10 August 2015.
  24. ^ Choi, Charles Q. (18 April 2007). "Pre-Incan Metallurgy Discovered". Live Science. Retrieved 10 August 2015.
  25. ^ Maldonado, Blanco D. (2003). "Tarascan Copper Metallurgy at the Site of Itziparátzico, Michoacán, México" (PDF). Foundation for the Advancement of Mesoamerican Studies. Retrieved 22 January 2016.
  26. ^ Jones 2014, p. 18.
  27. ^ Jones 2014, p. 22.
  28. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 16. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  29. ^ Weston, Richard (2011). 100 Ideas That Changed Architecture. Laurence King. p. 21. ISBN 978-1-78627-567-7.
  30. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 17. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  31. ^ Fortenberry 2017, p. 6.
  32. ^ Risebero, Bill (2018). The Story of Western Architecture. Bloomsbury. p. 13. ISBN 978-1-3500-9212-9.
  33. ^ "Gods and Goddesses". Mesopotamia.co.uk. Retrieved 9 November 2015.
  34. ^ Jones 2014, p. 28.
  35. ^ Jones 2014, p. 25.
  36. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-02236-8.
  37. ^ Jones 2014, p. 27.
  38. ^ a b Hodge 2019, p. 12.
  39. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 126. ISBN 978-0-500-02236-8.
  40. ^ Jones 2014, p. 30.
  41. ^ Jones 2014, p. 24, 25, 26.
  42. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 137. ISBN 978-0-500-02236-8.
  43. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 136. ISBN 978-0-500-02236-8.
  44. ^ Wright 2009, pp. 115–125.
  45. ^ Dyson 2018, p. 29.
  46. ^ McIntosh 2008, p. 187.
  47. ^ a b Hodge 2019, p. 14.
  48. ^ Rogers, Gumuchdjian & Jones 2014, p. 32.
  49. ^ Hodge 2019, p. 57.
  50. ^ Rogers, Gumuchdjian & Jones 2014, p. 35.
  51. ^ Rogers, Gumuchdjian & Jones 2014, p. 40.
  52. ^ 1000 de Minuni Arhitecturale (in Romanian). Editura Aquila. 2009. p. 226. ISBN 978-973-714-450-8.
  53. ^ Hopkins 2014, p. 6.
  54. ^ Zukowsky, John (2019). A Chronology of Architecture. Thames & Hudson. p. 23. ISBN 978-0-500-34356-2.
  55. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus and Ulrike Koch-Brinkmanny (2017). Gods in Color - polychromy in the ancient world. Fine Arts Museums of San Francisco, Legion of Honor. p. 13. ISBN 978-3-7913-5707-2.
  56. ^ a b Jones 2014, p. 48.
  57. ^ a b Hodge 2019, p. 16.
  58. ^ Jones 2014, p. 52.
  59. ^ Irving 2019, p. 36.
  60. ^ a b Kruft, Hanno-Walter. A History of Architectural Theory from Vitruvius to the Present (New York, Princeton Architectural Press: 1994).
  61. ^ Jones 2014, p. 46, 73, 76, 77.
  62. ^ Jones 2014, p. 67.
  63. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 217. ISBN 978-0-500-02236-8.
  64. ^ a b Hodge 2019, p. 13.
  65. ^ a b Jones 2014, p. 69.
  66. ^ a b Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 505. ISBN 978-0-500-02236-8.
  67. ^ Jonathan, Glancey (2006). Architecture A Visual History. DK, Penguin Random House. p. 35. ISBN 978-0-2412-8843-6.
  68. ^ Hodge 2019, p. 15.
  69. ^ "Home and family in ancient and medieval Sri Lanka". Lankalibrary.com. 2008-12-21. Archived from the original on 2012-02-21. Retrieved 2010-09-20.
  70. ^ Pieris K (2006), Architecture and landscape in ancient and medieval Lanka
  71. ^ Reza, Mohammad Habib (2012). Early Buddhist Architecture of Bengal: Morphological study on the vihāras of c. 3rd to 8th centuries (PhD). Nottingham Trent University.
