stringtranslate.com

نقاشی عصر طلایی هلند

یوهانس ورمیر ، خدمتکار شیر (1658-1661)

نقاشی عصر طلایی هلند ، نقاشی عصر طلایی هلند است ، دوره‌ای در تاریخ هلند که تقریباً قرن هفدهم را در بر می‌گیرد، [1] در طول و پس از بخش آخر جنگ هشتاد ساله (1568–1648) برای استقلال هلند.

جمهوری جدید هلند مرفه ترین کشور اروپا بود و تجارت، علم و هنر اروپا را رهبری می کرد. استان های شمالی هلند که ایالت جدید را تشکیل می دادند، به طور سنتی مراکز هنری کمتری نسبت به شهرهای فلاندر در جنوب بودند . تحولات و نقل و انتقالات گسترده جمعیت در جنگ، و گسست شدید سنت های فرهنگی سلطنتی و کاتولیک قدیمی، به این معنا بود که هنر هلندی باید تقریباً به طور کامل خود را دوباره اختراع می کرد، کاری که در آن بسیار موفق بود. نقاشی موضوعات مذهبی به شدت کاهش یافت، اما بازار بزرگ جدیدی برای انواع موضوعات سکولار رشد کرد.

اگرچه نقاشی هلندی عصر طلایی در دوره کلی اروپایی نقاشی باروک گنجانده شده است و اغلب بسیاری از ویژگی‌های آن را نشان می‌دهد، اما بیشتر آنها فاقد ایده‌آل‌سازی و عشق به شکوه و شکوه معمول بسیاری از آثار باروک، از جمله آثار همسایه فلاندر هستند . بیشتر آثار، از جمله آثاری که این دوره بیشتر به آن شهرت دارد، سنت‌های رئالیسم مفصل به ارث رسیده از نقاشی هلندی اولیه را منعکس می‌کند .

ترونی فرانس هالس با عنوان بعدی دختر کولی . 1628-30. روغن روی چوب، 58 × 52 سانتی متر (23 در 20 اینچ). ترونی شامل عناصر پرتره، نقاشی ژانر و گاهی نقاشی تاریخ است.
کور کردن سامسون ، 1636، که رامبراند به هویگنس داد

یکی از ویژگی‌های متمایز این دوره، گسترش ژانرهای متمایز نقاشی است، [2] که اکثر هنرمندان بخش عمده‌ای از آثار خود را در یکی از این‌ها تولید می‌کنند. توسعه کامل این تخصص از اواخر دهه 1620 مشاهده می شود و دوره از آن زمان تا حمله فرانسه در سال 1672 هسته اصلی نقاشی عصر طلایی است. هنرمندان بیشتر دوران حرفه‌ای خود را صرف نقاشی پرتره، صحنه‌های ژانر، مناظر، مناظر دریایی و کشتی‌ها، یا طبیعت بی‌جان و اغلب یک نوع فرعی خاص در این دسته‌ها می‌کنند. بسیاری از این نوع موضوعات در نقاشی غربی جدید بودند و نحوه نقاشی هلندی ها در این دوره برای توسعه آینده آنها تعیین کننده بود.

انواع نقاشی

پائولوس پاتر ، گاو نر جوان (1647); عرض 3.4 متر یک نقاشی غیرمعمول از حیوانات که سلسله مراتب ژانرها را به چالش می کشد .

ویژگی بارز این دوره، در مقایسه با نقاشی اروپایی پیشین، مقدار کمی نقاشی مذهبی بود. کالوینیسم هلندی نقاشی مذهبی در کلیساها را ممنوع کرد، و اگرچه موضوعات کتاب مقدس در خانه های شخصی قابل قبول بود، نسبتاً تعداد کمی از آنها تولید می شد. کلاس‌های سنتی دیگر تاریخ و نقاشی پرتره نیز حضور داشتند، اما این دوره به دلیل تنوع بسیار زیاد ژانرهای دیگر که به دسته‌های تخصصی متعددی مانند صحنه‌های زندگی دهقانی، مناظر، مناظر شهری، مناظر با حیوانات، دریایی تقسیم می‌شوند، قابل توجه‌تر است. نقاشی، نقاشی گل و طبیعت بی جان در انواع مختلف. توسعه بسیاری از این نوع نقاشی ها به طور قاطع تحت تأثیر هنرمندان هلندی قرن 17 بود.

نظریه گسترده " سلسله مراتب ژانرها " در نقاشی، که به موجب آن برخی از انواع آنها معتبرتر از سایرین تلقی می شدند، بسیاری از نقاشان را به سمت تولید نقاشی تاریخی سوق داد. با این حال، همانطور که حتی رامبراند متوجه شد ، این سخت ترین فروش بود . بسیاری مجبور به تولید پرتره یا صحنه‌های ژانر شدند که بسیار راحت‌تر فروخت. به ترتیب نزولی وضعیت، مقولات در سلسله مراتب عبارت بودند از:

هلندی‌ها به شدت روی دسته‌های «پایین‌تر» تمرکز کردند، اما به هیچ وجه مفهوم سلسله مراتب را رد نکردند. [4] بیشتر نقاشی‌ها نسبتاً کوچک بودند - تنها نوع رایج نقاشی‌های واقعاً بزرگ، پرتره‌های گروهی بود. نقاشی مستقیم روی دیوارها به سختی وجود داشت. هنگامی که یک فضای دیوار در یک ساختمان عمومی نیاز به تزئین داشت، معمولاً از بوم قاب بندی شده استفاده می شد. برای دقت بیشتر روی سطح سخت، بسیاری از نقاشان به استفاده از پانل های چوبی، مدتی پس از اینکه بقیه اروپای غربی آنها را رها کرده بودند، ادامه دادند. برخی از صفحات مسی استفاده می کنند که معمولاً صفحات را از چاپخانه بازیافت می کنند . به نوبه خود، تعداد نقاشی‌های بازمانده از عصر طلایی با نقاشی بیش از حد آنها با آثار جدید هنرمندان در طول قرن 18 و 19 کاهش یافت - نمونه‌های ضعیف معمولاً ارزان‌تر از یک بوم، برانکارد و قاب جدید بودند.

مجسمه های هلندی در این دوره بسیار اندک بود. بیشتر در بناهای آرامگاهی و چسبیده به ساختمان‌های عمومی یافت می‌شود و مجسمه‌های کوچک برای خانه‌ها شکاف قابل‌توجهی دارند که جای آن را ظروف نقره و سرامیک گرفته‌اند . کاشی‌های دلفت‌ور رنگ‌شده بسیار ارزان و رایج بودند، اگر به ندرت از کیفیت بالایی برخوردار بودند، اما نقره‌ای، به‌ویژه در سبک گوش ، رهبری اروپا را به خود اختصاص داد. با این استثنا، بهترین تلاش هنری بر روی نقاشی و چاپ متمرکز بود.

دنیای هنر

دیرک هالز ، صحنه ژانر آقایان در حال سیگار کشیدن و بازی تخته نرد در میخانه . توجه: اینجا را نیز ببینید.

خارجی ها به مقادیر عظیم هنر تولید شده و نمایشگاه های بزرگی که در آن بسیاری از نقاشی ها فروخته می شد اشاره کردند - تقریباً تخمین زده می شود که بیش از 1.3 میلیون تصویر هلندی تنها در 20 سال پس از 1640 نقاشی شده است. [5] حجم تولید به این معنی بود که قیمت ها به جز بهترین هنرمندان شناخته شده، نسبتاً پایین بود. مانند اغلب دوره‌های بعدی، شیب قیمتی برای هنرمندان شیک‌تر وجود داشت. [6] کسانی که شهرت قوی معاصر نداشتند، یا از مد افتاده بودند، از جمله بسیاری که اکنون در زمره برترین های آن دوره به شمار می آیند، مانند ورمیر ، فرانس هالس و رامبراند در سال های آخر عمر، مشکلات قابل توجهی برای امرار معاش داشتند. فقیر مرد؛ بسیاری از هنرمندان مشاغل دیگری داشتند یا هنر را به کلی رها کردند. [7] به طور خاص، تهاجم فرانسه در سال 1672 ( رامپجار یا "سال فاجعه") رکود شدیدی را در بازار هنر به ارمغان آورد، که هرگز به اوج قبلی بازنگشت. [8]

توزیع تصاویر بسیار گسترده بود: "بله بسیاری از زمان ها، آهنگرها، پینه دوزها و غیره، برخی از عکس ها را در کنار فورج خود و در طویله خود خواهند داشت. چنین تصور کلی، تمایل و لذتی است که این بومی های کشور به نقاشی دارند." یک مسافر انگلیسی در سال 1640 گزارش داد. [9] تقریباً برای اولین بار، بسیاری از دلالان هنری حرفه ای، چندین هنرمند برجسته نیز وجود داشتند، مانند ورمیر و پدرش، یان ون گوین و ویلم کالف . فروشنده رامبراند، هندریک ون اویلنبرگ و پسرش گریت از مهمترین آنها بودند. به گفته ساموئل ون هوگستراتن ، مناظر آسان‌ترین آثار بدون سفارش برای فروش بودند و نقاشان آن‌ها « پیادگان رایج ارتش هنر» بودند . [10]

انجمن نقاشان هارلم در سال 1675، اثر یان دی بری ، که دومین عکس از سمت چپ است.

کیفیت فنی هنرمندان هلندی عموماً بالا بود، و هنوز هم عمدتاً از سیستم قدیمی آموزش قرون وسطی توسط کارآموزی نزد استاد پیروی می کردند. معمولاً، کارگاه‌ها کوچک‌تر از فلاندر یا ایتالیا بودند و تنها یک یا دو کارآموز در آن واحد داشتند، که این تعداد اغلب توسط مقررات صنفی محدود می‌شد. آشفتگی سال های اولیه جمهوری، با حرکت هنرمندان آواره از جنوب به شمال و از دست دادن بازارهای سنتی دربار و کلیسا، منجر به تجدید حیات انجمن های هنرمندان شد که اغلب هنوز انجمن سنت لوک نامیده می شود . در بسیاری از موارد این شامل هنرمندانی بود که خود را از گروه‌های قرون وسطی بیرون می‌کشیدند، جایی که با چندین حرفه دیگر، مانند نقاشی خانه، یک صنف مشترک داشتند. چندین انجمن جدید در این دوره تأسیس شد: آمستردام در 1579، هارلم در 1590 ، و گودا ، روتردام ، اوترخت و دلفت بین سال‌های 1609 و 1611 .

