نقاشی پرتره ژانری در نقاشی است که هدف آن نمایش یک موضوع خاص انسانی است. اصطلاح "نقاشی پرتره" همچنین می تواند پرتره واقعی نقاشی شده را توصیف کند. پرتره نویسان ممکن است آثار خود را به سفارش، برای افراد عمومی و خصوصی خلق کنند، یا ممکن است از تحسین یا علاقه به موضوع الهام گرفته شوند. پرتره ها اغلب به عنوان سوابق مهم ایالتی و خانوادگی و همچنین خاطره عمل می کنند.
از لحاظ تاریخی، نقاشی های پرتره در درجه اول به یاد افراد ثروتمند و قدرتمند بوده اند. با گذشت زمان، با گذشت زمان، سفارش دادن پرتره از خانواده و همکاران خود برای مشتریان طبقه متوسط رایج تر شد. امروزه نقاشی های پرتره هنوز توسط دولت ها، شرکت ها، گروه ها، باشگاه ها و افراد سفارش داده می شود. علاوه بر نقاشی، پرتره را می توان در رسانه های دیگر مانند چاپ (از جمله اچ و لیتوگرافی )، عکاسی ، ویدئو و رسانه های دیجیتال نیز ساخت .
امروزه ممکن است بدیهی به نظر برسد که یک پرتره نقاشی شده برای دستیابی به شباهتی از نشیمنگاه است که برای کسانی که آنها را دیده اند قابل تشخیص است و در حالت ایده آل یک رکورد بسیار خوب از ظاهر آنها است. در واقع این مفهوم به کندی رشد کرده است، و قرن ها طول کشید تا هنرمندان در سنت های مختلف مهارت های مشخصی را برای نقاشی یک شبیه خوب به دست آورند.
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sir_Anthony_Van_Dyck_-_Charles_I_(1600-49)_-_Google_Art_Project.jpg)
انتظار می رود پرتره ای که به خوبی اجرا شده باشد ، جوهر درونی سوژه (از دیدگاه هنرمند) یا نمایشی چاپلوس کننده را نشان دهد، نه فقط یک شباهت تحت اللفظی. همانطور که ارسطو می گوید: "هدف هنر این است که ظاهر اشیاء را ارائه ندهد، بلکه اهمیت درونی آنها را ارائه دهد؛ زیرا این، نه شیوه و جزئیات بیرونی، واقعیت واقعی را تشکیل می دهد." [1] هنرمندان ممکن است برای رئالیسم عکاسی یا شباهت امپرسیونیستی در به تصویر کشیدن سوژه خود تلاش کنند، اما این با کاریکاتورهایی که سعی در آشکار کردن شخصیت از طریق اغراق در ویژگی های فیزیکی دارد متفاوت است. هنرمند عموماً سعی می‌کند تصویری را به تصویر بکشد، همانطور که ادوارد برن جونز اظهار داشت: «تنها بیان مجاز در پرتره‌های بزرگ، بیان شخصیت و کیفیت اخلاقی است، نه چیزی موقتی، زودگذر یا تصادفی». [2]
در بیشتر موارد، این منجر به خیره شدن لب های بسته و جدی می شود و هر چیزی فراتر از یک لبخند خفیف در طول تاریخ بسیار نادر است. یا همانطور که چارلز دیکنز می گوید، "تنها دو سبک نقاشی پرتره وجود دارد: جدی و پوزخند". [3] حتی با توجه به این محدودیت‌ها، طیف کاملی از احساسات ظریف از تهدید آرام گرفته تا رضایت ملایم ممکن است. با این حال، با دهان نسبتاً خنثی، بیشتر حالت چهره باید از طریق چشم ها و ابروها ایجاد شود. همانطور که گوردون سی آیمار، نویسنده و هنرمند بیان می کند، "چشم ها جایی است که فرد به دنبال کامل ترین، قابل اعتمادترین و مرتبط ترین اطلاعات است" در مورد موضوع. و ابروها می توانند «تقریباً به تنهایی، شگفتی، ترحم، ترس، درد، بدبینی، تمرکز، غم، ناخشنودی، و انتظار را در تنوع و ترکیب بی نهایت ثبت کنند». [4]
نقاشی پرتره می تواند موضوع را به تصویر بکشد "تمام قد "(کل بدن)،"نیم قد (از سر تا کمر یا باسن )سر و شانه ها " ( سینه ) ، یا فقط سر. سر سوژه ممکن است از "تمام صورت " (نمای جلو) بهنمای نمایه (نمای جانبی); یک "نمای سه چهارم " ("نمای دو سوم") جایی در این بین است، از تقریباً جلو تا تقریباً نیم رخ (کسری مجموع نیمرخ [یک دوم صورت] به اضافه "چهارم صورت" طرف دیگر است. "؛ [5] به طور متناوب، 2 ⁄ 3 تعیین می شود، همچنین به این معنی است که این نمای جزئی بیش از نیمی از صورت است. گاهاً، هنرمندان کامپوزیت هایی با نماهایی از چندین جهت ایجاد کرده اند، مانند پرتره سه گانه آنتونی ون دایک از چارلز. من در سه موقعیت [ 6] حتی چند پرتره وجود دارد که جلوی سوژه به هیچ وجه قابل مشاهده نیست . برگشت به بیننده - با محیطی که او در آن قرار دارد برای انتقال تفسیر هنرمند ادغام می شود [7] .
در میان متغیرهای ممکن دیگر، سوژه می تواند لباس پوشیده یا برهنه باشد. در داخل یا خارج از خانه؛ ایستاده، نشسته، دراز کشیده؛ حتی سوار بر اسب نقاشی های پرتره می توانند افراد، زوج ها، والدین و فرزندان، خانواده ها یا گروه های دانشگاهی باشند. آنها را می توان در رسانه های مختلف از جمله روغن ، آبرنگ ، قلم و جوهر ، مداد ، زغال چوب ، پاستل ، و ترکیبی ایجاد کرد . هنرمندان ممکن است از طیف وسیعی از رنگ‌ها استفاده کنند، مانند خانم پیر آگوست رنوار . شارپنتیه و فرزندانش ، 1878 یا مانند پرتره جورج واشنگتن (1796) اثر گیلبرت استوارت ، عمدتاً خود را به سفیدپوستان یا سیاه پوست محدود می کنند.
گاهی اوقات، اندازه کلی پرتره یک نکته مهم است. پرتره‌های عظیم چاک کلوز که برای نمایش موزه‌ها ایجاد شده‌اند، با اکثر پرتره‌هایی که برای جا افتادن در خانه یا سفر آسان با مشتری طراحی شده‌اند، تفاوت زیادی دارد. اغلب، یک هنرمند محل آویزان شدن پرتره نهایی و رنگ ها و سبک دکوراسیون اطراف را در نظر می گیرد. [8]
ایجاد یک پرتره می تواند زمان قابل توجهی را صرف کند و معمولاً به چندین نشستن نیاز دارد. سزان، از یک سو، اصرار داشت که بیش از 100 نشست از موضوع خود داشته باشد. [9] گویا از سوی دیگر، نشستن یک روز طولانی را ترجیح می داد. [10] میانگین حدود چهار است. [11] پرتره نویسان گاهی اوقات نمونه کارهایی از نقاشی ها یا عکس ها را به پرستاران خود ارائه می دهند که از بین آنها یک ژست ترجیحی انتخاب می کند، همانطور که سر جاشوا رینولدز انجام داد . برخی مانند هانس هولبین جوان از صورت طراحی می کنند، سپس بقیه نقاشی را بدون نشیمن کامل می کنند. [12] در قرن 18، معمولاً حدود یک سال طول می‌کشد تا یک پرتره تکمیل‌شده به مشتری تحویل داده شود. [13]
مدیریت توقعات و خلق و خوی نقاش یکی از دغدغه های جدی هنرمند پرتره است. در مورد وفاداری پرتره به ظاهر نشسته، پرتره نویسان عموماً در رویکرد خود ثابت قدم هستند. مشتریانی که به دنبال سر جاشوا رینولدز بودند، می‌دانستند که نتیجه‌ی چاپلوس‌کننده‌ای دریافت خواهند کرد، در حالی که نشسته‌های توماس ایکینز می‌دانستند که انتظار یک پرتره واقع‌گرایانه و بی‌درد را دارند. برخی از موضوعات ترجیحات قوی را بیان می کنند، برخی دیگر به هنرمند اجازه می دهند کاملا تصمیم بگیرد. الیور کرامول به عنوان معروف درخواست کرد که پرتره‌اش «همه این زبری‌ها، جوش‌ها، زگیل‌ها و همه چیزهایی را که من می‌بینید نشان دهد، در غیر این صورت من هرگز برای آن پولی نخواهم پرداخت». [14]
هنرمند پس از آرامش دادن به نشیمنگاه و تشویق به ژست طبیعی، موضوع خود را مطالعه می‌کند و از میان بسیاری از احتمالات، به دنبال یک حالت چهره می‌گردد که مفهوم او را از ذات نشسته برآورده می‌کند. وضعیت بدن سوژه نیز به دقت در نظر گرفته شده است تا وضعیت عاطفی و جسمانی فرد نشسته، همانند لباس، آشکار شود. هنرمند ماهر برای درگیر نگه داشتن پرستار و با انگیزه، رفتار و گفتگوی دلپذیری را حفظ می کند. الیزابت ویگه-لبرون به هنرمندان دیگر توصیه کرد که برای جلب همکاری زنان در جلسه، تملق زنان و ظاهر آنها را تعریف کنند. [14]
نکته اصلی در اجرای موفق پرتره، تسلط بر آناتومی انسان است . چهره های انسان نامتقارن هستند و هنرمندان پرتره ماهر این را با تفاوت های ظریف چپ و راست بازتولید می کنند. هنرمندان برای ایجاد یک پرتره متقاعد کننده باید در مورد ساختار استخوان و بافت زیرین اطلاعات داشته باشند.