  72. ^ Reza, Mohammad Habib (2020). "Cultural continuity in the Sultanate Bengal: Adjacent ponds of the mosque as a traditional phenomenon". Esempi di Architettura. 8 (10): 225–235. doi:10.4399/978882553987510 (inactive 2024-09-02). Retrieved September 19, 2022.{{cite journal}}: CS1 maint: DOI inactive as of September 2024 (link)
  73. ^ Hodge 2019, p. 19.
  74. ^ Acharya 1927, p. xviii-xx.
  75. ^ Sinha 1998, pp. 27–41
  76. ^ Acharya 1927, p. xviii-xx, Appendix I lists hundreds of Hindu architectural texts.
  77. ^ Shukla 1993.
  78. ^ Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 46. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  79. ^ Mitchell (1977), 123; Hegewald
  80. ^ Harle, 239–240; Hegewald
  81. ^ Bernier, Ronald M. (1997). Himalayan Architecture. Fairleigh Dickinson University Press. p. 8. ISBN 978-1-61147-121-2.
  82. ^ Bernier, Ronald M. (1997). Himalayan Architecture. Fairleigh Dickinson University Press. pp. 161, 162, & 163. ISBN 978-1-61147-121-2.
  83. ^ N. Subramanian (21 September 2005). "Remains of ancient temple found". The Hindu. Archived from the original on 10 November 2012.
  84. ^ N. Ramya (1 August 2010). "New finds of old temples enthuse archaeologists". The Times of India. Archived from the original on 15 September 2012.
  85. ^ Philip, Boney. "Traditional Kerala Architecture".
  86. ^ "Architectural Wonders of Karnataka". Retrieved 2009-09-26.[permanent dead link]
  87. ^ "Welcome to Odissi.com ¦ Orissa ¦ Sri Jagannath". Archived from the original on 1 August 2020.
  88. ^ Hodge 2019, p. 21.
  89. ^ Hung, Dinh M. (1966). "VIETNAM AND SOUTHEAST ASIA: An address delivered at the Rotary Club of Bristol, Rhode Island on 6 April 1966" (PDF). Naval War College Review. 18 (9): 28–33. JSTOR 44635438. Retrieved 3 September 2021.
  90. ^ Jones 2014, pp. 54, 55, 56 & 57.
  91. ^ Guo, Qinghua (2005). "TIMBER BUILDING STRUCTURES IN CHOSEN KOREA — A CASE STUDY ON GEUNJEONGJEON AND INJEONGJEON" (PDF). Journal of Architectural and Planning Research. 22 (1): 51–68. JSTOR 43030720. Retrieved 29 July 2021.
  92. ^ Jones 2014, p. 63.
  93. ^ a b "THE DESIGNS OF RELIGIOUS MONUMENTS OF THE DVARAVATI, KHMER, AND PENINSULAR REGION /CHAIYA SCHOOLS IN THAILAND". Retrieved 3 September 2021.
  94. ^ Hodge 2019, p. 23.
  95. ^ Hinderer, Anna; Hone, D; Hone, C A (27 August 2016). Seventeen Years in the Yoruba Country. Memorials of Anna Hinderer. Wentworth Press. ISBN 978-1371184360.
  96. ^ The Monthly Review, Or, Literary Journal. 1819. p. 291.
  97. ^ "Ghana Museums & Monuments Board". www.ghanamuseums.org. Retrieved 2020-02-24.
  98. ^ Osasona, Cordelia O., From traditional residential architecture to the vernacular: the Nigerian experience (PDF), Ile-Ife, Nigeria: Obafemi Awolowo University, retrieved 3 December 2019
  99. ^ Sobeski, Michal (1975). Arta Exotică (in Romanian). Editura Meridiane. p. 42 & 43.
  100. ^ a b Mcintosh, Susan Keech; Mcintosh, Roderick J. (February 1980). "Jenne-Jeno: An Ancient African City". Archaeology. 33 (1): 8–14.