بعداً در قرن، برای همه دست اندرکاران مشخص شد که ایده قدیمی صنفی که هم آموزش و هم فروش را کنترل می کند، دیگر به خوبی کار نمی کند، و به تدریج اصناف با آکادمی هایی جایگزین شدند که اغلب فقط به آموزش هنرمندان می پرداختند. لاهه ، با دربار، نمونه اولیه بود، جایی که هنرمندان در سال 1656 با تأسیس Confrerie Pictura به دو گروه تقسیم شدند . به استثنای پرتره‌ها، بسیاری از نقاشی‌های هلندی بدون سفارشی خاص «به‌طور گمانه‌زنی» نسبت به آنچه که در آن زمان در کشورهای دیگر انجام می‌شد، انجام شد - یکی از راه‌هایی که بازار هنر هلند آینده را نشان می‌داد. [13]

Aert de Gelder ، سلف پرتره به عنوان Zeuxis (1685)

سلسله های زیادی از هنرمندان وجود داشت و بسیاری با دختران استاد خود یا هنرمندان دیگر ازدواج کردند. بسیاری از هنرمندان از خانواده‌های مرفهی بودند که هزینه‌های شاگردی خود را پرداخت می‌کردند و اغلب با ازدواج ازدواج می‌کردند. رامبراند و یان استین هر دو برای مدتی در دانشگاه لیدن ثبت نام کردند . چندین شهر دارای سبک ها و تخصص های متمایز بر اساس موضوع بودند، اما آمستردام به دلیل ثروت فراوان، بزرگترین مرکز هنری بود. [14] شهرهایی مانند هارلم و اوترخت در نیمه اول قرن اهمیت بیشتری داشتند، لیدن و شهرهای دیگر پس از سال 1648 ظهور کردند، و بالاتر از همه آمستردام، که به طور فزاینده ای هنرمندان بقیه هلند و همچنین به سمت خود جذب شدند. فلاندر و آلمان [15]

هنرمندان هلندی نسبت به بسیاری از کشورها به طرز شگفت انگیزی کمتر به نظریه هنری توجه داشتند و کمتر به بحث در مورد هنر خود پرداختند. به نظر می رسد که در محافل روشنفکری عمومی و عموم مردم نسبت به آن زمان در ایتالیا، علاقه بسیار کمتری به نظریه هنری وجود داشت. [16] از آنجایی که تقریباً همه کمیسیون‌ها و فروش‌ها خصوصی بودند، و بین افراد بورژوازی که حساب‌هایشان حفظ نشده است، اینها نیز کمتر از جاهای دیگر مستند هستند. اما هنر هلندی منبع غرور ملی بود و زندگی نامه نویسان اصلی منابع اطلاعاتی مهمی هستند. اینها کارل ون مندر (هت شیلدربوک، 1604)، که اساساً قرن قبل را پوشش می‌دهد، و آرنولد هوبراکن ( De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – «تئاتر بزرگ نقاشان هلندی»، 1718-21) هستند. هر دوی آنها از وازاری پیروی کردند، و در واقع از آنها فراتر رفتند.

هنرمند آلمانی یواخیم فون ساندارت (1606-1688) برای دوره‌هایی در هلند کار کرده بود، و دویچه آکادمی او در همین قالب بسیاری از هنرمندان هلندی را که می‌شناخت، پوشش می‌دهد. استاد هوبراکن، و شاگرد رامبراند، ساموئل ون هوگستراتن (1627-1678) بود که Zichtbare wereld و Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) حاوی اطلاعات انتقادی تر از زندگی نامه هستند و از مهمترین رساله های نقاشی آن دوره هستند. مانند دیگر آثار هلندی در مورد تئوری هنر، آنها بسیاری از موارد رایج نظریه رنسانس را بیان می کنند و به طور کامل هنر هلندی معاصر را منعکس نمی کنند، و هنوز هم اغلب بر نقاشی تاریخ تمرکز می کنند. [17]

نقاشی تاریخ

ژاکوب ون لو ، دانائه ( درمان رامبراند را مقایسه کنید )

این دسته نه تنها شامل نقاشی هایی است که وقایع تاریخی گذشته را به تصویر می کشد، بلکه نقاشی هایی را نیز شامل می شود که صحنه های کتاب مقدس، اساطیری، ادبی و تمثیلی را نشان می دهد . رویدادهای تاریخی اخیر اساساً از این مقوله خارج شدند و به شیوه ای واقع گرایانه به عنوان ترکیب مناسبی از پرتره ها با موضوعات دریایی، منظره شهری یا منظره تلقی شدند. [18] صحنه‌های تاریخی یا کتاب مقدسی بزرگ دراماتیک کمتر از کشورهای دیگر تولید می‌شد، زیرا بازار محلی برای هنر کلیسا وجود نداشت و تعداد کمی از خانه‌های باروک بزرگ اشرافی وجود داشت. بیش از آن، جمعیت پروتستان شهرهای بزرگ در معرض برخی استفاده‌های ریاکارانه قابل ملاحظه از تمثیل منریستی در تبلیغات ناموفق هابسبورگ در طول شورش هلند قرار گرفته بودند ، که واکنش شدیدی نسبت به رئالیسم و ​​بی‌اعتمادی به لفاظی‌های بصری باشکوه ایجاد کرده بود. [19] نقاشی تاریخ اکنون یک "هنر اقلیت" بود، اگرچه تا حدی با علاقه نسبتاً شدید به نسخه های چاپی موضوعات تاریخ این مشکل برطرف شد. [20]

بیش از سایر انواع نقاشی، نقاشان تاریخ هلند همچنان تحت تأثیر نقاشی ایتالیایی قرار گرفتند. چاپ و کپی از شاهکارهای ایتالیایی پخش شد و طرح‌های ترکیبی خاصی را پیشنهاد کرد. مهارت رو به رشد هلندی ها در به تصویر کشیدن نور در سبک های مشتق شده از ایتالیا، به ویژه سبک کاراواجو به کار گرفته شد . برخی از نقاشان هلندی نیز به ایتالیا سفر کردند، گرچه این امر کمتر از معاصران فلاندری آنها رایج بود، همانطور که می توان از عضویت در باشگاه Bentvueghels در رم مشاهده کرد. [13]

Caravaggism اوترخت : دیرک ون بابورن ، مسیح تاجگذاری شده با خار ، 1623، برای صومعه ای در اوترخت ، بازاری که در بیشتر هلند موجود نیست.

در اوایل قرن، بسیاری از هنرمندان منیریست شمالی با سبک‌هایی که در قرن قبل شکل گرفته بودند، تا دهه 1630 در مورد آبراهام بلومارت و یواخیم وتوائل به کار خود ادامه دادند . [21] بسیاری از نقاشی های تاریخی در مقیاس کوچک بودند، با نقاش آلمانی (مستقر در رم) آدام الشایمر ​​به همان اندازه که کاراواجو (هر دو در سال 1610 درگذشت) بر نقاشان هلندی مانند پیتر لاستمن ، استاد رامبراند، و یان و ژاکوب پیناس تأثیر گذاشت . در مقایسه با نقاشی‌های تاریخ باروک از کشورهای دیگر، آن‌ها تاکید هلندی بر واقع‌گرایی و روایی روایی را داشتند و گاهی به عنوان «پیش رامبراندیست‌ها» شناخته می‌شوند، زیرا نقاشی‌های اولیه رامبراند در این سبک بودند. [22]

اوترخت کاراواگیسم گروهی از هنرمندان را توصیف می کند که هم نقاشی های تاریخی و هم صحنه های ژانر بزرگ را به سبکی تحت تأثیر ایتالیایی تولید می کردند و اغلب از کیاروسکورو استفاده زیادی می کردند . اوترخت، قبل از شورش، مهم‌ترین شهر در قلمرو هلندی جدید، یک شهر هلندی غیرمعمول بود، که هنوز حدود 40 درصد کاتولیک در اواسط قرن بود، حتی بیشتر در میان گروه‌های نخبه، که شامل بسیاری از اشراف روستایی و اعیان با خانه‌های شهری در آنجا بود. . [23] هنرمندان برجسته هندریک تر بروگن ، جرارد ون هانتهورست و دیرک ون بابورن بودند ، و مدرسه در حدود سال 1630 فعال بود، اگرچه ون هانتورست تا دهه 1650 به عنوان یک نقاش موفق دربار به دربارهای انگلیسی، هلندی و دانمارکی ادامه داد. سبک کلاسیک [24]

رامبراند قبل از اینکه به عنوان یک پرتره نویس به موفقیت مالی دست یابد، به عنوان یک نقاش تاریخ شروع کرد و هرگز از جاه طلبی های خود در این زمینه دست برنداشت. تعداد زیادی از حکاکی‌های او صحنه‌های مذهبی روایی است، و داستان آخرین سفارش تاریخ او، توطئه کلودیوس سیویلیس (1661) هم تعهد او به فرم و هم مشکلاتی را که در یافتن مخاطب داشت، نشان می‌دهد. [25] چند هنرمند که بسیاری از شاگردان او بودند، با موفقیت تلاش کردند تا سبک بسیار شخصی او را ادامه دهند. گوارت فلینک موفق ترین بود. جرارد دو لِرِس (1640-1711) یکی دیگر از این افراد بود، قبل از اینکه تحت تأثیر شدید کلاسیک گرایی فرانسوی قرار گیرد و به عنوان هنرمند و نظریه پرداز برجسته هلندی طرفدار آن شود. [26]

برهنگی عملاً متعلق به نقاش تاریخ بود، اگرچه بسیاری از پرتره‌نگاران گاه به گاه لباس‌های برهنه خود را (تقریباً همیشه زن) با عنوانی کلاسیک می‌پوشانند، همانطور که رامبراند این کار را کرد. نقاشان ژانر، با وجود همه وسوسه‌انگیز بودنشان، به ندرت بیشتر از یک شکاف سخاوتمندانه یا کشش ران خود را آشکار می‌کردند، معمولاً هنگام نقاشی روسپی‌ها یا دهقانان «ایتالیایی».