برای ترکیب‌بندی‌های پیچیده، هنرمند ممکن است ابتدا یک طرح کامل با مداد، جوهر، زغال چوب یا روغن انجام دهد که به‌ویژه در صورتی مفید است که زمان در دسترس نظاره‌گر محدود باشد. در غیر این صورت، شکل کلی و سپس یک شباهت خشن روی بوم با مداد، زغال چوب یا روغن نازک ترسیم می شود. در بسیاری از موارد ابتدا صورت و بقیه بعد تکمیل می شود. در استودیوهای بسیاری از هنرمندان بزرگ پرتره، استاد فقط سر و دست را انجام می‌داد، در حالی که لباس و پس‌زمینه توسط کارآموزان اصلی تکمیل می‌شد. حتی متخصصان بیرونی وجود داشتند که اقلام خاصی مانند پارچه و لباس را مدیریت می کردند، مانند جوزف ون آکن [15] برخی از هنرمندان در زمان های گذشته از چهره های غیر روحانی یا عروسک برای کمک به ایجاد و اجرای ژست و لباس استفاده می کردند. [16] استفاده از عناصر نمادین قرار داده شده در اطراف نشیمنگاه (شامل علائم، اشیاء خانگی، حیوانات و گیاهان) اغلب برای رمزگذاری نقاشی با ویژگی اخلاقی یا مذهبی موضوع، یا با نمادهایی که نشان دهنده شغل، علایق نشسته است، استفاده می شد. ، یا موقعیت اجتماعی پس‌زمینه می‌تواند کاملاً سیاه و بدون محتوا یا صحنه‌ای کامل باشد که نشسته را در محیط اجتماعی یا تفریحی خود قرار می‌دهد.
سلف پرتره ها معمولاً با کمک یک آینه تولید می شوند و نتیجه نهایی یک پرتره تصویری آینه ای است، معکوس چیزی است که در یک پرتره معمولی زمانی که نشسته و هنرمند در مقابل یکدیگر قرار می گیرند، رخ می دهد. در یک سلف پرتره، یک هنرمند راست دست به نظر می رسد که قلم مو را در دست چپ گرفته است، مگر اینکه هنرمند عمداً تصویر را تصحیح کند یا از یک آینه معکوس دوم در حین نقاشی استفاده کند.
گهگاه مشتری یا خانواده مشتری از پرتره به دست آمده ناراضی هستند و هنرمند موظف است که آن را دوباره لمس کند یا آن را دوباره انجام دهد یا بدون پرداخت هزینه از کمیسیون کنار بکشد و از تحقیر شکست رنج می برد. ژاک لوئیس دیوید پرتره مادام رکامیه را جشن گرفت ، که در نمایشگاه ها بسیار محبوب بود، و توسط نظاره گر رد شد، همانطور که جان سینگر سارجنت بدنام پرتره مادام ایکس را رد کرد . پرتره تمام قد جان ترامبول ، ژنرال جورج واشنگتن در ترنتون ، توسط کمیته ای که آن را سفارش داده بود رد شد. [17] گیلبرت استوارت خاردار معروف یک بار به نارضایتی مشتری از پرتره همسرش پاسخ داد: "شما برای من سیب زمینی آوردید و انتظار دارید یک هلو!" [18]
با این حال، یک پرتره موفق می تواند قدردانی مادام العمر مشتری را به دست آورد. کنت بالتازار آنقدر از پرتره ای که رافائل از همسرش خلق کرده بود خوشحال بود که به هنرمند گفت: "تصویر تو... به تنهایی می تواند نگرانی های من را کم کند. این تصویر لذت من است؛ من لبخندهایم را به سمت آن هدایت می کنم، این شادی من است." [19]
ریشه های پرتره به احتمال زیاد در دوران ماقبل تاریخ یافت می شود، اگرچه تعداد کمی از این آثار امروزه باقی مانده است. در هنر تمدن های باستانی هلال حاصلخیز ، به ویژه در مصر، تصویری از فرمانروایان و فرمانروایان به عنوان خدایان فراوان است. با این حال، بیشتر این کارها به شکلی بسیار شیک و بیشتر به صورت نیم رخ، معمولاً بر روی سنگ، فلز، خاک رس، گچ یا کریستال انجام می شد. پرتره مصری تاکید نسبتا کمی بر شباهت داشت، حداقل تا دوره آخناتون در قرن چهاردهم قبل از میلاد. نقاشی پرتره افراد برجسته در چین احتمالاً به بیش از 1000 سال قبل از میلاد برمی گردد، اگرچه هیچ کدام از آن دوران باقی نمانده اند. پرتره های چینی موجود به حدود سال 1000 بعد از میلاد برمی گردد، [20] اما تا مدتی پس از آن تاکید زیادی بر شباهت نداشتند.
از شواهد ادبی می دانیم که نقاشی یونان باستان شامل پرتره بود، اغلب بسیار دقیق اگر ستایش نویسندگان را باور کرد، اما هیچ نمونه نقاشی شده ای باقی نمانده است. سرهای حجاری شده از فرمانروایان و شخصیت های مشهوری مانند سقراط تا حدودی زنده مانده اند، و مانند نیم تنه های فردی فرمانروایان هلنیستی روی سکه ها، نشان می دهد که پرتره یونانی می تواند شبیه خوبی باشد، و موضوعات، حداقل از شخصیت های ادبی، با چاپلوسی نسبتا کمی به تصویر کشیده شده است. - پرتره های سقراط نشان می دهد که چرا او به زشت بودن شهرت داشت. جانشینان اسکندر مقدونی شروع به افزودن سر او (به عنوان یک شکل خدایی ) به سکه های خود کردند و به زودی از سکه های خود استفاده کردند.
پرتره رومی سنت‌های پرتره را از اتروسک‌ها و یونانی‌ها اقتباس کرد و سنت بسیار قوی‌ای را ایجاد کرد که به استفاده مذهبی آنها از پرتره‌های اجداد و همچنین سیاست روم مرتبط است. باز هم، معدود آثار نقاشی شده، در پرتره های فایوم ، مقبره آلین و سوران توندو ، همه از مصر تحت حاکمیت روم، محصولات استانی هستند که منعکس کننده سبک یونانی به جای رومی هستند، اما ما تعداد زیادی سرهای حجاری شده، از جمله بسیاری از آنها داریم. پرتره های فردی از مقبره های طبقه متوسط و هزاران نوع پرتره سکه ای.
بزرگ ترین گروه پرتره های نقاشی شده، نقاشی های تشییع جنازه ای هستند که در آب و هوای خشک ناحیه فیوم مصر باقی مانده اند (به تصویر زیر مراجعه کنید)، متعلق به قرن دوم تا چهارم پس از میلاد. اینها تقریباً تنها نقاشی‌های دوره رومی هستند که به‌جز نقاشی‌های دیواری باقی مانده‌اند، اگرچه از نوشته‌های پلینی بزرگ می‌دانیم که نقاشی پرتره در زمان یونان به خوبی تثبیت شده بود و توسط هنرمندان مرد و زن انجام می‌شد. [21] در زمان خود، پلینی از وضعیت رو به زوال هنر پرتره رومی شکایت کرد، "نقاشی پرتره هایی که در طول اعصار شباهت های دقیق مردم را منتقل می کردند، به طور کامل از بین رفته اند... سستی هنرها را نابود کرده است." [22] [23] این پرتره های تمام صورت از مصر رومی استثناهای خوش شانسی هستند. آنها یک حس واقعی نسبت و جزئیات فردی را ارائه می دهند (اگرچه چشم ها عموماً بزرگ هستند و مهارت هنری به طور قابل توجهی از هنرمندی به هنرمند دیگر متفاوت است). پرتره‌های فیوم روی چوب یا عاج به رنگ‌های مومی و رزینی (انکوستیک) یا با تمپر نقاشی می‌شدند و در پوشش مومیایی قرار می‌گرفتند تا تا ابد با بدن باقی بمانند.
در حالی که نقاشی پرتره ایستاده در رم کاهش یافت، هنر پرتره در مجسمه‌های رومی شکوفا شد، جایی که نشسته‌ها خواستار واقع‌گرایی بودند، حتی اگر جذاب نباشد. در طول قرن چهارم، پرتره حجاری شده با عقب نشینی به نفع نماد ایده آلی از ظاهر آن شخص غالب بود. (مقایسه کنید پرتره های امپراتوران روم کنستانتین اول و تئودوسیوس اول ) در دوره باستانی متاخر، علاقه به یک شباهت فردی به میزان قابل توجهی کاهش یافت، و بیشتر پرتره های سکه های رومی متاخر و دوپیچ های کنسولی به سختی فردی هستند، اگرچه در عین حال مسیحیت اولیه هنر در حال تکامل تصاویر نسبتاً استاندارد شده برای تصویر عیسی و دیگر چهره‌های اصلی هنر مسیحی، مانند جان باپتیست و سنت پیتر بود .