  101. ^ Shaw, Thurstan. The Archaeology of Africa: Food, Metals and Towns. Routledge, 1993, pp. 632.
  102. ^ Coquery-Vidrovitch, Catherine (2005). The History of African Cities South of the Sahara From the Origins to Colonization. Markus Wiener Pub. pp. 123–126. ISBN 978-1-55876-303-6.
  103. ^ a b Patrick Darling (2015). "Conservation Management of the Benin Earthworks of Southern Nigeria: A critical review of past and present action plans". In Korka, Elena (ed.). The Protection of Archaeological Heritage in Times of Economic Crisis. Cambridge Scholars Publishing. pp. 341–352. ISBN 9781443874113. Retrieved 9 March 2019.
  104. ^ a b Koutonin, Mawuna (March 18, 2016). "Story of cities #5: Benin City, the mighty medieval capital now lost without trace". The Guardian. Retrieved 15 August 2020.
  105. ^ Ogundiran, Akinwumi (June 2005). "Four Millennia of Cultural History in Nigeria (ca. 2000 B.C.–A.D. 1900): Archaeological Perspectives". Journal of World Prehistory. 19 (2): 133–168. doi:10.1007/s10963-006-9003-y. S2CID 144422848.
  106. ^ MacEachern, Scott (January 2005). "Two thousand years of West African history". African Archaeology: A Critical Introduction. Academia.
  107. ^ Historical Society of Ghana. Transactions3 of the Historical Society of Ghana, The Society, 1957, pp81
  108. ^ Davidson, Basil. The Lost Cities of Africa. Boston: Little Brown, 1959, pp86
  109. ^ Brass, Mike (1998), The Antiquity of Man: East & West African complex societies, archived from the original on 2012-04-04, retrieved 2021-07-11
  110. ^ David Keys: Medieval Houses of God, or Ancient Fortresses?
  111. ^ Nan Madol, Madolenihmw, Pohnpei Archived 2010-06-13 at the Wayback Machine William Ayres, Department of Anthropology University Of Oregon, Accessed 26 September 2007
  112. ^ McCoy, Mark D.; Alderson, Helen A.; Hemi, Richard; Cheng, Hai; Edwards, R. Lawrence (November 2016). "Earliest direct evidence of monument building at the archaeological site of Nan Madol (Pohnpei, Micronesia) identified using 230Th/U coral dating and geochemical sourcing of megalithic architectural stone" (PDF). Quaternary Research. 86 (3): 295–303. Bibcode:2016QuRes..86..295M. doi:10.1016/j.yqres.2016.08.002. Retrieved 30 October 2017.
  113. ^ a b Jones 2014, p. 95.
  114. ^ Behrens-Abouseif, Doris (2007). Cairo of the Mamluks : a history of the architecture and its culture. London: I.B. Tauris. pp. 201–213. ISBN 978-1-84511-549-4.
  115. ^ Jones 2014, p. 120.
  116. ^ Necipoğlu, Gülru (2011) [2005]. The Age of Sinan: Architectural Culture in the Ottoman Empire. Reaktion Books. p. 208. ISBN 978-1-86189-253-9.
  117. ^ Jones 2014, p. 212.
  118. ^ Krautheimer, Richard; Ćurčić, Slobodan (1992). Early Christian and Byzantine Architecture. Yale University Press. p. 285. ISBN 978-0-300-05294-7.
  119. ^ Fletcher, Banister (1901). A History of Architecture on the Comparative Method for Students, Craftsmen & Amateur. B.T. Batsford, Limited. p. 476. ISBN 978-1-343-92962-3.
  120. ^ Ettinghausen, Richard; Grabar, Oleg; Jenkins, Marilyn (2001). Islamic Art and Architecture: 650–1250. Yale University Press. ISBN 9780300088670.
  121. ^ Blair, Sheila S.; Bloom, Jonathan M. (1995). The Art and Architecture of Islam 1250-1800. Yale University Press. ISBN 9780300064650.