پرتره ها

بارتولومئوس ون در هلست ، سوفیا تریپ (1645)، یکی از اعضای یکی از ثروتمندترین خانواده ها در هلند. [27]

نقاشی پرتره در قرن هفدهم در هلند رشد کرد، زیرا طبقه بزرگی از بازرگانان وجود داشت که بسیار آماده‌تر از نمونه‌های مشابه خود در سایر کشورها برای سفارش پرتره بودند. خلاصه ای از برآوردهای مختلف از کل تولید بین 750000 تا 1100000 پرتره است. [28] رامبراند بزرگترین دوره موفقیت مالی خود را به عنوان یک پرتره‌نگار جوان آمستردامی تجربه کرد، اما مانند سایر هنرمندان، از نقاشی پرتره‌های سفارشی از بورگرها خسته شد: به گفته ون مندر، "هنرمندان بدون لذت در این جاده سفر می‌کنند." [29]

در حالی که نقاشی پرتره هلندی از فحاشی و لفاظی بیش از حد جریان پرتره باروک اشرافی در بقیه اروپای قرن هفدهم، لباس های تیره و تار نشیمن گاه های مرد و در بسیاری از موارد زن، و احساس کالوینیست که شامل وسایل، دارایی ها یا دیدگاه ها می شود، اجتناب می کند. زمین در پس‌زمینه نشان می‌دهد که گناه غرور منجر به یکسانی غیرقابل انکار در بسیاری از پرتره‌های هلندی، با تمام کیفیت فنی آنها می‌شود. حتی از ژست ایستاده نیز معمولاً اجتناب می شود، زیرا تمام قد ممکن است نشان دهنده غرور باشد. ژست‌ها به‌ویژه برای زنان غیرقابل نمایش هستند، اگرچه ممکن است به کودکان آزادی بیشتری داده شود. لحظه کلاسیک نقاشی پرتره در زمان ازدواج بود، زمانی که زن و شوهر جدید اغلب قاب های جداگانه ای را در یک جفت نقاشی اشغال می کردند. پرتره های بعدی رامبراند به زور شخصیت پردازی، و گاهی اوقات یک عنصر روایی، وادار می شوند، اما حتی پرتره های اولیه او می توانند به طور انبوه مایوس کننده باشند ، مانند اتاق پر از رامبراند که به موزه متروپولیتن هنر در نیویورک اهدا شده است.

فرانس هالس ، ویلم هیتویجسن (1634)، 47 × 37 سانتی متر (19 × 15 اینچ).
Jan Mijtens ، پرتره خانوادگی، 1652، با پسران در لباس "خیلی زیبا"

دیگر پرتره‌ساز بزرگ این دوره، فرانس هالس است ، که قلم‌موهای سرزنده و مشهور او و توانایی نشان دادن آرام و شاد به‌نظر می‌آیند نشسته‌ها، حتی به بی‌امیدترین سوژه‌ها نیز هیجان می‌افزاید. ژست بی‌نهایت پرتره او از ویلم هیتویسن استثنایی است: «هیچ پرتره دیگری از این دوره به این اندازه غیررسمی نیست». [30] نظاره‌گر تاجر نساجی ثروتمندی بود که ده سال قبل تنها پرتره تمام قد هالس را در اندازه واقعی سفارش داده بود. در این کار بسیار کوچکتر برای یک اتاق خصوصی او لباس سوارکاری می پوشد. [31] یان دو بری ، نشسته‌های خود را تشویق می‌کرد تا با لباس به عنوان چهره‌های تاریخ کلاسیک ژست بگیرند، اما بسیاری از آثار او متعلق به خانواده‌اش هستند. توماس دی کیسر ، بارتولومئوس ون در هلست ، فردیناند بول و دیگران، از جمله بسیاری از آنها که در زیر به عنوان نقاشان تاریخ یا ژانر نام برده می شوند، تمام تلاش خود را برای زنده کردن آثار متعارف انجام دادند. پرتره، که کمتر از سایر انواع نقاشی تحت تأثیر مد قرار گرفته بود، برای هنرمندان هلندی به عنوان جایگزینی مطمئن باقی ماند.

با توجه به اطلاعات کمی که از رویه‌های استودیویی هنرمندان می‌دانیم، به نظر می‌رسد که مانند سایر نقاط اروپا، چهره احتمالاً در یک یا دو جلسه اولیه کشیده شده و شاید نقاشی شده است. تعداد معمول جلسات بعدی نامشخص است - بین صفر (برای رامبراند تمام قد) تا 50 به صورت مستند به نظر می رسد. لباس‌ها در استودیو رها می‌شدند و ممکن بود توسط دستیاران، یا استاد متخصصی که آورده بودند، نقاشی شوند، اگرچه، یا به این دلیل، آنها به عنوان بخش بسیار مهمی از نقاشی در نظر گرفته می‌شدند. [32] زنان متاهل و هرگز ازدواج نکرده را می توان با لباسشان متمایز کرد، که نشان می دهد تعداد کمی از زنان مجرد به جز در گروه های خانوادگی نقاشی شده اند. [33] مانند جاهای دیگر، دقت لباس‌های نشان‌داده‌شده متغیر است - لباس‌های راه راه و طرح‌دار می‌پوشیدند، اما هنرمندان به ندرت آن‌ها را نشان می‌دهند، و به‌طور قابل‌توجهی از کار اضافی اجتناب می‌کنند. [34] یقه توری و روف اجتناب ناپذیر بود و چالش بزرگی را برای نیت نقاشان در مورد رئالیسم ایجاد می کرد. رامبراند روش مؤثرتری را برای نقاشی توری طرح دار ایجاد کرد، در ستون های سفید پهن و سپس برای نشان دادن الگو، به آرامی به رنگ سیاه نقاشی کرد. روش دیگر برای انجام این کار این بود که روی یک لایه سیاه رنگ سفید بزنید و رنگ سفید را با انتهای قلم مو خراش دهید تا طرح نشان داده شود. [35]

در پایان قرن، مدی برای نشان دادن نشسته‌ها در لباس‌های نیمه‌فانتزی وجود داشت، که در انگلستان توسط ون دایک در دهه 1630 آغاز شد، که به لباس‌های «مجسم» یا «رومی» معروف بود. [36] نشسته‌های اشرافی و شبه‌نظامی به خود آزادی بیشتری در لباس‌های روشن و محیط‌های گسترده نسبت به بورگرها می‌دادند، و وابستگی‌های مذهبی احتمالاً بر بسیاری از تصاویر تأثیر گذاشته است. در پایان قرن، ارزش‌های اشرافی یا فرانسوی در میان بورگرها رواج یافت و به تصویرها آزادی و نمایش بیشتری داده شد.

یک نوع متمایز از نقاشی، ترکیبی از عناصر پرتره، تاریخ و ژانر نقاشی، ترونی بود . این معمولاً نیمی از یک فیگور واحد بود که بر ثبت یک حالت یا حالت غیرعادی متمرکز بود. هویت واقعی مدل قرار نبود مهم باشد، اما آنها ممکن است نشان دهنده یک شخصیت تاریخی باشند و در لباس های عجیب و غریب یا تاریخی باشند. یان لیونز و رامبراند، که بسیاری از خودنگاره‌هایشان نیز ترونی هستند (مخصوصاً نمونه‌های حکاکی شده او)، از جمله کسانی بودند که این ژانر را توسعه دادند.

پرتره‌های خانوادگی، مانند فلاندر، معمولاً در فضای باز در باغ‌ها قرار می‌گرفتند، اما مانند بعداً در انگلستان، بدون نمایی گسترده، و از نظر لباس و حالت نسبتاً غیر رسمی بودند. پرتره‌های گروهی، که عمدتاً یک اختراع هلندی است، در میان تعداد زیادی از انجمن‌های مدنی که بخش قابل توجهی از زندگی هلندی بودند، مانند افسران شوتریج یا نگهبانان شبه‌نظامی شهر، هیئت‌های امناء و نایب‌های اصناف و بنیادهای خیریه و مانند به خصوص در نیمه اول قرن، پرتره ها بسیار رسمی و در ترکیب بندی سفت بودند. گروه ها اغلب دور یک میز می نشستند و هر نفر به بیننده نگاه می کرد. توجه زیادی به جزئیات ظریف در لباس و در صورت لزوم به مبلمان و سایر نشانه‌های موقعیت یک فرد در جامعه شد. بعدها در قرن، گروه‌ها سرزنده‌تر و رنگ‌ها روشن‌تر شدند. Syndics of the Drapers' Guild اثر رامبراند ، برخوردی ظریف با گروهی دور یک میز است.

The Meager Company ، یک پرتره یا شوترستوک از گروه شبه نظامی آمستردام توسط فرانس هالز و پیتر کد (1633-37)
Bartholomeus van der Helst ، ضیافت گارد مدنی آمستردام در جشن صلح مونستر ، 1648; عرض 5.47 متر

دانشمندان اغلب با ابزار و اشیاء مورد مطالعه خود در اطراف خود عکس می گرفتند. پزشکان گاهی اوقات دور یک جسد با هم عکس می گرفتند، به اصطلاح «درس تشریحی»، که معروف ترین آن درس آناتومی رامبراند از دکتر نیکلاس تولپ (1632، موریتشویس ، لاهه ) است. هیئت‌های امناء در پرتره‌های رجنتنستوک خود تصویری از ریاضت و فروتنی را ترجیح می‌دادند، با لباس‌های تیره (که با ظرافت نشان می‌داد جایگاه برجسته‌شان در جامعه بود)، اغلب دور یک میز نشسته بودند، با حالت‌هایی موقر در چهره‌شان.

بیشتر پرتره‌های گروه‌های شبه‌نظامی در هارلم و آمستردام سفارش داده می‌شدند و بسیار پرطمطراق‌تر و آرام‌تر یا حتی پرتره‌تر از سایر انواع پرتره بودند و همچنین بسیار بزرگ‌تر بودند. نمونه‌های اولیه به آنها نشان می‌داد که غذا می‌خوردند، اما گروه‌های بعدی بیشتر چهره‌هایی را نشان دادند که برای ترکیب پویاتری ایستاده بودند. گروه نظامی معروف رامبراند با نام کاپیتان فرانس بانینگ کوک (1642) که بیشتر با نام نگهبان شب شناخته می‌شود ، تلاشی جاه‌طلبانه و نه کاملاً موفق برای نشان دادن گروهی در حال عمل بود که برای گشت‌زنی یا رژه حرکت می‌کردند. قالب گسترده ای از این گونه آثار.