بیشتر پرتره های اوایل قرون وسطی پرتره های اهدایی بودند ، در ابتدا بیشتر از پاپ ها در موزاییک های رومی ، و نسخه های خطی تذهیب شده ، نمونه ای از خودنگاره نویسنده، عارف، دانشمند، تذهیب، و موسیقیدان هیلدگارد از بینگن (1152). [24] مانند سکه های معاصر، تلاش کمی برای شبیه سازی صورت گرفت. بناهای مقبره سنگی در دوره رومانسک گسترش یافت . بین سال‌های 1350 و 1400، چهره‌های سکولار دوباره در نقاشی‌های دیواری و تابلوهای تابلو ظاهر شدند ، مانند چارلز چهارم استاد تئودوریک ، [25] و پرتره‌ها بار دیگر به شباهت‌های آشکار تبدیل شدند.
در حوالی پایان قرن، اولین پرتره‌های رنگ روغن افراد معاصر، که بر روی صفحات چوبی کوچک نقاشی شده‌اند، در بورگوندی و فرانسه، ابتدا به‌عنوان پروفیل و سپس در نماهای دیگر ظاهر شدند. دیپتیخ ویلتون از حدود. 1400 یکی از دو پرتره تابلویی بازمانده از ریچارد دوم انگلستان ، اولین پادشاه انگلیسی است که نمونه‌های معاصری برای او داریم.
در پایان قرون وسطی در قرن پانزدهم، نقاشی هلندی اولیه کلید توسعه پرتره فردی بود. استادان شامل یان ون ایک ، رابرت کامپین و روژیر ون در ویدن و دیگران بودند. پرتره‌های نسبتاً کوچک تابلوهای نقاشی ، کمتر از نصف اندازه واقعی، نه تنها از چهره‌های دربار، بلکه از لباس‌های نسبتاً ساده آنها به مردمان شهر ثروتمند به نظر می‌رسد. مینیاتورهای موجود در نسخه‌های خطی تذهیب‌شده نیز شامل پرتره‌های شخصی‌شده، معمولاً از کمیسر بود. در نقاشی‌های مذهبی، پرتره‌های اهداکنندگان به صورت حاضر نشان داده می‌شوند یا در صحنه‌های مقدس اصلی نشان داده می‌شوند، و در تصاویر خصوصی‌تر دربار، افراد حتی به‌عنوان شخصیت‌های مهمی مانند مریم باکره ظاهر می‌شوند .
اگر شاعر می‌گوید که می‌توانم مردان را با عشق برانگیزم...
نقاش نیز قدرت انجام همین کار را دارد...
به این ترتیب که می‌تواند در مقابل معشوق،
شبیه واقعی کسی را که معشوق است قرار دهد و
اغلب او را وادار به بوسیدن و صحبت کردن با او کند.
لئوناردو داوینچی [26]
Ginevra de' Benci اثر لئوناردو ( حدود 8-1474 ) یکی از اولین پرتره های سه ربع نمای شناخته شده در هنر ایتالیایی است. [26]
تا حدودی به دلیل علاقه به دنیای طبیعی و تا حدودی به دلیل علاقه به فرهنگ های کلاسیک یونان و روم باستان، پرتره ها - اعم از نقاشی و مجسمه سازی - نقش مهمی در جامعه رنسانس داده شده و به عنوان اشیا و به عنوان تصویری از موفقیت های زمینی و به عنوان تصویری از موفقیت های زمینی ارزش گذاری شده اند. وضعیت نقاشی به طور کلی به سطح جدیدی از تعادل، هماهنگی و بینش رسید و بزرگترین هنرمندان (لئوناردو، میکل آنژ و رافائل) "نابغه" به حساب می آمدند، که بسیار بالاتر از جایگاه تاجر تا خادمان ارزشمند دربار و کلیسا بودند. [27]
بسیاری از نوآوری ها در اشکال مختلف پرتره در این دوره حاصلخیز تکامل یافته است. سنت مینیاتور پرتره آغاز شد که تا عصر عکاسی رایج بود و از مهارت‌های نقاشان مینیاتور در نسخه‌های خطی منور شکل گرفت .
پرتره‌های نمایه، با الهام از مدال‌های باستانی، بین سال‌های 1450 و 1500 در ایتالیا محبوبیت خاصی داشتند. مدال‌ها، با تصاویر دو طرفه‌شان، همچنین الهام‌بخش سبکی کوتاه مدت برای نقاشی‌های دو طرفه در اوایل رنسانس بودند. [28] مجسمه‌سازی کلاسیک، مانند آپولو بلودِر ، همچنین بر انتخاب ژست‌هایی که توسط پرتره‌نگاران رنسانس استفاده می‌شد، تأثیر گذاشت، ژست‌هایی که در طول قرن‌ها به استفاده ادامه داده‌اند. [29]
هنرمندان اروپای شمالی در پرتره های واقع گرایانه از موضوعات سکولار پیشتاز بودند. واقع گرایی و جزئیات بیشتر هنرمندان شمالی در طول قرن 15 تا حدی به دلیل ضربات قلم مو و جلوه های ظریفی بود که با رنگ روغن ممکن بود ، در حالی که نقاشان ایتالیایی و اسپانیایی هنوز از تمپر استفاده می کردند . یکی از اولین نقاشانی که تکنیک روغن را توسعه داد، یان ون ایک بود . رنگ‌های روغنی می‌توانند بافت و درجه‌های ضخامت بیشتری تولید کنند و می‌توانند با افزودن لایه‌های ضخیم‌تر بر روی یکدیگر (که توسط نقاشان به عنوان «چربی بیش از لاغر» شناخته می‌شود، به طور مؤثرتری لایه‌بندی شوند. همچنین، رنگ‌های روغن آهسته‌تر خشک می‌شوند و به هنرمند اجازه می‌دهند تا به راحتی تغییراتی مانند تغییر جزئیات صورت را ایجاد کند. آنتونلو دا مسینا یکی از اولین ایتالیایی‌هایی بود که از نفت استفاده کرد. او که در بلژیک آموزش دید، در حدود سال 1475 در ونیز اقامت گزید و تأثیر عمده ای بر جیووانی بلینی و مکتب ایتالیای شمالی داشت. [30] در طول قرن شانزدهم، نفت به عنوان یک وسیله در سراسر اروپا محبوبیت پیدا کرد و امکان ارائه‌های مجلل‌تر از لباس‌ها و جواهرات را فراهم کرد. همچنین تغییر از چوب به بوم بر کیفیت تصاویر تأثیرگذار بود که در اوایل قرن شانزدهم از ایتالیا شروع شد و در قرن بعد به اروپای شمالی گسترش یافت. بوم بهتر از چوب در برابر ترک خوردن مقاومت می کند، رنگدانه ها را بهتر نگه می دارد و به آماده سازی کمتری نیاز دارد – اما در ابتدا بسیار کمیاب تر از چوب بود.
در اوایل، اروپایی‌های شمالی این نمایه را کنار گذاشتند و شروع به تولید پرتره‌هایی با حجم و چشم‌انداز واقعی کردند. در هلند، یان ون ایک یک چهره پرداز برجسته بود. ازدواج آرنولفینی (1434، گالری ملی ، لندن) نقطه عطفی از هنر غربی، نمونه اولیه پرتره تمام قد زوج است که به طرز فوق العاده ای با رنگ های غنی و جزئیات بدیع نقاشی شده است. اما به همان اندازه مهم، تکنیک تازه توسعه یافته نقاشی رنگ روغن را به نمایش می گذارد که توسط ون ایک پیشگام بود، که هنر را متحول کرد و در سراسر اروپا گسترش یافت. [31]
هنرمندان برجسته پرتره آلمانی از جمله لوکاس کراناخ ، آلبرشت دورر ، و هانس هولبین جوان که همگی به تکنیک نقاشی رنگ روغن تسلط داشتند. کراناچ یکی از اولین هنرمندانی بود که سفارشات تمام قد را در اندازه واقعی نقاشی کرد، سنتی که از آن زمان به بعد رایج بود. [32] در آن زمان، انگلستان هیچ نقاش پرتره درجه اول نداشت و هنرمندانی مانند هلبین مورد تقاضای حامیان انگلیسی بودند. [33] نقاشی او از سر توماس مور (1527)، اولین حامی مهم او در انگلستان، تقریباً رئالیسم یک عکس است. [34] هالبین با نقاشی خانواده سلطنتی، از جمله هنری هشتم ، موفقیت بزرگ خود را به دست آورد . دورر یک نقشه‌کش برجسته و یکی از اولین هنرمندان بزرگی بود که مجموعه‌ای از پرتره‌های سلفی، از جمله نقاشی تمام‌صورت را ساخت. او همچنین چهره خود را (به عنوان یک بیننده) در چندین نقاشی مذهبی خود قرار داد. [35] دورر از سیزده سالگی شروع به ساختن خودنگاره کرد. [36] بعدها، رامبراند آن سنت را تقویت کرد.