  122. ^ Hattstein, Markus; Delius, Peter, eds. (2011). Islam: Art and Architecture. h.f.ullmann. ISBN 9783848003808.
  123. ^ M. Bloom, Jonathan; S. Blair, Sheila, eds. (2009). The Grove Encyclopedia of Islamic Art and Architecture. Oxford University Press. ISBN 9780195309911.
  124. ^ Jones 2014, p. 83.
  125. ^ Hodge 2019, p. 62.
  126. ^ Hopkins 2014, p. 19.
  127. ^ Jones 2014, p. 88.
  128. ^ Jones 2014, p. 90.
  129. ^ George D. Hurmuziadis (1979). Cultura Greciei (in Romanian). Editura științifică și enciclopedică. p. 89 & 90.
  130. ^ George D. Hurmuziadis (1979). Cultura Greciei (in Romanian). Editura științifică și enciclopedică. p. 92.
  131. ^ Hodge 2019, p. 17.
  132. ^ George D. Hurmuziadis (1979). Cultura Greciei (in Romanian). Editura științifică și enciclopedică. p. 93.
  133. ^ Arakelian et al. 1984, p. 571.
  134. ^ Սուրբ Հռիփսիմե վանք [Saint Hripsime Monastery]. ejmiatsin.a m (in Armenian). Municipality of Ejmiatsin. 2 March 2012. Archived from the original on 29 November 2018. Retrieved 15 January 2024.
  135. ^ (in Armenian) Stepanian, A. and H. Sargsian. s.v. "Zvart'nots'," Armenian Soviet Encyclopedia, vol. 3, pp. 707-710.
  136. ^ "Искусство Армении. Месроп Маштоц".
  137. ^ Jones 2014, p. 136.
  138. ^ Hooklingsworth, Mary (2002). ARTA în Istoria Umanității (in Romanian). rao. p. 148.
  139. ^ Jones 2014, p. 138.
  140. ^ Jones 2014, p. 133.
  141. ^ Hodge 2019, p. 24.
  142. ^ "Romanesque". The Oxford Dictionary of Art. Oxford University Press. 2004. doi:10.1093/acref/9780198604761.001.0001. ISBN 978-0-19-860476-1.
  143. ^ Hopkins 2014, pp. 23, 25.
  144. ^ a b Jones 2014, p. 149.
  145. ^ Hodge 2019, p. 25.
  146. ^ Melvin, Jeremy (2006). …isme Să Înțelegem Stilurile Arhitecturale (in Romanian). Enciclopedia RAO. p. 39. ISBN 973-717-075-X.
  147. ^ Hodge 2019, p. 82.
  148. ^ Hopkins 2014, p. 55.
  149. ^ a b Hodge 2019, p. 26.
  150. ^ Hopkins 2014, p. 60.
  151. ^ Hopkins 2014, p. 47.
  152. ^ Hopkins 2014, p. 64.
  153. ^ Hopkins 2014, p. 61.
  154. ^ Jones 2014, p. 205.
  155. ^ Hopkins 2014, p. 67.
  156. ^ Jones 2014, p. 196.
  157. ^ a b Jones 2014, p. 223.
  158. ^ Jones 2014, p. 226.
  159. ^ Bailey 2012, pp. 211.
  160. ^ Bailey 2012, pp. 328.
  161. ^ Hodge 2019, p. 102.
  162. ^ Bailey 2012, pp. 238.
  163. ^ Bailey 2012, p. 216.
  164. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 39.
  165. ^ Jones 2014, p. 230.
  166. ^ Bailey 2012, p. 4.
  167. ^ Bailey 2012, p. 364.
  168. ^ Hodge 2019, p. 29.
  169. ^ Ducher (1988), Flammarion, pg. 102
  170. ^ Bailey 2012, pp. 205, 206, 207 & 208.
  171. ^ Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 185. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  172. ^ Jones 2014, p. 241.
  173. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 419. ISBN 978-1-52942-030-2.
  174. ^ a b Jones 2014, p. 238.
  175. ^ Hodge 2019, p. 30.