هزینه پرتره های گروهی معمولاً بین آزمودنی ها تقسیم می شد، اغلب نه به طور مساوی. مبلغ پرداختی ممکن است مکان هر فرد را در تصویر مشخص کند، یا سر تا پا در جلوی صحنه یا فقط چهره در پشت گروه. گاهی اوقات همه اعضای گروه مبلغ مساوی را پرداخت می کردند، که احتمالاً زمانی که برخی از اعضا جایگاه برجسته تری نسبت به سایرین در تصویر پیدا می کردند، منجر به نزاع می شد. در آمستردام بیشتر این نقاشی‌ها در نهایت در اختیار شورای شهر قرار می‌گیرند و بسیاری از آنها اکنون در موزه تاریخی آمستردام به نمایش گذاشته می‌شوند . هیچ نمونه قابل توجهی در خارج از هلند وجود ندارد.

صحنه های زندگی روزمره

یک عکس معمولی جان استین ( حدود  1663 ); وقتی زن خانه می خوابد، خانه بازی می کند [37]

صحنه‌های زندگی روزمره، که اکنون نقاشی‌های ژانر نامیده می‌شوند ، به‌طور برجسته‌ای دارای شخصیت‌هایی هستند که نمی‌توان به آنها هویت خاصی نسبت داد – آنها پرتره نیستند یا به عنوان شخصیت‌های تاریخی در نظر گرفته شده‌اند، بلکه عکس‌هایی فوری از زندگی روزمره هستند. همراه با نقاشی منظره، توسعه و محبوبیت بسیار زیاد نقاشی ژانر بارزترین ویژگی نقاشی هلندی در این دوره است، اگرچه در این مورد آنها در نقاشی فلاندری نیز بسیار محبوب بودند. بسیاری از آنها افراد مجردی هستند، مانند ورمیر، خدمتکار شیر . دیگران ممکن است گروه های بزرگی را در برخی مناسبت های اجتماعی یا جمعیت نشان دهند.

هلند قرن هفدهم هنرمندان بیشتری و بهتری را تولید کرد که به نقاشی ژانر با پیام و بدون پیام اختصاص داشتند تا هر کشور دیگری. [38] تعداد زیادی زیرشاخه در این ژانر وجود داشت: افراد مجرد، خانواده‌های دهقانی، صحنه‌های میخانه، مهمانی‌های « شرکت شاد »، زنان در حال کار در خانه، صحنه‌هایی از جشن‌های روستا یا شهر (اگرچه این‌ها بیشتر بودند. رایج در نقاشی فلاندری)، صحنه های بازار، صحنه های سربازخانه، صحنه هایی با اسب ها یا حیوانات مزرعه، در برف، زیر نور مهتاب، و بسیاری موارد دیگر. در واقع، بیشتر اینها اصطلاحات خاصی در هلندی داشتند، اما هیچ واژه هلندی کلی معادل "ژانر نقاشی" وجود نداشت - تا اواخر قرن 18، انگلیسی ها اغلب آنها را "درولر" می نامیدند. [39] برخی از هنرمندان عمدتاً در یکی از این زیرشاخه‌ها کار می‌کردند، به‌ویژه پس از حدود سال 1625. [40] در طول قرن، نقاشی‌های ژانر تمایل به کاهش اندازه داشتند.

اگرچه نقاشی‌های ژانر بینش‌های زیادی را در مورد زندگی روزمره شهروندان قرن هفدهمی از همه طبقات ارائه می‌دهند، اما دقت آنها را نمی‌توان همیشه بدیهی دانست. [41] معمولاً آن‌ها چیزی را نشان می‌دهند که مورخان هنر به جای یک تصویر واقعی واقع‌گرایانه، «اثر واقعیت» می‌گویند. میزان این مورد بین هنرمندان متفاوت است. بسیاری از نقاشی‌هایی که به نظر می‌رسد فقط صحنه‌های روزمره را به تصویر می‌کشند، در واقع ضرب المثل‌ها و گفته‌های هلندی را نشان می‌دهند یا پیامی اخلاقی را منتقل می‌کنند - که ممکن است اکنون معنای آن توسط مورخان هنر نیاز به رمزگشایی داشته باشد، اگرچه برخی به اندازه کافی واضح هستند. بسیاری از هنرمندان و بی‌تردید خریداران، مطمئناً سعی می‌کردند همه چیز را به هر دو صورت داشته باشند، از نمایش خانه‌های بی‌نظم یا صحنه‌های فاحشه‌خانه لذت ببرند، در حالی که تفسیری اخلاقی ارائه کردند - کارهای یان استین ، که شغل دیگرش مهمانخانه‌داری بود، نمونه است. تعادل بین این عناصر هنوز مورد بحث مورخان هنر است. [42]

گریت ون هانتورست (1625)، در این صحنه فاحشه‌خانه به صورت بصری روی عود می‌کوبد.

عناوینی که بعداً به نقاشی‌ها داده شد اغلب بین « میخانه‌ها » یا « کاروانسراها » و « فاحشه خانه‌ها » تمایز قائل می‌شوند، اما در عمل اینها اغلب همان مؤسسات بودند، زیرا بسیاری از میخانه‌ها اتاق‌هایی در بالا یا پشت داشتند که برای مقاصد جنسی در نظر گرفته شده بودند: «کاروانسرا در جلو. فاحشه خانه پشت سر" یک ضرب المثل هلندی بود . [43]

استین فوق به وضوح یک مثال است ، و اگرچه هر یک از اجزای منفرد آن به طور واقع گرایانه به تصویر کشیده شده است، صحنه کلی تصویر معقولی از یک لحظه واقعی نیست. معمولاً در نقاشی ژانر، موقعیتی است که به تصویر کشیده می شود و به طنز می پردازد. [44]

سنت رنسانس از کتاب‌های نمادی دوباره ، در دست هلندی‌های قرن هفدهم - تقریباً در سطح جهانی با سواد به زبان عامیانه، اما عمدتاً بدون آموزش کلاسیک - به آثار محبوب و بسیار اخلاق‌گرایانه Jacob Cats ، Roemer Visscher و Roemer Visscher تبدیل شد. دیگران، اغلب بر اساس ضرب المثل های رایج . تصاویر مربوط به این موارد اغلب مستقیماً در نقاشی‌ها نقل می‌شوند و از آغاز قرن بیستم، مورخان هنر ضرب المثل‌ها، گفته‌ها و شعارها را به تعداد زیادی از آثار ژانر متصل کرده‌اند. یکی دیگر از منابع محبوب معنی، جناس های بصری با استفاده از تعداد زیادی از اصطلاحات عامیانه هلندی در ناحیه جنسی است: واژن را می توان با عود ( luit ) یا جوراب ساق بلند ( kous ) و رابطه جنسی با یک پرنده ( vogelen ) در میان بسیاری دیگر نشان داد. گزینه ها، [45] و نمادهای صرفا بصری مانند کفش، دهانه، و کوزه و پرچم در کنار آنها.

آدریان ون اوستاد ، دهقانان در یک فضای داخلی (1661)

همان نقاشان اغلب آثاری را با روحیه بسیار متفاوتی از زنان خانه دار یا زنان دیگر در حال استراحت در خانه یا محل کار نقاشی می کردند - تعداد آنها از رفتارهای مشابه مردان بیشتر است. در واقع، مردان طبقه کارگر که مشغول انجام کار خود هستند، به طور قابل توجهی در هنر عصر طلایی هلند غایب هستند، با مناظر پر جمعیت مسافران و افراد بیکار، اما به ندرت کشاورزان خاک. [46] علیرغم اینکه جمهوری هلند مهم ترین کشور در تجارت بین المللی در اروپا است و وفور نقاشی های دریایی، صحنه های کارگران بارانداز و سایر فعالیت های تجاری بسیار نادر است. [47] این گروه از موضوعات یک اختراع هلندی بود که منعکس کننده دغدغه های فرهنگی عصر بود، [48] و قرار بود در دو قرن بعد توسط هنرمندان کشورهای دیگر، به ویژه فرانسه، پذیرفته شود.

این سنت از واقع‌گرایی و فعالیت‌های پس‌زمینه دقیق نقاشی هلندی اولیه شکل گرفت، که هیرونیموس بوش و پیتر بروگل بزرگ از جمله اولین کسانی بودند که با استفاده از ضرب المثل‌ها، آنها را به موضوعات اصلی خود تبدیل کردند. نقاشان هارلم ، Willem Pieterszoon Buytewech ، Frans Hals و Esaias van de Velde نقاشان مهم اوایل دوره بودند. Buytewech " شرکت های شاد " از جوانان خوش لباس را نقاشی کرد که اهمیت اخلاقی در جزئیات آن نهفته بود.

گابریل متسو ، هدیه شکارچی ، ج.  1660 ، مطالعه ای در روابط زناشویی، با جناس بصری. [49]

ون دو ولده همچنین به عنوان یک منظره‌ساز مهم بود، که صحنه‌هایش شامل چهره‌های غیرجذابی بود که بسیار متفاوت از نقاشی‌های ژانر او بود، که معمولاً در مهمانی‌های باغ در خانه‌های روستایی به تصویر کشیده می‌شد. هالز اصولاً یک پرتره‌ساز بود، اما در اوایل زندگی حرفه‌ای‌اش، چهره‌های سبک پرتره را نیز نقاشی می‌کرد. [50]

اقامت در هارلم توسط استاد فلاندری صحنه های میخانه دهقانی، آدریان بروور ، از سال 1625 یا 1626، به آدریان ون اوستاد سوژه مادام العمر خود را داد، اگرچه او اغلب رویکردی احساساتی تری داشت. قبل از بروور، دهقانان معمولاً در فضای باز به تصویر کشیده می شدند. او معمولاً آنها را در یک فضای داخلی ساده و کم نور نشان می دهد، اگرچه خانه های ون اوستاد گاهی اوقات خانه های مزرعه ای به طرز ظاهری فرسوده ای را اشغال می کنند که اندازه بسیار زیادی دارند. [51]

ون اوستاد به همان اندازه که کاراواگیستی اوترخت در آثار ژانر خود می‌توانست یک فیگور را به تصویر بکشد، به‌عنوان یک گروه ظاهر می‌شد، و تک فیگور، یا گروه‌های کوچک دو یا سه نفره، به‌ویژه آنهایی که شامل زنان و کودکان می‌شوند، به طور فزاینده‌ای رایج شدند. برجسته‌ترین زن هنرمند آن دوره، جودیت لیستر (1609-1660) در این زمینه‌ها تخصص داشت، پیش از آنکه همسرش، یان مینس مولنار ، بر او چیره شد تا نقاشی را کنار بگذارد. مکتب لیدن فیین‌شیلدر ("نقاش‌های خوب") به‌خاطر نقاشی‌های کوچک و بسیار تمام‌شده ، بسیاری از این نوع، مشهور بودند. هنرمندان برجسته عبارتند از جرارد دو , گابریل متسو , فرانس ون میریس بزرگ , و بعدها پسرش ویلم ون میریس , گادفرید شالکن و آدریان ون در ورف .