در ایتالیا، ماساچیو با اتخاذ دیدگاهی واقع گرایانه تر، راه را در مدرن سازی نقاشی های دیواری رهبری کرد. فیلیپو لیپی راه را برای توسعه خطوط تیزتر و خطوط سینوسی هموار کرد [37] و شاگرد او رافائل رئالیسم را در ایتالیا در دهه های بعد با نقاشی های دیواری به یاد ماندنی خود به سطح بسیار بالاتری رساند. [38] در این زمان، پرتره نامزدی محبوب شد، یک تخصص خاص لورنزو لوتو . [39] در اوایل رنسانس، نقاشی‌های پرتره عموماً کوچک بودند و گاهی اوقات با درپوش‌های محافظ، لولایی یا کشویی پوشیده می‌شدند. [40]
در دوران رنسانس، اشراف فلورانسی و میلانی، به ویژه، خواهان بازنمایی واقعی تری از خود بودند. چالش ایجاد نماهای کامل و سه چهارم قانع کننده، آزمایش و نوآوری را تحریک کرد. ساندرو بوتیچلی ، پیرو دلا فرانچسکا ، دومنیکو گیرلاندایو ، لورنزو دی کردی ، و لئوناردو داوینچی و دیگر هنرمندان تکنیک خود را بر این اساس گسترش دادند و پرتره را به موضوعات سنتی مذهبی و کلاسیک اضافه کردند. لئوناردو و پیسانلو از جمله اولین هنرمندان ایتالیایی بودند که نمادهای تمثیلی را به پرتره های سکولار خود اضافه کردند. [38]
یکی از شناخته شده ترین پرتره ها در دنیای غرب، نقاشی لئوناردو داوینچی با عنوان مونالیزا است که به نام لیزا دل جوکوندو ، [41] [42] [43] یکی از اعضای خانواده گراردینی فلورانس و توسکانی و همسر فرانچسکو دل جوکوندو تاجر ابریشم ثروتمند فلورانسی. لبخند معروف "مونالیزا" نمونه ای عالی از اعمال عدم تقارن ظریف در صورت است. لئوناردو در یادداشت های خود در مورد ویژگی های نور در نقاشی پرتره توصیه می کند:
درجات بسیار بالایی از لطف در نور و سایه به چهره کسانی که در درهای اتاق های تاریک می نشینند اضافه می شود، جایی که چشم ناظر قسمت سایه دار صورت را می بیند که سایه های اتاق مبهم است. و قسمت روشن صورت را با درخشندگی بیشتری که هوا به آن می بخشد ببین. از طریق این افزایش سایه ها و نورها، تسکین بیشتری به چهره داده می شود. [44]
لئوناردو شاگرد Verrocchio بود . پس از عضویت در انجمن نقاشان، شروع به پذیرش کمیسیون های مستقل کرد. با توجه به علایق گسترده او و مطابق با ذهن علمی او، خروجی طراحی و مطالعات مقدماتی او بسیار زیاد است، اگرچه خروجی هنری نهایی او نسبتاً کم است. پرتره های به یاد ماندنی دیگر او شامل پرتره های زنان نجیب ژینورا دی بنچی و سسیلیا گالرانی بود . [45]
تعداد پرتره های سفارشی رافائل بسیار بیشتر از لئوناردو است و تنوع بیشتری از ژست ها، نورپردازی ها و تکنیک ها را به نمایش می گذارند. دستاورد بزرگ رافائل به جای ایجاد نوآوری های انقلابی، تقویت و اصلاح جریان های در حال تکامل هنر رنسانس بود. [46] او به ویژه در پرتره گروهی متخصص بود. شاهکار او «مدرسه آتن» یکی از برجسته‌ترین نقاشی‌های دیواری گروهی است که شامل شباهت‌هایی از لئوناردو، میکل آنژ، برامانته و خود رافائل، در کسوت فیلسوفان باستانی است. [47] این اولین پرتره گروهی از هنرمندان نبود. چند دهه قبل، پائولو اوچلو پرتره گروهی از جمله جوتو ، دوناتلو ، آنتونیو مانتی و برونلسکی را نقاشی کرده بود . [35] همانطور که رافائل به شهرت رسید، پرتره نویس مورد علاقه پاپ ها شد. در حالی که بسیاری از هنرمندان رنسانس مشتاقانه سفارشات پرتره را می پذیرفتند، تعدادی از هنرمندان از آنها امتناع کردند، به ویژه رقیب رافائل، میکل آنژ ، که در عوض سفارشات عظیم کلیسای سیستین را بر عهده گرفت . [38]
در حدود سال 1500 در ونیز، جنتیله بلینی و جیوانی بلینی بر نقاشی پرتره غالب بودند. آنها بالاترین کمیسیون ها را از مقامات برجسته ایالت دریافت کردند. پرتره بلینی از دوج لوردان یکی از بهترین پرتره های دوره رنسانس به حساب می آید و مهارت هنرمند را بر تکنیک های تازه وارد نقاشی رنگ روغن نشان می دهد. [48] بلینی همچنین یکی از اولین هنرمندانی در اروپا است که آثار آنها را امضا کرد، اگرچه به ندرت با آنها قدمت می گذاشت. [49] بعداً در قرن شانزدهم، تیتیان تقریباً همان نقش را بر عهده گرفت، به ویژه با گسترش تنوع ژست‌ها و نشستن رعایای سلطنتی‌اش. تیتیان شاید اولین پرتره کودک بزرگ بود. [50] پس از تیتیان، تینتورتو و ورونز هنرمندان برجسته ونیزی شدند و به انتقال به شیوه‌گرایی ایتالیایی کمک کردند . مانیریست ها پرتره های استثنایی بسیاری ارائه کردند که بر غنای مادی و ژست های ظریف و پیچیده تأکید داشتند، مانند آثار آگنولو برونزینو و یاکوپو دا پونتورمو . برونزینو با به تصویر کشیدن خانواده مدیچی به شهرت رسید . پرتره جسورانه او از کوزیمو اول مدیچی ، فرمانروای سخت‌گیر را در زره پوش با چشمی محتاط که به سمت راست او خیره شده است، نشان می‌دهد، برخلاف بیشتر نقاشی‌های سلطنتی که نشسته‌های خود را به‌عنوان حاکمانی خوش‌خلق نشان می‌دهند. [51] ال گرکو ، که دوازده سال در ونیز آموزش دید، پس از ورودش به اسپانیا، در جهت افراطی‌تری پیش رفت و بر «دیدگاه درونی» خود نسبت به نشسته تا حدی تأکید کرد که واقعیت ظاهر فیزیکی را کمرنگ کند. [52] یکی از بهترین پرتره‌نگاران قرن 16 ایتالیا، سوفونیسبا آنگویسولا از کرمونا بود، که پرتره‌های فردی و گروهی خود را با سطوح جدیدی از پیچیدگی القا کرد.
پرتره درباری در فرانسه زمانی آغاز شد که هنرمند فلاندری ژان کلوئه شباهت مجلل خود از فرانسیس اول فرانسه را در حدود سال 1525 نقاشی کرد . سال. مونالیزا پس از مرگ لئوناردو در فرانسه ماند. [53]
_van_het_Amsterdamse_lakenbereidersgilde_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Rembrandt_-_De_Staalmeesters-_het_college_van_staalmeesters_(waardijns)_van_het_Amsterdamse_lakenbereidersgilde_-_Google_Art_Project.jpg)
در طول دوره های باروک و روکوکو (به ترتیب قرن هفدهم و هجدهم)، پرتره ها به رکوردهای مهم تری از وضعیت و موقعیت تبدیل شدند. در جامعه‌ای که به طور فزاینده‌ای تحت سلطه رهبران سکولار در دادگاه‌های قدرتمند بود، تصاویر چهره‌های مجلل و مجلل وسیله‌ای برای تأیید اقتدار افراد مهم بود. نقاشان فلاندری سر آنتونی ون دایک و پیتر پل روبنس در این نوع پرتره عالی بودند، در حالی که یان ورمیر در محل کار و بازی در داخل خانه پرتره هایی را بیشتر از طبقه متوسط تولید می کرد. پرتره روبنس از خود و همسر اولش (1609) در لباس عروسی آنها نمونه ای عالی از پرتره زوج است. [55]
شهرت روبنس فراتر از هنر او بود - او یک دربار، دیپلمات، مجموعه دار آثار هنری و تاجر موفق بود. استودیوی او یکی از گسترده‌ترین استودیوهای آن زمان بود که علاوه بر پرتره، متخصصانی را در صحنه‌های طبیعت بی‌جان، منظره، حیوانات و ژانر به کار می‌گرفت. ون دایک به مدت دو سال در آنجا تمرین کرد. [56] چارلز اول انگلستان ابتدا روبنس را استخدام کرد، سپس ون دایک را به عنوان نقاش دربار خود وارد کرد و به او لقب شوالیه داد و به او موقعیت درباری اعطا کرد. ون دایک نه تنها روش‌های تولید و مهارت‌های تجاری روبنز را اقتباس کرد، بلکه رفتار و ظاهر ظریف او را نیز به کار گرفت. همانطور که ثبت شده است، "او همیشه لباس های باشکوهی می پوشید، تجهیزات متعدد و شجاعانه ای داشت، و میز نجیبانه ای در آپارتمان خود نگه می داشت، که تعداد کمی از شاهزاده ها بیشتر مورد بازدید قرار نمی گرفتند، یا بهتر است خدمت کنند." [57] در فرانسه، هیاسنت ریگو تقریباً به همان شیوه، به عنوان یک وقایع نگار برجسته سلطنت، تسلط داشت و پرتره های پنج پادشاه فرانسوی را می کشید. [58]
یکی از ابداعات هنر رنسانس، ارائه بهبود یافته حالات چهره برای همراهی با احساسات مختلف بود. به ویژه، نقاش هلندی ، رامبراند، بسیاری از حالات چهره انسان را بررسی کرد، به ویژه به عنوان یکی از بهترین خودنگارگران (که بیش از 60 مورد از آنها را در طول زندگی خود نقاشی کرد). [59] این علاقه به چهره انسان همچنین باعث ایجاد اولین کاریکاتورها شد، که به Accademia degli Incamminati ، توسط نقاشان خانواده کاراچی در اواخر قرن شانزدهم در بولونیا، ایتالیا اجرا شد.