  176. ^ Cole 2002, p. 270.
  177. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. p. 193 & 194.
  178. ^ Sund 2019, p. 104.
  179. ^ "Kina slott, Drottningholm". www.sfv.se. National Property Board of Sweden. Archived from the original on 6 August 2014. Retrieved 2 August 2014.
  180. ^ Jones 2014, p. 264.
  181. ^ Sund 2019, p. 151.
  182. ^ Jones 2014, p. 262.
  183. ^ Sund 2019, p. 216.
  184. ^ Hopkins 2014, p. 130.
  185. ^ Texier, Simon (2022). Architectures Art Déco - Paris et Environs - 100 Bâtiments Remarquable. Parigramme. p. 37. ISBN 978-2-37395-136-3.
  186. ^ Hopkins 2014, p. 117, 130, 225; Bailey 2012, pp. 279, 281; Jones 2014, p. 265; Sund 2019, pp. 208, 216, 217, 224, 225.
  187. ^ Weston, Richard (2011). 100 Ideas That Changed Architecture. Laurence King. p. 84. ISBN 978-1-78627-567-7.
  188. ^ Jones 2014, p. 276.
  189. ^ a b Jones 2014, p. 273.
  190. ^ de Martin 1925, p. 17.
  191. ^ Fortenberry 2017, p. 274.
  192. ^ de Martin 1925, p. 61.
  193. ^ a b Jones 2014, p. 275.
  194. ^ Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 159. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  195. ^ Steffens, Martin (2004). Schinkel (in Romanian). Taschen. p. 37. ISBN 973-7959-11-6.
  196. ^ Hopkins 2014, p. 109.
  197. ^ Hodge 2019, p. 31.
  198. ^ "Winckelmann, Johann Joachim: Neoclassical Art Historian".
  199. ^ Bergdoll 2000, pp. 9, 14.
  200. ^ Prina and Demartini (2006), pg. 250-51
  201. ^ Bergdoll 2000, pp. 48, 49, 50.
  202. ^ Woinaroski, Cristina (2013). Istorie urbană, Lotizarea și Parcul Ioanid din București în context european (in Romanian). SIMETRIA. ISBN 978-973-1872-30-8.
  203. ^ Ghigeanu, Mădălin (2022). Curentul Mediteraneean în arhitectura interbelică. Vremea. p. 521. ISBN 978-606-081-135-0.
  204. ^ Bergdoll 2000, pp. 139, 140, 141.
  205. ^ Bergdoll 2000, pp. 139–142, 145.
  206. ^ Jayewardene-Pillai, 6, 14
  207. ^ Das, xi
  208. ^ Das, xi, xiv, 98, 101
  209. ^ a b Jones 2014, p. 296.
  210. ^ Marinache, Oana (2017). Paul Gottereau - Un Regal în Arhitectură (in Romanian). Editura Istoria Artei. p. 184. ISBN 978-606-8839-09-7.
  211. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 90. ISBN 978-973-0-23884-6.
  212. ^ Jones 2014, p. 294.
  213. ^ Oltean, Radu (2016). Bucureștii Belle Époque (in Romanian). Art Historia. p. 47. ISBN 978-973-0-22923-3.
  214. ^ Hopkins 2014, p. 135.
  215. ^ "Villa in neorégencestijl". inventaris.onroerenderfgoed.be. 29 March 2019. Retrieved 8 April 2022.
  216. ^ Jones 2014, p. 292, 295, 296.
  217. ^ Hopkins 2014, p. 132, 133, 134, 135.
  218. ^ Bailey 2012, pp. 413.
  219. ^ Bergdoll 2000, pp. 248.
  220. ^ Jones 2014, p. 267.
  221. ^ Bergdoll 2000, pp. 236.
  222. ^ Gössel, Peter; Leuthäuser, Gabriele (2022). Architecture in the 20th Century. TASCHEN. p. 54. ISBN 978-3-8365-7090-9.