این نسل بعدی، که اکنون آثارشان در مقایسه با پیشینیان خود بیش از حد اصلاح شده به نظر می‌رسد، پرتره‌ها و تاریخ‌ها را نیز نقاشی می‌کردند و تا پایان آن دوره از نقاشان هلندی بسیار مورد توجه و پاداش بودند که آثارشان در سراسر اروپا جستجو می‌شد. [52] نقاشی‌های ژانر نشان‌دهنده رونق روزافزون جامعه هلندی بودند، و محیط‌ها به‌طور پیوسته راحت‌تر، مجلل‌تر و با دقت به تصویر کشیده شدند. هنرمندانی که بخشی از گروه لیدن نیستند و موضوعات مشترک آنها نیز گروه‌های ژانر صمیمی‌تر بودند، عبارتند از Nicolaes Maes ، Gerard ter Borch و Pieter de Hooch ، که علاقه‌شان به نور در صحنه‌های داخلی با Jan Vermeer مشترک بود ، که مدت‌ها چهره‌ای بسیار مبهم بود، اما اکنون معتبرترین نقاش ژانر از همه.

مناظر و مناظر شهری

Esaias van de Velde , Winter Landscape (1623)

نقاشی منظره یکی از ژانرهای اصلی در قرن هفدهم بود. مناظر فلاندری (به ویژه از آنتورپ ) قرن شانزدهم برای اولین بار به عنوان نمونه مورد استفاده قرار گرفت. اینها به ویژه واقع گرایانه نبودند، عمدتاً در استودیو نقاشی شده بودند، تا حدی از روی تخیل، و اغلب هنوز با استفاده از نمای نیمه هوایی از بالا که نمونه نقاشی منظره قبلی هلند در سنت " منظر جهانی " یواخیم پاتینیر بود ، هری با دی. بلس و پیتر بروگل بزرگتر اولیه . یک سبک منظره واقع گرایانه هلندی توسعه یافته است، که از سطح زمین دیده می شود، اغلب بر اساس نقاشی های انجام شده در خارج از منزل، با افق های پایین تر که این امکان را فراهم می کند تا بر تشکیل ابرهای غالباً چشمگیر که در آب و هوای منطقه بسیار معمولی بودند (و هستند) تأکید کنند. که نور خاصی می افکند. موضوعات مورد علاقه تپه های شنی در امتداد ساحل غربی، رودخانه ها با علفزارهای مجاور وسیع خود که در آن گاوها چرا می کردند، اغلب با شبح شهری در دوردست بودند. مناظر زمستانی با کانال ها و نهرهای یخ زده نیز فراوان بود. دریا نیز موضوع مورد علاقه ای بود، زیرا کشورهای پایین برای تجارت به آن وابسته بودند، برای سرزمین جدید با آن جنگیدند، و با کشورهای رقیب بر سر آن جنگیدند.

چهره‌های مهم اولیه در حرکت به سمت رئالیسم، اسایاس ون دو ولده (1587-1630) و هندریک اورکامپ (1585-1634) بودند که هر دو در بالا به عنوان نقاشان ژانر نیز ذکر شدند - در مورد اورکامپ، همان نقاشی‌ها در هر دسته شایسته ذکر هستند. از اواخر دهه 1620، "مرحله تونال" نقاشی منظره آغاز شد، زیرا هنرمندان خطوط خود را ملایم یا محو می کردند و بر یک اثر جوی متمرکز می شدند که برجستگی زیادی به آسمان داده می شد و پیکره های انسانی معمولاً یا غایب یا کوچک و دور بودند. ترکیب‌بندی‌های مبتنی بر مورب در سراسر فضای تصویر رایج شد و آب اغلب به چشم می‌خورد. هنرمندان برجسته عبارتند از یان ون گوین (1596-1656)، سالومون ون رویسدیل (1602-1670)، پیتر دو مولین (1595-1661)، و در نقاشی دریایی سیمون دو لیگر (1601-1653)، با انبوهی از چهره های کوچک. - یک مطالعه اخیر بیش از 75 هنرمند را فهرست می کند که حداقل برای یک دوره به شیوه ون گوین کار کرده اند، از جمله Cuyp. [56]

یاکوب ون رویسدیل ، آسیاب بادی در ویک (1670)
Aelbert Cuyp ، چشم انداز رودخانه با سواران (حدود 1655); Cuyp متخصص نور طلایی عصر در تنظیمات هلندی است

از دهه 1650، "مرحله کلاسیک" آغاز شد، با حفظ کیفیت اتمسفر، اما با ترکیب‌بندی‌های گویاتر و تضادهای قوی‌تر نور و رنگ. ترکیبات اغلب توسط یک "درخت قهرمان"، آسیاب بادی یا برج، یا کشتی در آثار دریایی لنگر می اندازند. [57] هنرمند برجسته Jacob van Ruisdael (1628-1682) بود که با استفاده از هر موضوع معمولی هلندی، به جز منظره ایتالیایی (در زیر) آثار بسیار زیادی تولید کرد. در عوض، او مناظر «اسکاندیناوی» از جنگل‌های کاج کوهستانی تاریک و دراماتیک با جویبارها و آبشارهای خروشان را تولید کرد. [58]

شاگرد او مایندرت هابما (1638-1709) بود که بیشتر به خاطر خیابان غیرمعمولش در میدلهارنیس (1689، لندن) شهرت داشت که از صحنه‌های معمول خود در آسیاب‌های آبی و جاده‌ها در میان جنگل‌ها دور شد. دو هنرمند دیگر با سبک‌های شخصی‌تر، که بهترین آثارشان شامل تصاویر بزرگ‌تر (تا عرض یک متر یا بیشتر) بود، آلبرت کویپ (1620-1691) و فیلیپس کونینک (1619-1688) بودند. Cuyp از نور طلایی ایتالیایی استفاده کرد و در صحنه های عصر با گروهی از چهره ها در پیش زمینه و پشت سر آنها رودخانه و منظره ای وسیع از آن استفاده کرد. بهترین آثار کونینک مناظر پانوراما از یک تپه، بر فراز زمین‌های کشاورزی مسطح وسیع، با آسمانی عظیم است.

نوع متفاوتی از منظره، که در طول مراحل تونال و کلاسیک ایجاد شد، منظره رمانتیک ایتالیایی بود، که معمولاً در مناطق کوهستانی‌تر از آنچه در هلند یافت می‌شود، با نور طلایی، و گاهی خدمه و خرابه‌های زیبای مدیترانه‌ای بود. همه هنرمندانی که در این زمینه تخصص داشتند از ایتالیا دیدن نکرده بودند. یان بوث (متوفی 1652)، که به رم رفته بود و با کلود لورن کار می کرد ، یکی از توسعه دهندگان برجسته این زیرژانر بود که بر کار بسیاری از نقاشان مناظر با محیط هلندی، مانند البرت کویپ، تأثیر گذاشت. دیگر هنرمندانی که به طور مداوم در این سبک کار می کردند، نیکلاس برچم (1620-1683) و آدام پیناکر بودند . مناظر ایتالیایی به عنوان چاپ محبوب بودند، و نقاشی های برچم در طول خود دوره بیش از نقاشی های هر هنرمند دیگری در حکاکی ها تکثیر شد. [59]

تعدادی از هنرمندان دیگر در هیچ یک از این گروه‌ها جای نمی‌گیرند، مهم‌تر از همه رامبراند، که مناظر نسبتا کمی نقاشی‌شده‌اش تأثیرات مختلفی را نشان می‌دهد، از جمله برخی از هرکول سگرز (حدود 1589-حدود 1638). مناظر بسیار نادر دره کوهستانی بزرگ او یک توسعه بسیار شخصی از سبک های قرن شانزدهم بود. [60] Aert van der Neer (متوفی 1677) صحنه های بسیار کوچکی از رودخانه ها را در شب یا زیر یخ و برف ترسیم کرد.

مناظر با حیوانات در پیش زمینه یک نوع فرعی متمایز بودند و توسط Cuyp، Paulus Potter (1625-1654)، Albert Jansz. Klomp (1625-1688)، Adriaen van de Velde (1636-1672) و Karel Dujardin (1636-1672) نقاشی شدند. 1626-1678، حیوانات مزرعه)، با فیلیپس ووورمن که اسب‌ها و سواران را در محیط‌های مختلف نقاشی می‌کرد. گاو برای هلندی‌ها نمادی از سعادت بود که تا آن زمان در هنر نادیده گرفته می‌شد و جدای از اسب، متداول‌ترین حیوان نمایش داده شده بود. از بز برای نشان دادن ایتالیا استفاده می شد. گاو نر جوان پاتر پرتره ای عظیم و معروف است که ناپلئون آن را به پاریس برد (بعدها آن را بازگرداند) اگرچه تحلیلگران دام از تصویر بخش های مختلف آناتومی متوجه شده اند که به نظر می رسد ترکیبی از مطالعات شش حیوان مختلف به طور گسترده باشد. سنین مختلف

Pieter Jansz Saenredam ، کلیسای Assendelft ، 1649، با سنگ قبر پدرش در پیش زمینه

معماری همچنین هلندی ها را مجذوب خود کرد، به ویژه کلیساها. در آغاز دوره سنت اصلی کاخ‌های خیال‌انگیز و مناظر شهری از معماری اختراعی شیوه‌های شمالی بود که نقاشی فلاندری به توسعه آن ادامه داد و در هلند توسط دیرک ون دلن به نمایش درآمد . واقع گرایی بزرگ تری ظاهر شد و نمای بیرونی و داخلی ساختمان های واقعی بازتولید شد، البته نه همیشه وفادارانه. در طول قرن، درک درستی از ارائه پرسپکتیو رشد کرد و با اشتیاق به کار رفت. چندین هنرمند در طراحی داخلی کلیسا تخصص داشتند.