پرتره‌های گروهی در دوره باروک، به‌ویژه در هلند، در تعداد زیادی تولید شدند. برخلاف بقیه اروپا، هنرمندان هلندی هیچ سفارشی از کلیسای کالوینیست که چنین تصاویری را ممنوع کرده بود یا از اشراف که تقریباً وجود نداشت، دریافت نکردند. در عوض، کمیسیون‌ها از انجمن‌های مدنی و تجاری دریافت می‌شد. فرانس هالز، نقاش هلندی، برای زنده کردن پرتره‌های گروهی خود، از جمله عکس‌های گارد مدنی که به آن تعلق داشت، از قلم موها با رنگ‌های زنده استفاده کرد. رامبراند از چنین سفارش‌هایی و از قدردانی عمومی از هنر توسط مشتریان بورژوا، که از پرتره و همچنین نقاشی طبیعت بی‌جان و مناظر حمایت می‌کردند، بسیار سود برد. علاوه بر این، اولین بازارهای مهم هنری و دلال در آن زمان در هلند رونق گرفت. [60]
رامبراند با تقاضای فراوان توانست ترکیب و تکنیک غیرمتعارفی مانند کیاروسکورو را آزمایش کند . او این نوآوری‌ها را که توسط استادان ایتالیایی مانند کاراواجو پیشگام بود ، به‌ویژه در دیده‌بان شب معروف خود (1642) به نمایش گذاشت. [61] درس آناتومی دکتر تولپ (1632) نمونه بارز دیگری از تسلط رامبراند در نقاشی گروهی است که در آن او جسد را در نور روشن غسل می دهد تا توجه را به مرکز نقاشی جلب کند در حالی که لباس و پس زمینه در هم ادغام می شوند. سیاه، چهره جراح و دانش آموزان را برجسته می کند. همچنین این اولین تابلویی است که رامبراند با نام کامل خود امضا کرد. [62]
در اسپانیا، دیگو ولاسکز Las Meninas (1656)، یکی از مشهورترین و مرموزترین پرتره های گروهی تمام دوران را نقاشی کرد . این یادبود هنرمند و فرزندان خانواده سلطنتی اسپانیا است و ظاهراً نشسته‌ها زوج سلطنتی هستند که فقط به عنوان بازتابی در آینه دیده می‌شوند. [63] ولاسکوز که عمدتاً به عنوان یک نقاش ژانر شروع به کار کرد، به سرعت به عنوان نقاش درباری فیلیپ چهارم به شهرت رسید و در هنر پرتره، به ویژه در گسترش پیچیدگی پرتره های گروهی، سرآمد شد. [64]
هنرمندان روکوکو که به ویژه به تزئینات غنی و پیچیده علاقه مند بودند، استادان پرتره های ظریف بودند. توجه آنها به جزئیات لباس و بافت، کارایی پرتره‌ها را به‌عنوان گواهی بر ثروت دنیوی افزایش داد، همانطور که پرتره‌های معروف فرانسوا بوچر از مادام دو پومپادور با لباس‌های ابریشمی برافراشته نشان می‌دهد.
اولین نقاشان اصلی بومی پرتره مکتب بریتانیا نقاشان انگلیسی توماس گینزبورو و سر جاشوا رینولدز بودند که در پوشیدن موضوعات خود به شیوه ای چشم نواز نیز تخصص داشتند. پسر آبی گینزبورو یکی از مشهورترین و شناخته‌شده‌ترین پرتره‌های تمام دوران است که با قلم‌های بسیار بلند و رنگ روغن نازک برای دستیابی به جلوه درخشان لباس آبی نقاشی شده است. [66] گینزبورو همچنین به دلیل تنظیمات پس زمینه استادانه اش برای سوژه هایش مورد توجه قرار گرفت.
این دو هنرمند بریتانیایی در مورد استفاده از دستیارها نظرات متضادی داشتند. رینولدز آنها را به طور منظم به کار می گرفت (گاهی اوقات فقط 20 درصد از نقاشی را خودش انجام می داد) در حالی که گینزبورو به ندرت این کار را می کرد. [67] گاهی مشتری تعهدی را از هنرمند می گرفت، همانطور که سر ریچارد نیودگیت از پرتره نگار پیتر للی (جانشین ون دایک در انگلستان) که قول داد این پرتره "از ابتدا تا انتها با دستان من کشیده شود. " [68] برخلاف دقتی که استادان فلاندرز به کار می بردند، رینولدز رویکرد خود به پرتره را با بیان این جمله خلاصه کرد که «لطف، و، ممکن است اضافه کنیم، تشبیه، بیشتر در گرفتن هوای عمومی است تا مشاهده تشبیه دقیق. از هر ویژگی." [69] همچنین ویلیام هوگارث در انگلستان برجسته بود ، که جرأت کرد روش‌های مرسوم را با وارد کردن طنز در پرتره‌هایش کنار بگذارد. "خود پرتره با پاگ" او به وضوح بیشتر برداشتی طنز از حیوان خانگی اش است تا یک نقاشی خودپسندانه. [70]
در قرن هجدهم، نقاشان زن اهمیت جدیدی به ویژه در زمینه پرتره پیدا کردند. هنرمندان برجسته زن عبارتند از نقاش فرانسوی الیزابت ویژ-لبرون ، هنرمند پاستل ایتالیایی روزالبا کریرا و هنرمند سوئیسی آنجلیکا کافمن . همچنین در طول آن قرن، قبل از اختراع عکاسی، پرتره‌های مینیاتوری – که با دقت باورنکردنی نقاشی می‌شدند و اغلب با طلا یا قفسه‌های میناکاری‌شده محصور می‌شدند – بسیار ارزشمند بودند.
در ایالات متحده، جان سینگلتون کاپلی ، که به شیوه‌ای ظریف انگلیسی آموزش دیده بود، با عکس‌های فراواقع‌گرایانه‌اش از ساموئل آدامز و پل ریور ، به نقاش برجسته پرتره‌های تمام اندازه و مینیاتور تبدیل شد . کپلی همچنین به دلیل تلاش‌هایش برای ادغام پرتره با هنر آکادمیک‌تر نقاشی تاریخ که با پرتره‌های گروهی خود از مردان نظامی مشهور تلاش کرد، قابل توجه است. [71] به همان اندازه گیلبرت استوارت معروف بود که بیش از 1000 پرتره کشید و به ویژه برای پرتره ریاست جمهوری خود شهرت داشت. استوارت بیش از 100 کپی از جورج واشنگتن را به تنهایی نقاشی کرد. [72] استوارت به سرعت کار کرد و از ضربات قلم مو نرم تر و با جزئیات کمتر نسبت به کپلی برای به تصویر کشیدن ماهیت سوژه هایش استفاده کرد. گاهی اوقات او چندین نسخه را برای یک مشتری درست می کرد و به پرستار اجازه می داد مورد علاقه خود را انتخاب کند. [73] استوارت که به خاطر رنگ گونه‌های گلگونش اشاره کرد، نوشت: "گوشت مانند هیچ ماده دیگری در زیر بهشت نیست. تمام شادی مغازه ابریشم‌فروش را بدون براقیت و لطافت چوب ماهون قدیمی بدون آن دارد. غم." [74] دیگر پرتره نگاران برجسته آمریکایی در دوران استعمار ، جان اسمیبرت ، توماس سالی ، رالف ارل ، جان ترامبول ، بنجامین وست ، رابرت فک ، جیمز پیل ، چارلز ویلسون پیل و رامبراند پیل بودند .
در اواخر قرن 18 و اوایل قرن 19، هنرمندان نئوکلاسیک به سنت به تصویر کشیدن موضوعات در جدیدترین مدها ادامه دادند، که در آن زمان برای زنان به معنای لباس های دیافانوس برگرفته از سبک های لباس یونان و روم باستان بود. هنرمندان از نور هدایت شده برای تعریف بافت و گردی ساده صورت و اندام استفاده کردند. نقاشان فرانسوی ژاک لوئیس دیوید و ژان آگوست دومینیک انگر در این تکنیک شبیه به نقشه کش مهارت و همچنین چشم تیزبین به شخصیت را نشان دادند. انگرس، شاگرد دیوید، به خاطر پرتره هایش که در آن آینه ای در پشت سوژه نقاشی می شود تا نمای عقب سوژه را شبیه سازی کند، قابل توجه است. [75] پرتره او از ناپلئون بر تاج و تخت امپراتوری خود یک تور دو نیروی پرتره سلطنتی است. (به گالری زیر مراجعه کنید)
هنرمندان رمانتیکی که در نیمه اول قرن نوزدهم کار می‌کردند، پرتره‌هایی از رهبران الهام‌بخش، زنان زیبا، و سوژه‌های آشفته را با استفاده از ضربه‌های قلم موی پر جنب و جوش و نورپردازی دراماتیک، گاهی اوقات بد خلق، کشیدند. هنرمندان فرانسوی اوژن دلاکروا و تئودور ژریکو پرتره‌های بسیار خوبی از این نوع نقاشی کردند، به‌ویژه سوارکاران شجاع. [76] یکی از نمونه های برجسته هنرمند دوره رمانتیک در لهستان ، که پرتره سوارکار را تمرین می کرد، پیوتر میچالوفسکی (1800-1855) بود. همچنین مجموعه پرتره های ژریکو از بیماران روانی (1822-1824) قابل توجه است. نقاش اسپانیایی فرانسیسکو دی گویا برخی از جستجوگرترین و تحریک‌کننده‌ترین تصاویر آن دوره، از جمله La maja desnuda (حدود 1797-1800)، و همچنین پرتره‌های معروف دربار چارلز چهارم را به تصویر کشید .