  223. ^ Gössel, Peter; Leuthäuser, Gabriele (2022). Architecture in the 20th Century. TASCHEN. p. 78. ISBN 978-3-8365-7090-9.
  224. ^ Bergdoll 2000, pp. 207, 237, 238.
  225. ^ Jones 2014, p. 321.
  226. ^ Madsen, S. Tschudi (1977). Art Nouveau (in Romanian). Editura Meridiane.
  227. ^ Jones 2014, p. 323.
  228. ^ "Paris et l'Art Nouveau". Nº281 Dossier de l'Art (in French). Éditions Faton. 2020.
  229. ^ Hopkins 2014, p. 141.
  230. ^ Duncan 1994, p. 44.
  231. ^ Duncan 1994, p. 52.
  232. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 85. ISBN 978-973-0-23884-6.
  233. ^ Bergdoll 2000, pp. 269, 279.
  234. ^ Jones 2014, p. 320, 321, 322.
  235. ^ Hodge 2019, p. 36.
  236. ^ Madsen, S. Tschudi (1977). Art Nouveau (in Romanian). Editura Meridiane. p. 7.
  237. ^ Virginia McLeod, Belle Place, Sarah Kramer, Milena Harrison-Gray, and Cristopher Lacy (2019). HOUSES - Extraordinary Living. Phaidon. p. 56. ISBN 978-0-7148-7809-6.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  238. ^ Jones 2014, p. 347.
  239. ^ Jones 2014, p. 348.
  240. ^ Hodge 2019, p. 37.
  241. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 43. ISBN 978-973-1872-03-2.
  242. ^ L., Clausen, Meredith (1987). Frantz Jourdain and the Samaritaine : art nouveau theory and criticism. Leiden: E.J Brill. ISBN 9789004078796. OCLC 27266259.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  243. ^ Jones 2014, p. 359.
  244. ^ Jones 2014, p. 360.
  245. ^ Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thames & Hudson. p. 70. ISBN 978-0-500-29322-5.
  246. ^ Hopkins 2014, p. 164.
  247. ^ Hodge 2019, p. 134.
  248. ^ Jones 2014, p. 416.
  249. ^ Jones 2014, p. 418.
  250. ^ Hodge 2019, p. 42.
  251. ^ Hodge 2019, p. 425.
  252. ^ Hodge 2019, p. 146.
  253. ^ Jones 2014, p. 426.
  254. ^ Jones 2014, p. 425.
  255. ^ Jones 2014, p. 428.
  256. ^ Hodge 2019, p. 46.
  257. ^ a b Hodge 2019, p. 47.
  258. ^ Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 79. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  259. ^ Jones 2014, p. 502.
  260. ^ Jones 2014, p. 510.
  261. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  262. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 120. ISBN 978-0-500-51914-1.
  263. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  264. ^ Hodge 2019, p. 531.
  265. ^ Hodge 2019, p. 154.
  266. ^ Hopkins 2014, p. 205.
  267. ^ Hopkins 2014, p. 206.
  268. ^ Melvin, Jeremy (2006). …isme Să Înțelegem Stilurile Arhitecturale (in Romanian). Enciclopedia RAO. p. 137. ISBN 973-717-075-X.
  269. ^ Husserl, Origins of Geometry, Introduction by Jacques Derrida
  270. ^ Jacques Derrida and Peter Eisenman, Chora L Works (New York: Monacelli Press, 1997)
  271. ^ Creating Your Architectural Style. Pelican Publishing. 15 September 2009. ISBN 978-1-4556-0309-1.
  272. ^ Urban, Florian (2017). The new tenement. New York: Routledge. ISBN 978-1-315-40244-4. OCLC 1006381281.
  273. ^ Dickinson, Duo (2017). "Does the New Traditionalism Have A Point?". Common Edge. Retrieved 29 April 2021.
  274. ^ Wainwright, Oliver (4 March 2020). "The miracle new sustainable product that's revolutionising architecture – stone!". The Guardian. Retrieved 29 April 2021.

References

Modernism

Further reading

External links

Wikimedia Commons has media related to History of architecture.