Pieter Jansz Saenredam ، که پدرش Jan Saenredam ، الهه‌های برهنه مانریست را حکاکی می‌کرد، مناظر بی‌نظیری از کلیساهای شهر گوتیک که اکنون سفیدپوش شده‌اند، نقاشی کرد. تأکید او بر یکنواخت نور و هندسه، با تصویر کمی از بافت‌های سطح، با مقایسه آثار او با آثار امانوئل دو ویت ، که در میان مردم، کف‌های ناهموار، تضاد نور و چنین به‌هم‌ریختگی مبلمان کلیسا را ​​در میان مردم به جا گذاشته است ، آشکار می‌شود. کلیساهای کالوینیست که معمولاً همه توسط سینردام نادیده گرفته می شوند. جرارد هاکگیست ، و به دنبال آن ون ویته و هندریک ون ویلت ، نمای سنتی را در امتداد محور اصلی کلیسا با نماهای مورب تکمیل کرده بودند که درام و جذابیت را اضافه می کرد. [61]

گریت برکهید در نماهای کم جمعیت از خیابان‌های اصلی شهر، میادین و ساختمان‌های عمومی اصلی تخصص داشت. یان ون در هایدن صحنه‌های صمیمی‌تری از خیابان‌های آرام‌تر آمستردام، اغلب با درختان و کانال‌ها را ترجیح می‌داد. اینها نماهای واقعی بودند، اما او در تنظیم آنها برای اثر ترکیبی تردیدی نداشت. [62]

نقاشی دریایی

Salomon van Ruisdael ، نمای معمولی از Deventer که از شمال غربی دیده می شود (1657); نمونه ای از "فاز تونال"

جمهوری هلند برای ثروت استثنایی خود به تجارت دریایی متکی بود، در این دوره جنگ های دریایی با بریتانیا و سایر کشورها داشت و رودخانه ها و کانال ها از آن عبور می کردند. بنابراین جای تعجب نیست که ژانر نقاشی دریایی بسیار محبوب بود و در آن دوره توسط هنرمندان هلندی به اوج رسید. همانند مناظر، حرکت از نمای مرتفع مصنوعی نمونه نقاشی های دریایی قبلی یک گام مهم بود. [63] تصاویر نبردهای دریایی داستان های یک نیروی دریایی هلند را در اوج شکوه خود بازگو می کند، اگرچه امروزه معمولاً صحنه های آرام تر هستند که بسیار تخمین زده می شوند. کشتی‌ها معمولاً در دریا هستند و صحنه‌های پهلوگیری به‌طور شگفت‌آوری وجود ندارد. [64]

بیشتر اوقات، حتی کشتی های کوچک نیز با سه رنگ هلندی پرواز می کنند و بسیاری از کشتی ها را می توان به عنوان نیروی دریایی یا یکی از بسیاری از کشتی های دولتی دیگر شناسایی کرد. بسیاری از تصاویر شامل برخی از زمین ها، با چشم انداز ساحل یا بندر، یا منظره ای از خور بود. هنرمندان دیگر در صحنه های رودخانه تخصص داشتند، از تصاویر کوچک سالومون ون رویسدیل با قایق های کوچک و سواحل نی گرفته تا مناظر بزرگ ایتالیایی آلبرت کویپ ، جایی که خورشید معمولاً بر روی رودخانه ای وسیع غروب می کند. این ژانر به طور طبیعی با نقاشی منظره مشترک است و در توسعه تصویر آسمان این دو با هم پیش رفتند. بسیاری از هنرمندان منظره نیز صحنه های ساحل و رودخانه را نقاشی کردند. هنرمندان عبارتند از Jan Porcellis , Simon de Vlieger , Jan van de Cappelle , Hendrick Dubbels و Abraham Storck . ویلم ون دو ولده بزرگ و پسرش استادان برجسته دهه‌های بعد هستند و مانند آغاز قرن تلاش می‌کنند کشتی را به موضوع تبدیل کنند، در حالی که در آثار تونال دهه‌های قبل تأکید بر دریا و دریا بود. آب و هوا آنها در سال 1672 به لندن رفتند و استاد دریاهای سنگین، لودولف باخویزن آلمانی الاصل را به عنوان هنرمند برجسته باقی گذاشتند. [65]

طبیعت بی جان

پیتر کلاسز ، وانیتاس (1630)

طبیعت بی جان فرصتی عالی برای نشان دادن مهارت در نقاشی بافت ها و سطوح با جزئیات زیاد و با جلوه های نور واقعی بود. انواع غذاها روی میز چیده شده، کارد و چنگال های نقره ای، نقش های پیچیده و چین های ظریف روی سفره ها و گل ها، نقاشان را به چالش می کشاند. نقاشان هلندی طبیعت بی جان را در تعداد زیادی تولید کردند که "عشق هلندی به فرهنگ داخلی" را آشکار کرد. اصطلاح انگلیسی "از کلمه هلندی stilleven " گرفته شده است که در حدود سال 1650 مورد استفاده قرار گرفت. [66]

چندین نوع موضوع شناخته شد: banketje "تکه های ضیافت" بودند، ontbijtjes ساده تر "تکه های صبحانه". [67] تقریباً همه طبیعت‌های بیجان پیامی اخلاق‌گرایانه داشتند، معمولاً در مورد کوتاهی زندگی - این به عنوان مضمون وانیتاس شناخته می‌شود - حتی در غیاب نماد آشکاری مانند جمجمه یا نمادی کمتر آشکار مانند نیمه‌پوسته‌شده. لیمو (مثل زندگی، در ظاهر شیرین اما تلخ). [68] گل‌ها پژمرده می‌شوند و غذا فاسد می‌شود و نقره برای روح مفید نیست. با این وجود، نیروی این پیام در قطعات مفصل‌تر نیمه دوم قرن کمتر قدرتمند به نظر می‌رسد.

آبراهام ون بیجرن ( حدود  1660 )؛ طبیعت بی جان "خودنما".

در ابتدا اشیاء نشان داده شده تقریباً همیشه پیش پا افتاده بودند. با این حال، از اواسط قرن pronkstillevens ("طبیعت های بی جان خودنمایی")، که اشیاء گران قیمت و عجیب و غریب را به تصویر می کشیدند و به عنوان یک زیرژانر در دهه 1640 در آنتورپ توسط هنرمندان فلاندرز مانند فرانس اسنایدرز و آدریان ون اوترخت توسعه داده شده بود ، محبوبیت بیشتری پیدا کرد. [69] مراحل اولیه رئالیستی، تونال و کلاسیک نقاشی منظره مشابهی در نقاشی طبیعت بی جان داشت. [70] Willem Claeszoon Heda (1595- حدود  1680 ) و Willem Kalf (1619-1693) تغییر را به pronkstilleven هدایت کردند ، در حالی که Pieter Claesz (متوفی 1660) ترجیح داد ساده تر "ontbijt" ("قطعه های صبحانه") را نقاشی کند. یا قطعات وانیتاس صریح.

در همه این نقاشان، رنگ ها اغلب بسیار خاموش هستند و قهوه ای ها غالب هستند، به ویژه در اواسط قرن. این در مورد آثار یان داویدز د هیم (1606-1684) کمتر صادق است، شخصیت مهمی که بیشتر دوران حرفه ای خود را در مرز آنتورپ گذراند . در اینجا نمایشگرهای او شروع به پراکنده شدن به طرفین کردند و تصاویر مستطیلی پهنی را شکل دادند که در شمال غیرمعمول بود، اگرچه هدا گاهی اوقات ترکیبات عمودی بلندتری را نقاشی می کرد. نقاشان طبیعت بی جان به خصوص مستعد تشکیل سلسله ها بودند، به نظر می رسد که دو هیم و بوشاارت های زیادی وجود داشتند، پسر هدا به سبک پدرش ادامه داد، و کلاسز پدر نیکولاس برچم بود.

جیکوب گیلیگ ، ماهی آب شیرین (1684)

نقاشی‌های گل یک گروه فرعی را با متخصصان خاص خود تشکیل می‌داد و گهگاه تخصص معدود هنرمندان زن مانند ماریا ون اوسترویک و راشل رویش بود . [71] هلندی‌ها همچنین در طراحی‌های گیاه‌شناسی و دیگر علمی، چاپ‌ها و تصاویر کتاب، رهبری جهان را داشتند. علی‌رغم واقع‌گرایی شدید گل‌ها، نقاشی‌ها از مطالعات فردی یا حتی تصاویر کتاب ساخته شده‌اند و شکوفه‌های فصل‌های بسیار متفاوت به طور معمول در ترکیب یکسان گنجانده می‌شوند و همان گل‌ها در آثار مختلف دوباره ظاهر می‌شوند، درست مانند قطعات ظروف غذاخوری. همچنین یک غیرواقعی اساسی وجود داشت که دسته گل در گلدان در آن زمان اصلاً در خانه‌ها رایج نبود - حتی افراد بسیار غنی گل‌ها را یکی یکی در گلدان‌های گل لاله به نمایش می‌گذاشتند . [72]

سنت هلندی عمدتاً توسط آمبروسیوس بوشارت (1573-1621)، نقاش گل فلاندری تبار که در آغاز دوره در شمال ساکن شده بود و سلسله ای را تأسیس کرد، آغاز شد. برادر شوهرش بالتاسار ون در آست (متوفی 1657) پیشگام زندگی بی جان از صدف ها و همچنین نقاشی گل ها بود. این آثار اولیه نسبتاً روشن بودند و دسته‌های گل به روشی نسبتاً ساده چیده شده بودند. از اواسط قرن، چیدمان هایی که می توان انصافاً باروک نامید، معمولاً در پس زمینه ای تاریک، محبوبیت بیشتری پیدا کرد، که نمونه آن آثار ویلم ون آلست (1627-1683) است. نقاشانی از لیدن ، لاهه و آمستردام به ویژه در این ژانر برتر بودند.

بازی‌های مرده و پرندگانی که زنده نقاشی می‌شدند اما از مردگان مطالعه می‌شدند، مانند ماهی‌های مرده، یکی دیگر از عناصر اصلی رژیم غذایی هلندی بودند - آبراهام ون بیجرن بسیاری از این‌ها را انجام داد. [73] هلندی ها کمتر به سبک فلاندری برای ترکیب عناصر بزرگ طبیعت بیجان با انواع دیگر نقاشی - آنها در پرتره ها افتخارآمیز تلقی می شدند - و عادت فلاندری ها از نقاشان متخصص که روی عناصر مختلف در یک اثر همکاری می کردند، توجه نداشتند. اما گاهی اوقات این اتفاق می افتاد - فیلیپس وورمن گهگاه برای اضافه کردن مردان و اسب ها برای تبدیل یک منظره به صحنه شکار یا درگیری، از Berchem یا Adriaen van de Velde برای اضافه کردن افراد یا حیوانات مزرعه استفاده می شد.