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Thomas_Eakins,_American_-_Portrait_of_Dr._Samuel_D._Gross_(The_Gross_Clinic)_-_Google_Art_Project.jpg)
هنرمندان رئالیست قرن نوزدهم، مانند گوستاو کوربه ، پرتره هایی عینی خلق کردند که افراد طبقه پایین و متوسط را به تصویر می کشیدند. کوربه برای نشان دادن رمانتیسم خود، چندین سلف پرتره کشید که خود را در حالات و حالات مختلف نشان می داد. [77] دیگر رئالیست های فرانسوی عبارتند از Honoré Daumier که کاریکاتورهای زیادی از معاصران خود تولید کرد. هانری دو تولوز لوترک برخی از بازیگران مشهور تئاتر از جمله جین آوریل را شرح داد و آنها را در حال حرکت اسیر کرد. [78] نقاش فرانسوی ادوارد مانه ، یک هنرمند مهم در حال گذار بود که آثارش بین رئالیسم و امپرسیونیسم معلق است . او یک پرتره با بینش و تکنیک برجسته بود و نقاشی او از استفان مالارمه نمونه خوبی از سبک انتقالی او بود. ادگار دگاس معاصر او در درجه اول یک رئالیست بود و نقاشی او پرتره خانواده بللی تصویری روشنگر از خانواده ای ناراضی و یکی از بهترین پرتره های اوست. [79]
در آمریکا، توماس ایکینز به عنوان نقاش پرتره برتر سلطنت کرد و رئالیسم را به سطح جدیدی از صراحت برد، به ویژه با دو پرتره او از جراحان در حال کار، و همچنین ورزشکاران و موسیقیدانان در حال کار. در بسیاری از پرتره ها، مانند "پرتره خانم ادیت ماهون"، ایکینز با جسارت احساسات ناخوشایند غم و اندوه و مالیخولیا را منتقل می کند. [80]
رئالیست ها عمدتاً در دهه 1870 جای خود را به امپرسیونیست ها دادند. تا حدی به دلیل درآمد ناچیز خود، بسیاری از امپرسیونیست ها به خانواده و دوستان خود برای الگوبرداری از آنها متکی بودند و گروه های صمیمی و چهره های مجرد را چه در فضای باز و چه در فضای داخلی پر از نور نقاشی می کردند. پرتره‌های امپرسیونیستی که به خاطر سطوح درخشان و رنگ‌های غنی‌شان مورد توجه قرار می‌گیرند، اغلب به‌طور خلع سلاحی صمیمی و جذاب هستند. نقاشان فرانسوی کلود مونه و پیر آگوست رنوار برخی از محبوب‌ترین تصاویر را از افراد و گروه‌ها خلق کردند. هنرمند آمریکایی مری کاسات ، که در فرانسه آموزش دیده و کار کرده است، حتی امروزه به خاطر نقاشی های جذابش از مادران و کودکان، مانند رنوار، محبوب است. [81] پل گوگن و ونسان ون گوگ ، هر دو پست امپرسیونیست ، پرتره‌های آشکاری از افرادی که می‌شناختند ترسیم کردند که رنگ‌های چرخشی داشتند اما لزوماً چاپلوس نبودند. آنها به همان اندازه، اگر نه بیشتر، به خاطر خودنگاره های قدرتمندشان تحسین می شوند.
جان سینگر سارجنت نیز تغییر قرن را در بر گرفت، اما امپرسیونیسم آشکار و پست امپرسیونیسم را رد کرد. او موفق‌ترین نقاش پرتره عصر خود بود که از تکنیکی عمدتاً واقع‌گرایانه استفاده می‌کرد که اغلب با استفاده درخشان از رنگ به کار می‌رفت. او به همان اندازه در پرتره‌های فردی و گروهی، به‌ویژه خانواده‌های طبقات بالا، مهارت داشت. سارجنت در فلورانس ایتالیا از پدر و مادری آمریکایی به دنیا آمد. او در ایتالیا و آلمان و در پاریس تحصیل کرد. سارجنت آخرین نماینده اصلی سنت پرتره بریتانیایی است که با ون دایک شروع شد. [81] یکی دیگر از پرتره نگاران برجسته آمریکایی که در خارج از کشور آموزش دیده بود، ویلیام مریت چیس بود . نقاش جامعه آمریکایی سیسیلیا بوکس ، که "سارجنت زن" نامیده می شود، از پدری فرانسوی به دنیا آمد، در خارج از کشور تحصیل کرد و با پیروی از روش های سنتی در خانه به موفقیت دست یافت. یکی دیگر از هنرمندان پرتره در مقایسه با سارجنت به دلیل تکنیک سرسبزش، هنرمند پاریسی ایتالیایی الاصل، جیووانی بولدینی ، دوست دگا و ویسلر بود .
جیمز ابوت مک‌نیل ویسلر بین‌المللی‌گرای آمریکایی‌الاصل با هنرمندان اروپایی ارتباط خوبی داشت و همچنین پرتره‌های استثنایی را ترسیم کرد که معروف‌ترین آنها «آرنجش در خاکستری و سیاه»، «مادر هنرمند» (1871) است که به مادر ویسلر نیز معروف است . [82] ویسلر حتی با پرتره‌هایش، مانند مناظر رنگ‌آمیزی‌اش، می‌خواست بینندگانش روی آرایش هماهنگ فرم و رنگ در نقاشی‌هایش تمرکز کنند. ویسلر برای ایجاد جلوه های مورد نظر خود از یک پالت کم رنگ استفاده کرد و بر تعادل رنگ و تن های ملایم تاکید کرد. همانطور که وی بیان کرد: "همانطور که موسیقی شعر صدا است، نقاشی شعر بینایی نیز چنین است و موضوع ربطی به هماهنگی صدا یا رنگ ندارد." [83] فرم و رنگ نیز در پرتره‌های سزان نقش اساسی داشتند ، در حالی که رنگ‌های شدیدتر و تکنیک قلم مو بر پرتره‌های آندره دراین و هانری ماتیس غالب است . [84]
توسعه عکاسی در قرن 19 تأثیر قابل توجهی بر پرتره گذاشت و جایگزین دوربین تاریک قبلی شد که قبلاً به عنوان کمکی در نقاشی نیز استفاده می شد. بسیاری از مدرنیست ها برای ساختن پرتره های خود به آتلیه های عکاسی هجوم آوردند، از جمله بودلر که اگرچه عکاسی را «دشمن هنر» می خواند، اما جذب صراحت و قدرت عکاسی شده بود. [85] با ارائه یک جایگزین ارزان، عکاسی جای بسیاری از پایین ترین سطح نقاشی پرتره را گرفت. برخی از هنرمندان رئالیست، مانند توماس ایکینز و ادگار دگاس ، مشتاق عکاسی با دوربین بودند و آن را کمک مفیدی برای ترکیب بندی می دانستند. از امپرسیونیست‌ها به بعد، نقاشان پرتره راه‌های بی‌شماری برای تفسیر مجدد پرتره برای رقابت مؤثر با عکاسی پیدا کردند. [86] سارجنت و ویسلر از جمله کسانی بودند که تحریک شدند تا تکنیک خود را برای ایجاد جلوه هایی که دوربین قادر به ثبت آنها نباشد گسترش دهند.
دیگر هنرمندان اوایل قرن بیستم نیز کارنامه پرتره را در جهت های جدید گسترش دادند. هنری ماتیس، هنرمند فوویست ، پرتره های قدرتمندی را با استفاده از رنگ های غیر طبیعی و حتی زرق و برق دار برای رنگ پوست تولید کرد. سزان در پرتره‌های خود بر فرم‌های بسیار ساده‌شده تکیه می‌کرد و از جزئیات اجتناب می‌کرد و در عین حال بر کنار هم قرار گرفتن رنگ‌ها تأکید داشت. [88] سبک منحصر به فرد گوستاو کلیمت اتریشی ، نقوش بیزانسی و رنگ طلایی را در پرتره های به یاد ماندنی خود به کار برد. شاگرد او اسکار کوکوشکا یکی از پرتره نگاران مهم طبقه بالای وین بود. هنرمند پرکار اسپانیایی پابلو پیکاسو پرتره‌های زیادی از جمله چندین تصویر کوبیسمی از معشوقه‌های خود کشید که در آنها شباهت موضوع به شدت تحریف شده است تا به بیانی احساسی فراتر از مرزهای کاریکاتور معمولی دست یابد. [89] یک نقاش برجسته زن پرتره در آغاز قرن بیستم، که با امپرسیونیسم فرانسوی مرتبط بود، اولگا بوزنانسکا (1865-1940) بود . نقاشان اکسپرسیونیست برخی از جالب‌ترین و متقاعدکننده‌ترین مطالعات روانشناختی را ارائه کردند. هنرمندان آلمانی مانند اتو دیکس و ماکس بکمن نمونه های قابل توجهی از پرتره اکسپرسیونیستی تولید کردند. بکمن یک سلف پرتره پرکار بود و حداقل بیست و هفت فیلم را تهیه کرد. [90] آمدئو مودیلیانی پرتره‌های زیادی را به سبک کشیده‌اش ترسیم کرد که ارزش «شخص درون» را به نفع مطالعات دقیق فرم و رنگ کاهش داد. برای کمک به دستیابی به این هدف، او تأکیدی بر چشم‌ها و ابروهایی که معمولاً رسا هستند را تا حد شکاف‌های سیاه‌شده و قوس‌های ساده کاهش داد. [91]
هنر بریتانیایی توسط وورتیکیست‌ها که پرتره‌های برجسته‌ای را در اوایل قرن بیستم کشیدند، نشان داده شد . فرانسیس پیکابیا، نقاش دادا ، پرتره های متعددی را به شیوه منحصر به فرد خود اجرا کرد. علاوه بر این، پرتره‌های تامارا د لمپیکا با منحنی‌های ساده، رنگ‌های غنی و زوایای تیز، دوران هنر دکو را با موفقیت به تصویر کشید. در آمریکا، رابرت هنری و جورج بلوز پرتره‌نگاران خوبی در دهه‌های 1920 و 1930 مکتب رئالیستی آمریکا بودند. ماکس ارنست نمونه ای از پرتره مدرن دانشگاهی را با نقاشی خود در سال 1922 همه دوستان با هم ساخت . [92]
سهم قابل توجهی در توسعه نقاشی پرتره 1930-2000 توسط هنرمندان روسی انجام شد که عمدتاً در سنت های نقاشی رئالیستی و فیگوراتیو کار می کردند. از جمله آنها باید اسحاق برادسکی ، نیکولای فچین ، آبرام آرخیپوف و دیگران نام برد. [93]
تولید پرتره در اروپا (به استثنای روسیه) و آمریکا به طور کلی در دهه‌های 1940 و 1950 کاهش یافت، که نتیجه افزایش علاقه به هنر انتزاعی و غیر فیگوراتیو بود. با این حال، یک استثنا، اندرو وایت بود که تبدیل به نقاش برجسته رئالیست پرتره آمریکایی شد. با وایت، رئالیسم، هرچند آشکار، در درجه دوم کیفیت‌های لحنی و حال و هوای نقاشی‌های او قرار دارد. این را به‌خوبی با مجموعه نقاشی‌های برجسته‌اش که به‌عنوان تصاویر «هلگا» شناخته می‌شوند، نشان می‌دهد، بزرگترین گروه پرتره‌های یک فرد مجرد توسط هر هنرمند بزرگی (247 مطالعه درباره همسایه‌اش هلگا تستورف، با لباس و برهنه، در محیط‌های مختلف، نقاشی شده در طول دوره 1971-1985). [94]
در دهه 1960 و 1970، پرتره احیا شد. هنرمندان انگلیسی مانند لوسیان فروید (نوه زیگموند فروید ) و فرانسیس بیکن نقاشی های قدرتمندی تولید کرده اند. پرتره های بیکن به دلیل کیفیت کابوس وارشان قابل توجه هستند. در مه 2008، پرتره فروید در سال 1995 از مزایای خواب ناظر توسط حراجی کریستیز در شهر نیویورک به قیمت 33.6 میلیون دلار فروخته شد و رکورد جهانی ارزش فروش یک نقاشی از یک هنرمند زنده را ثبت کرد. [95]
بسیاری از هنرمندان معاصر آمریکایی، مانند اندی وارهول ، الکس کاتز و چاک کلوز ، چهره انسان را به نقطه کانونی کار خود تبدیل کرده اند.
وارهول یکی از پرتره ترین نقاشان پرتره قرن بیستم بود. تابلوی نارنجی وارهول ، مریلین از مرلین مونرو ، نمونه‌ای نمادین اولیه از کارهای او در دهه 1960 است، و شاهزاده نارنجی (1984) پرنس خواننده پاپ نمونه بعدی است که هر دو سبک گرافیکی منحصر به فرد وارهول را در پرتره به نمایش می‌گذارند. [96] [97] [98] [99]
تخصص کلوز پرتره های "سر" به اندازه دیوار عظیم و فوق واقعی بر اساس تصاویر عکاسی بود. جیمی وایت به سنت رئالیستی پدرش اندرو ادامه می‌دهد و پرتره‌های معروفی را تولید می‌کند که موضوعات آنها از رئیس‌جمهور گرفته تا خوک متغیر است.
سنت مینیاتور ایرانی برای مدت طولانی از دادن خصوصیات صورت فردی به چهره ها اجتناب می کرد، تا حدی به دلایل مذهبی، تا از هرگونه اشاره ای به بت پرستی جلوگیری کند . حاکمان جهان اسلام هرگز تصاویر خود را بر روی سکه های خود نمی گذارند و ظاهر آنها مانند غرب بخشی از تلاش روابط عمومی آنها را تشکیل نمی دهد . حتی در جایی که واضح است که صحنه‌ای دربار شاهزاده را نشان می‌دهد که کار را سفارش می‌دهد، ویژگی‌های شخصیت اصلی همان ویژگی‌های ظاهری چینی را دارند که بقیه موارد. به نظر می رسد که این کنوانسیون دیرپای از آغاز سنت مینیاتوری در زمان ایلخانیان مغول سرچشمه می گیرد ، اما مدت ها از آنها گذشته است.
هنگامی که سنت ایرانی به عنوان مینیاتور مغول در هند توسعه یافت، همه چیز به سرعت تغییر کرد. بر خلاف اسلاف ایرانی خود، حامیان مغول تأکید زیادی بر تشبیهات دقیق طبیعت گرایانه همه اشکال طبیعی ناآشنا امپراتوری جدید خود، مانند حیوانات، پرندگان و گیاهان داشتند. آنها نگرش یکسانی به پرتره انسان داشتند و پرتره های فردی، معمولاً در نمایه، یکی از ویژگی های مهم سنت شد. این امر در زمان امپراتور اکبر کبیر که به نظر می‌رسد نارساخوان بوده و به سختی می‌توانست بخواند یا بنویسد، مورد تاکید قرار گرفت . او یک آلبوم بزرگ ( مراقا ) با پرتره‌های همه اعضای برجسته دربار بزرگ خود داشت و هنگام قرار ملاقات با مشاورانش در سراسر امپراتوری از آن استفاده می‌کرد. [100]
امپراتوران بعدی، به ویژه جهانگیر و شاه جهان ، از پرتره های مینیاتوری ایده آلی از خود به عنوان نوعی تبلیغات استفاده فراوان کردند و آنها را بین متحدان مهم توزیع کردند. این هاله ها اغلب بزرگتر از هاله هایی بودند که به هر شخصیت مذهبی داده می شد. چنین تصاویری ایده پرتره حاکم را به دربارهای کوچکتر گسترش داد، به طوری که تا قرن هجدهم بسیاری از راجه های کوچک هنرمندان دربار را نگه داشتند تا آنها را در حال لذت بردن از فعالیت های شاهزاده در تصاویر نسبتاً سبکی که حس غیر رسمی بودن و شکوه را ترکیب می کند، به تصویر بکشند.
مینیاتورهای عثمانی عموماً دارای چهره‌هایی بودند که حتی چهره‌هایی کمتر از مشابه‌های فارسی آن شخصی‌سازی شده بود، اما ژانری از پرتره‌های کوچک مردان از خانواده امپراتوری توسعه یافت. اینها ویژگی های بسیار فردی و نسبتاً اغراق آمیزی داشتند که برخی از آنها به کاریکاتور نزدیک بود . آنها احتمالا فقط توسط یک دایره بسیار محدود دیده می شدند.
سلسله قاجار ایرانی ، از سال 1781، پرتره های بزرگ سلطنتی با رنگ روغن، و همچنین مینیاتورها و آویزهای پارچه را به تصویر کشیدند. لباس‌های باشکوه و ریش‌های بلند شاه‌ها بر اینها غالب است.
نقاشی پرتره چینی در آرزو یا رسیدن به یک شباهت واقعی کند بود. بسیاری از «پرتره‌ها» از چهره‌های مشهور گذشته بودند و نشان می‌دادند که آن شخص چگونه باید باشد. روحانیون بودایی، به ویژه در مجسمه سازی، یک استثنا در این مورد بودند. پرتره‌های امپراطور تا مدت‌ها هرگز در انظار عمومی دیده نمی‌شد، تا حدی از ترس اینکه بدرفتاری با آنها ممکن است باعث بی‌حرمتی امپراتور شود یا حتی باعث بدشانسی شود. بالاترین وزیران سالی یک بار اجازه داشتند که به عنوان یک افتخار خاص به تصاویر موجود در گالری امپراتوری پرتره های اجداد ادای احترام کنند.