سرزمین های خارجی

فرانس پست , صحنه در هلند برزیل ; در سال 1662، چند سال پس از از دست رفتن مستعمره، نقاشی شده است.

برای هنرمندان هلندی، شیلدربوک اثر کارل ون مندر نه تنها به عنوان فهرستی از زندگی نامه ها، بلکه منبعی برای مشاوره برای هنرمندان جوان بود. این به سرعت به یک اثر استاندارد کلاسیک برای نسل‌های هنرمندان جوان هلندی و فلاندری در قرن هفدهم تبدیل شد. این کتاب به هنرمندان توصیه می کرد که سفر کنند و از دیدنی های فلورانس و رم دیدن کنند و پس از سال 1604 بسیاری این کار را انجام دادند. با این حال، قابل توجه است که مهم ترین هنرمندان هلندی در همه زمینه ها، چهره هایی مانند رامبراند، ورمیر، هالز، استین، یاکوب ون رویسدیل و دیگران به این سفر نرفته بودند. [13]

بسیاری از نقاشان هلندی (و فلاندری) در خارج از کشور کار می کردند یا آثار خود را صادر می کردند. چاپگری همچنین بازار صادراتی مهمی بود که رامبراند به واسطه آن در سراسر اروپا شناخته شد. هدیه هلندی به چارلز دوم انگلستان یک هدیه دیپلماتیک بود که شامل چهار نقاشی معاصر هلندی بود. نقاشی انگلیسی به شدت به نقاشان هلندی متکی بود، سر پیتر لیلی و به دنبال آن سر گادفری کنلر ، سبک پرتره انگلیسی را که قبل از جنگ داخلی انگلیس توسط آنتونی ون دایک فلاندری ایجاد شد، توسعه داد . نقاشان دریایی van der Velde، پدر و پسر ، از جمله هنرمندانی بودند که در حمله فرانسه در سال 1672، هلند را ترک کردند، که باعث فروپاشی بازار هنر شد. آنها همچنین به لندن نقل مکان کردند، و آغاز نقاشی منظره انگلیسی توسط چندین نقاش کمتر برجسته هلندی، مانند هندریک دانکرتس ، پایه گذاری شد .

بامبوچیانتی ها مستعمره هنرمندان هلندی بودند که صحنه ژانر را به ایتالیا معرفی کردند. Jan Weenix و Melchior d'Hondecoeter در شکار و پرندگان، مرده یا زنده تخصص داشتند و برای خانه های روستایی و کلبه تیراندازی در سراسر اروپای شمالی مورد تقاضا بودند .

اگرچه کنترل هلندی ها بر منطقه شمال شرقی تولید شکر برزیل هلند کوتاه بود (54-1630)، فرماندار یوهان موریتس ون ناسائو-زیگن از هنرمندان هلندی دعوت کرد تا صحنه هایی را نقاشی کنند که برای نشان دادن مناظر و مردم قرن هفدهم ارزشمند است. منطقه [74] دو مشهورترین این هنرمندان فرانس پست ، طراح منظره، و نقاش طبیعت بی جان، آلبرت اکهوت بودند که نقاشی های قوم نگاری از جمعیت برزیل تولید کردند. اینها ابتدا در تالار بزرگ کاخ Vrijburg در Recife به نمایش گذاشته شدند . [75] در آمستردام بازاری برای چنین نقاشی‌هایی وجود داشت، [76] و پست پس از بازگشت او به هلند سال‌ها به تولید صحنه‌های برزیلی ادامه داد. هند شرقی هلند از نظر هنری بسیار کمتر پوشش داده شد.

شهرت بعدی

فیلیپس ووورمن ، مسافران در انتظار کشتی (1649); منظره ای با برجسته ترین علامت تجاری Wouwerman از یک اسب سفید

موفقیت عظیم نقاشی هلندی قرن هفدهم بر آثار نسل‌های بعدی چیره شد، و هیچ نقاش هلندی قرن هجدهم - و احتمالاً، نقاش قرن نوزدهم قبل از ون گوگ - در خارج از هلند شناخته شده نیست. در پایان دوره، هنرمندان شکایت داشتند که خریداران بیشتر به هنرمندان مرده علاقه مند هستند تا هنرمندان زنده.

اگر فقط به دلیل مقادیر بسیار زیاد تولید شده، نقاشی عصر طلایی هلند همیشه بخش قابل توجهی از مجموعه نقاشی های استاد قدیمی را تشکیل می دهد ، خود اصطلاحی است که در قرن 18 برای توصیف هنرمندان هلندی عصر طلایی ابداع شد. با توجه به نقاشی‌های Wouwerman در مجموعه‌های سلطنتی قدیمی، بیش از 60 نقاشی در درسدن و بیش از 50 نقاشی در هرمیتاژ وجود دارد . [77] اما شهرت آن دوره تغییرات و جابه‌جایی‌های تأکید زیادی را نشان داده است. یکی از عوامل تقریبا ثابت، تحسین رامبراند ، به ویژه از دوره رمانتیک بوده است . سایر هنرمندان تغییرات شدیدی را در ثروت بحرانی و قیمت بازار نشان داده اند. در پایان این دوره، برخی از فیژن‌شیلدرهای فعال لیدن شهرت زیادی داشتند، اما از اواسط قرن نوزدهم، آثار رئالیستی در ژانرهای مختلف بسیار مورد توجه قرار گرفتند. [78]

ورمیر در قرن نوزدهم از تقریباً گمنامی نجات یافت و تا آن زمان چندین اثر او دوباره به دیگران نسبت داده شد. با این حال، این واقعیت که بسیاری از آثار او قبلاً در مجموعه‌های بزرگی بودند که اغلب به هنرمندان دیگر نسبت داده می‌شدند، نشان می‌دهد که کیفیت نقاشی‌های فردی حتی اگر آثار جمعی او ناشناخته بود، شناخته شده بود. [79] هنرمندان دیگر همچنان از دست انبوه نقاشان کمتر شناخته شده نجات یافته اند: زندگی بی جان اواخر و بسیار ساده آدریان کورته در دهه 1950، [80] و منظره پردازان یاکوبوس مانکادن و فرانس پست در اوایل قرن. [81]

جرارد تر بورچ ، پند پدرانه ، یا صحنه فاحشه خانه (حدود 1654، نسخه آمستردام)

نقاشی‌های ژانر مدت‌ها محبوب بودند، اما کمتر مورد توجه قرار می‌گرفتند. در سال 1780، هوراس والپول مخالفت کرد که آنها "از خنده دعوت می کنند تا خود را با بدترین ظرافت خواران منحرف کنند". [82] سر جاشوا رینولدز ، رهبر انگلیسی هنر آکادمیک قرن 18 ، چندین اظهار نظر آشکار در مورد هنر هلندی ارائه کرد. او تحت تأثیر کیفیت شیردوش ورمیر (نمونه شده در ابتدای این مقاله) و سرزندگی پرتره های هالز قرار گرفت، متأسف بود که برای به پایان رساندن درست آنها «صبر» نداشت و از اینکه استین در ایتالیا به دنیا نیامده بود ابراز تاسف کرد. توسط رنسانس عالی شکل گرفت ، به طوری که استعداد او می توانست استفاده بهتری داشته باشد. [83] در زمان رینولدز، جنبه اخلاقی نقاشی ژانر، حتی در هلند، دیگر درک نشده بود. نمونه معروف آن همان اندرز پدرانه است که در آن زمان توسط جرارد تر بورچ شناخته می شد . این مورد توسط گوته و دیگران به دلیل ظرافت تصویری که از پدری که دخترش را سرزنش می کند ستایش کردند . در واقع، از نظر اکثر (و نه همه) محققان مدرن، این یک صحنه پیشنهادی در یک فاحشه خانه است - دو نسخه وجود دارد (برلین و آمستردام) و مشخص نیست که آیا یک "سکه قصه" در دست این مرد وجود دارد یا خیر. حذف شده یا بیش از حد در هر دو رنگ شده است. [84]

در نیمه دوم قرن هجدهم، رئالیسم زمین به زمین نقاشی هلندی در انگلستان و در فرانسه با عقل گرایی روشنگری و آرمان های اصلاحات سیاسی مرتبط بود. [85] در قرن 19، با احترام تقریباً جهانی به رئالیسم، و افول نهایی سلسله مراتب ژانرها، نقاشان معاصر شروع به وام گرفتن از نقاشان ژانر، هم رئالیسم و ​​هم استفاده آنها از اشیاء برای مقاصد روایی کردند، و نقاشی های مشابهی را انجام دادند. خود سوژه‌ها، با تمام ژانرهایی که هلندی‌ها پیشگام بودند روی بوم‌های بسیار بزرگ‌تر ظاهر می‌شدند (به استثنای طبیعت‌های بی‌جان).

در نقاشی منظره، هنرمندان ایتالیایی تأثیرگذارترین و بسیار مورد توجه قرن هجدهم بودند، اما جان کانستبل از جمله رمانتیک‌هایی بود که آنها را به دلیل ساختگی محکوم کرد و هنرمندان تونال و کلاسیک را ترجیح داد. [59] در واقع، هر دو گروه در قرن 19 تأثیرگذار و محبوب باقی ماندند.

همچنین ببینید

یادداشت ها

  1. ^ در تاریخ های عمومی سال 1702 گاهی اوقات به عنوان پایان عصر طلایی در نظر گرفته می شود، تاریخی که برای نقاشی بسیار خوب عمل می کند. اسلیو که از این اصطلاح اجتناب می کند (نگاه کنید به ص 296)، کتاب خود را به دو بخش تقسیم می کند: 1600-1675 (294 صفحه) و 1675-1800 (32 صفحه).
  2. ^ به طور گیج کننده ای، یک ژانر خاص از نقاشی، نقاشی ژانر نامیده می شود ، نقاشی نوعی صحنه های روزمره با افراد ناشناس. اما به عنوان مثال، طبیعت بی جان نیز یک ژانر در نقاشی است.
  3. ^ فوکس، 104
  4. ^ فرانیتس، 2-3
  5. ↑ لوید، 15، به نقل از جاناتان اسرائیل . شاید امروز فقط 1% زنده مانده باشند و "تنها حدود 10% از آنها کیفیت واقعی داشتند".
  6. ^ فرانیتس، ۲
  7. ↑ یان استین یک مسافرخانه بود، البرت کویپ یکی از بسیاری از زنانی بود که همسران ثروتمندش آنها را متقاعد کردند که نقاشی را کنار بگذارند، اگرچه به نظر می رسد کارل دوژاردین برای ادامه کارش از او فرار کرده است. برعکس ، یان ون د کاپل از یک خانواده بسیار ثروتمند بود و یواخیم وتوائل یک سرمایه دار کتان خودساخته بود . بیوگرافی آنها را در مک لارن ببینید. هنرمند ماهی، جیکوب گیلیگ، همچنین به عنوان نگهبان در زندان اوترخت، نزدیک به بازار ماهی، کار می کرد. بایگانی شده در 2018-08-13 در Wayback Machine Bankrupts شامل: رامبراند، فرانس هالز، یان دی بری، و بسیاری دیگر.
  8. ^ فرانیتس، 217 و بعد از آن. در سال 1672 و اثرات آن.
  9. ^ فوکس، 43; فرانیتس، 2 این اظهارات «معمولاً نقل قول» را «بدون شک اغراق‌آمیز» می‌نامد.
  10. ^ فوکس، 104
  11. ↑ پراک (2008)، 151-153، یا پراک (2003)، 241
  12. ↑ پراک (2008)، 153
  13. ^ abc فوکس، 43
  14. ^ کتاب فرانیتس عمدتاً بر اساس شهر و دوره سازماندهی شده است. دسته بندی موضوعی
  15. ^ فرانیت در سراسر، خلاصه شده در ص. 260
  16. ^ فوکس، 76
  17. ^ Slive، 296-7 و جاهای دیگر را ببینید
  18. ^ فوکس، 107
  19. ↑ Fuchs, 62, RH Wilenski, Dutch Painting , "Prologue" pp. 27-43, 1945, Faber, London
  20. ^ فوکس، 62-3
  21. ^ اسلایو، 13-14
  22. ↑ فوکس، 62-69
  23. ^ فرانیتس، 65. هنرمندان هلندی کاتولیک قرن هفدهم شامل آبراهام بلومرت و جرارد ون هانتهورست از اوترخت، و یان استین، پائولوس بور ، یاکوب ون ولسن ، به علاوه ورمیر که احتمالاً در ازدواجش تغییر دین داده است.[1] بایگانی شده در 23-09-2010 در ماشین راهیابی جاکوب جوردن در میان هنرمندان پروتستان فلاندری بود.
  24. ^ اسلایو، 22-4
  25. ↑ فوکس، 69-77
  26. ↑ فوکس، 77-78
  27. ↑ شجره نامه سفر بایگانی شده در 09-01-2021 در ماشین Wayback . پرتره های مختلف پدربزرگ و مادربزرگ او توسط رامبراند مشهور است.
  28. ^ Ekkart, 17 n.1 (در ص 228).
  29. ↑ Shawe-Taylor، 22-23، 32-33 در پرتره، نقل قول از 33
  30. ↑ اککارت، 118
  31. ↑ اککارت، 130 و 114.
  32. ↑ اککارت (مقاله ماریک دی وینکل)، 68-69
  33. ↑ اککارت (مقاله ماریک دی وینکل)، 66-68
  34. ↑ اککارت (مقاله ماریکه دی وینکل)، ۷۳
  35. ↑ اککارت (مقاله ماریک دی وینکل)، 69-71
  36. ↑ اککارت (مقاله ماریک دی وینکل)، 72-73
  37. ↑ نسخه دیگری در خانه آپسلی ، با ترکیبی متفاوت، اما با استفاده از اکثر اشیاء اخلاقی یکسان، توسط فرانیتس، 206-9 تحلیل شده است.
  38. ^ اسلایو، 123
  39. ↑ فوکس، 42 و اسلایو، 123
  40. ^ اسلایو، 123
  41. ^ فرانیتس، 1، از لباس و لباس در آثار کاراواگیستی اوترخت و تنظیمات معماری که به ویژه مستعد کنار گذاشتن تصویرسازی دقیق هستند، اشاره می‌کند.
  42. ^ فرانیتس، 4-6 بحث را خلاصه می کند، که برای آن اثر مهمی است که سوتلانا آلپرز ، هنر توصیف (1983) برای آن به شمار می رود (اگرچه به توضیح مختصر اسلایو در صفحه 344 مراجعه کنید). همچنین رجوع کنید به فرانیتز، 20-21 در مورد نقاشی هایی که توسط افراد معاصر به طور متفاوت درک می شوند، و او ص 24
  43. ↑ درباره نقد هنری دیدرو. میرا فریدمن، ص. 36 بایگانی شده در 21 ژوئیه 2011، در Wayback Machine
  44. ^ فوکس، 39-42، دو صحنه قابل مقایسه توسط استین و دو را تحلیل می‌کند و ص. 46.
  45. ↑ فوکس، ص 54، 44، 45.
  46. ^ اسلایو، 191
  47. ^ اسلایو، 1
  48. ↑ Schama در فصل 6 خود به طور مفصل کاوش کرده است. همچنین به تحلیل The Milkmaid (Vermeer) مراجعه کنید که توسط مورخان هنری مختلف برای هر سنت ادعا شده است.
  49. ↑ فرانیتس، ۱۸۰-۱۸۲، اگرچه به‌طور عجیبی به نظر می‌رسد که او احتمال ازدواج این زوج را نادیده می‌گیرد. متاهل یا غیر متاهل، شکارچی به وضوح امیدوار است که از هدیه پرندگان (جنگ زدن) خود بازگردد، اگرچه کفش و تفنگ باز روی زمین که به جهات مختلف اشاره می کند، نشان می دهد که ممکن است ناامید شده باشد. متسو چندین بار از سگ های مخالف استفاده کرد و احتمالاً این موتیف را اختراع کرده است که توسط هنرمندان ویکتوریایی کپی شده است. مجسمه کوپید بر صحنه است.
  50. ^ فرانیتس، 24-27
  51. ↑ فرانیتس، 34-43. احتمالاً اینها به منزله خانه هایی است که توسط نجیب زاده های کاتولیک که در جنگ هشتاد ساله به جنوب گریخته بودند، رها شده بودند. خود پرتره او را به همان اندازه غیرقابل قبول نشان می دهد که دقیقاً در چنین محیطی کار می کند.
  52. ^ فوکس، 80
  53. ↑ فرانیتس، 164-6.
  54. ↑ مک لارن، ۲۲۷
  55. ↑ فرانیتس، 152-6. شاما، 455-460 مشغول بحث عمومی با خدمتکاران، «خطرناک ترین زنان از همه» (ص. 455) است. همچنین رجوع کنید به فرانیتس، 118-119 و 166 در مورد بندگان.
  56. ^ اسلایو، 189 - مطالعه توسط H.-U. بک (1991)
  57. ↑ Slive، 190 (نقل قول)، 195-202
  58. ↑ برگرفته از آثار آلارت ون اوردینگن که بر خلاف رویسدیل، در سال 1644 از نروژ بازدید کرده بود. اسلایو، 203
  59. ^ ab Slive، 225
  60. ^ رامبراند صاحب هفت سگر بود. پس از آتش‌سوزی اخیر، اکنون تصور می‌شود که تنها 11 نفر زنده بمانند - تعداد بقایای رامبراند مشخص نیست.
  61. ^ اسلایو، 268-273
  62. ^ اسلایو، 273-6
  63. ^ اسلایو، 213-216
  64. ^ فرانیتس، 1
  65. ^ اسلایو، 213-224
  66. ^ اسلایو، 277
  67. ^ مک لارن، 79
  68. ^ اسلایو، 279-281. فوکس، 109
  69. ↑ Pronkstilleven بایگانی شده 02-02-2019 در ماشین راه برگشت در: واژه نامه هنر آکسفورد
  70. ↑ فوکس، 113-6
  71. ↑ تیرنی، هلن (1999). و تنها چند تن دیگر، به اسلایو، 128، 320-321 و فهرست، و شاما، 414 مراجعه کنید. زن هنرمند برجسته آن عصر جودیت لیستر بود. چاپ گرین وود. شابک 9780313296208. بایگانی شده از نسخه اصلی در 2021-01-12 . بازیابی شده در 2016-02-20 .
  72. ↑ فوکس، 111-112. Slive، 279-281، همچنین شکوفه های غیر فصلی و مکرر را پوشش می دهد.
  73. ^ اسلایو، 287-291
  74. ↑ رودگر ژوپین. "دیدگاه هلندی برزیل: یوهان موریتز و هنرمندانش"، در Johan Maurits van Nassau-Siegen، 1604-1679: یک شاهزاده انسانگرا در اروپا و برزیل ، ویرایش. ارنست ون دن بوگارت و همکاران. 297-376. لاهه: یوهان موریتز ون ناسائو استیچینگ، 1979.
  75. ↑ ون گروسن، اقیانوس اطلس آمستردام ، صص 171-72. موریتس با جانشین پرتغالی هلندی، نقاشی های کاخ وریجبورگ را به فردریک سوم دانمارکی داد.
  76. ↑ میشل ون گروسن، اقیانوس اطلس آمستردام: فرهنگ چاپ و ساخت برزیل هلندی . فیلادلفیا: انتشارات دانشگاه پنسیلوانیا 2017، صص 150-51.
  77. ^ اسلایو، 212
  78. ↑ Reitlinger، 11-15، 23-4، و passim ، و فهرست‌های مربوط به هنرمندان را ببینید
  79. ^ Reitlinger, 483-4, and passim را ببینید
  80. ^ اسلایو، 319
  81. ^ اسلایو، 191-2
  82. ↑ «تبلیغات» یا پیشگفتار جلد. 4 از ویرایش دوم حکایت های نقاشی در انگلستان ، بر اساس دفترچه های جورج ورتو ، صفحه نهم، 1782، J. Dodwell، لندن، آرشیو اینترنتی
  83. ↑ اسلایو، 144 (ورمیر)، 41-2 (هالز)، 173 (استین)
  84. ↑ Slive، 158-160 (نقل از سکه)، و فوکس، 147-8، که از عنوان Brothel Scene استفاده می کند . فرانیتس، 146-7، به نقل از آلیسون کترینگ، می‌گوید «ابهام عمدی» در مورد موضوع وجود دارد، و همچنان از عنوان پند پدرانه استفاده می‌کند .
  85. ^ رایتلینگر، اول، 11-15. نقل ص13

مراجع

در ادامه مطلب

لینک های خارجی

در ویکی‌انبار رسانه‌هایی مربوط به نقاشی‌های عصر طلایی هلندی موجود است .