در زمان سلسله هان ، ظهور آیین کنفوسیوس ، که انسان را مرکز جهان و جامعه می دانست، منجر به تمرکز بر مطالعات روانشناختی شد. در این میان، دانشمندان تائوئیست مطالعه فیزیوگنومی را آغاز کردند . علایق ترکیبی به ویژگی های روانی و جسمانی انسان باعث رشد زندگی نامه و پرتره شد. نقاشی های پرتره ایجاد شده در دوران سلسله هان نمونه اولیه اولین نقاشی های پرتره چینی به حساب می آمدند که بیشتر آنها بر روی دیوارهای کاخ ها، اتاق های مقبره ها و زیارتگاه ها یافت می شد. به عنوان مثال، نقش حکاکی شده مردی که در کاشی مقبره ای از هنان غربی که قدمت آن به قرن سوم پیش از میلاد می رسد، نشان دهنده مشاهده و تمایل نقاش برای خلق چهره های زنده است. با این حال، موضوعات بیشتر پرتره های دیواری، چهره های ناشناس هستند که در حال گفتگو هستند. علیرغم تصویر واضح ویژگی‌های فیزیکی و حالت چهره، به دلیل فقدان هویت و پیوند نزدیک با بافت روایی، بسیاری از محققان این نقاشی‌های دیواری سلسله هان را به‌جای تشبیه واقعی افراد خاص، به عنوان «شخصیت‌ها در عمل» دسته‌بندی می‌کنند. [101]
سلسله جین یکی از پرآشوب ترین دوره های تاریخ چین باستان بود. پس از چندین دهه جنگ بین سه ایالت وی ، شو و وو از 184 تا 280 پس از میلاد، سیما یان در نهایت سلسله جین غربی را در سال 266 پس از میلاد تأسیس کرد. محیط اجتماعی-سیاسی ناپایدار و اقتدار امپریالیستی رو به افول منجر به گذار از کنفوسیوسیسم به نئودائوئیسم شد . با شکوفا شدن نگرش شکستن سلسله مراتب اجتماعی و آراستگی، ابراز وجود و فردگرایی در میان روشنفکران شروع به رشد کرد.
هفت حکیم بیشه بامبو و رونگ چیچی یک نقاشی برجسته با نخ روی کاشی است که در مقبره‌ای آجری سلسله جین در نانجینگ یافت شده است . این نقش برجسته 96 اینچ طول و 35 اینچ عرض دارد و بیش از 300 آجر دارد. این یکی از به خوبی حفظ شده ترین نقاشی های نقش برجسته از سلسله جین است که نشان دهنده هنرهای با کیفیت بالا است. نقش برجسته دارای دو بخش است و هر قسمت شامل چهار پرتره است. با توجه به نام های حک شده در کنار شکل ها، از بالا به پایین، و از چپ به راست، هشت شکل عبارتند از Rong Qiqi ، Ruan Xian ، Liu Ling ، Xiang Xiu ، Ji Kang ، Ruan Ji ، Shan Tao ، و وانگ رونگ به غیر از رونگ کیچی، هفت نفر دیگر از علمای معروف نئودائوئیست سلسله جین بودند و به " هفت حکیم بیشه بامبو " معروف بودند. آنها روشنفکران برجسته ای بودند که در ادبیات، موسیقی یا فلسفه موفق بودند. نقش برجسته، صحنه‌ای از هشت مرد پرورش‌یافته را نشان می‌دهد که روی زمین در بیشه نشسته‌اند و مشغول انجام فعالیت‌های مختلف هستند. فیگورها در حالتی آرام و خود شیفته با پوشیدن لباس های گشاد با پاهای برهنه به تصویر کشیده شدند.
کتیبه‌های ثبت شده تاریخی در کنار پیکره‌ها باعث عملکرد نقش برجسته‌ای می‌شود، زیرا "پرتره نشان دهنده افراد خاص است". [102] علاوه بر این، جزئیات شمایل نگاری هر چهره بر اساس بیوگرافی، میزان فردی شدن را نشان می دهد. برای مثال، زندگی‌نامه لیو لینگ در کتاب جین، وسواس او را با الکل ثبت می‌کند. در نقاشی برجسته، شکل لیو لینگ در حالتی معمولی با زانوی خمیده نشسته است و اربی را نگه می دارد ، ظرفی برای الکل، در حالی که دست دیگر را در فنجان فرو می برد تا طعم نوشیدنی را بچشد. پرتره ماهیت خصوصیات و خلق و خوی لیو لینگ را منعکس می کند. فیگور Ruan Xian که طبق کتاب جین به استعدادهای موسیقی معروف بود در پرتره فلوت می نوازد.
گو کایجی ، یکی از مشهورترین هنرمندان سلسله جین شرقی، در کتاب خود در مورد نقاشی، نحوه بازتاب ویژگی‌های نشسته را از طریق نمایش دقیق ویژگی‌های فیزیکی آموزش داد . او همچنین بر تسخیر روحیه نشسته از طریق تصویر واضح چشم ها تاکید کرد. [101]
در طول سلسله تانگ ، انسان‌سازی و شخصی‌سازی در نقاشی پرتره افزایش یافت. با توجه به هجوم بودیسم ، پرتره نقاشی شباهت واقعی تری به خود گرفت، به ویژه برای پرتره های راهبان. اعتقاد به "فاسد ناپذیری زمانی" بدن جاودانه در بودیسم ماهایانا، حضور در یک تصویر را با حضور در واقعیت پیوند می‌داد. پرتره به عنوان تجسم بصری و جایگزین یک شخص واقعی در نظر گرفته می شد. بنابراین، شباهت واقعی در نقاشی‌ها و مجسمه‌های راهبان ارزش زیادی داشت. [101] نقاشی پرتره دیواری سلسله تانگ برای کیفیت معنوی ارزش قائل است - "انیمیشن از طریق همخوانی روح" ( چی یون شن تونگ ). [103]
از نظر پرتره امپراتوری، امپراتور تایزونگ ، دومین امپراتور سلسله تانگ، از پرتره ها برای مشروعیت بخشیدن به جانشینی و تقویت قدرت استفاده می کرد. او پرتره امپراتورهای جانشین را سفارش داد که شامل پرتره های 13 امپراتور در سلسله های قبلی به ترتیب زمانی است. وجه مشترک در میان امپراتوران منتخب این بود که آنها فرزندان بنیانگذاران سلسله ها بودند. از آنجایی که پدر امپراتور تایزونگ، امپراتور گائوزو ، بنیانگذار سلسله تانگ بود، انتخاب امپراتور تایزونگ از امپراتورهای قبلی در موقعیت مشابه خود به عنوان یک کنایه سیاسی عمل کرد. جانشینی او مورد تردید و انتقاد قرار گرفت زیرا دو تن از برادرانش را به قتل رساند و پدرش را مجبور کرد تاج و تخت را به او بسپارد. هدف او از طریق سفارش دادن پرتره های جمعی امپراتورهای قبلی، مشروعیت بخشیدن به انتقال سلطنت بود. علاوه بر این، تفاوت در لباس امپراتوران به تصویر کشیده شده، حاکی از نظر امپراتور تایزونگ در مورد آنها بود. امپراطورانی که با لباس های غیررسمی به تصویر کشیده می شدند به عنوان نمونه های بد یک حاکم مانند ضعیف یا خشن در نظر گرفته می شدند، در حالی که تصور می شد امپراطورانی که لباس رسمی داشتند دستاوردهای نظامی یا مدنی را به دست می آورند. این کمیسیون روشی غیرمستقیم توسط امپراتور تایزونگ بود تا اعلام کند دستاوردهایش از امپراتورهای پیشین پیشی گرفته است. امپراتور تایزونگ همچنین قبل از اینکه امپراتور شود، مجموعه ای از نقاشی های پرتره از دانشمندان و روشنفکران مشهور را سفارش داد. او با قرار دادن پرتره ها بر روی دیوار غرفه پینگیان به عنوان علامت احترام، سعی کرد با روشنفکران دوست شود. این پرتره ها همچنین به عنوان شاهدی بود که نشان می داد او حمایت سیاسی از دانشمندان مشهور به تصویر کشیده شده بود تا مخالفان خود را بترساند. امپراتور تایزونگ در طول سلطنت خود، پرتره هایی را از خود سفارش داد که از سفرای کشورهای خارجی فتح شده برای جشن و تبلیغ دستاوردهای نظامی خود، هدایایی دریافت می کرد. [104]
در طول سلسله سونگ ، امپراتور گائوزونگ پرتره‌های کنفوسیوس و هفتاد و دو شاگرد ( شنگ شیان تو ) را با کتیبه دست‌نویس خود بر روی زمین خالی سفارش داد . فیگورها در خطوط واضح، ژست های متحرک به تصویر کشیده شدند و حالات چهره یک کیفیت روایی ارائه شد. تصویر قدیسان و شاگردانش بر روی یک لوح سنگی بر روی دیوار دانشگاه امپراتوری به عنوان یک قانون اخلاقی برای آموزش دانشجویان یافت شد. با این حال، محققان استدلال کردند که هدف واقعی امپراتور گائوزونگ از کمیسیون این بود که اعلام کند سیاست های او توسط کنفوسیوسیسم و همچنین کنترل او بر میراث کنفوسیوس حمایت می شود. [105]
سلسله یوان نقطه عطفی در تاریخ چین بود. پس از اینکه امپراتوری مغول سرزمین اصلی چین را فتح کرد و به سلسله سونگ پایان داد، روشنفکران سنتی چین در یک وضعیت دوگانگی قرار گرفتند که بین گوشه گیری از دولت خارجی یا دنبال کردن مشاغل سیاسی جدید انتخاب کنند. نقاشی های پرتره «مردان فرهنگ» ( ون رن هوا ) در آن دوره نشان دهنده این معضل است. به عنوان مثال، پرتره یانگ کیان او را در حال ایستادن در یک جنگل بامبو نشان می دهد. در حالی که بامبو نماد درستی اخلاقی اوست، فضای نیمه بسته و نیمه باز در پس زمینه به پتانسیل او در انتخاب بین گوشه نشینی و خدمت در دولت مغول اشاره دارد. [106]
از نظر پرتره امپراتوری، پرتره کوبلای و پرتره چابی توسط آرانیکو نقاش امپراتوری مغول در سال 1294 نشان دهنده ادغام تکنیک های پرتره امپراتوری چینی سنتی و ارزش زیبایی شناختی هیمالیا-مغول است. کوبلای خان به عنوان یک مرد مسن به تصویر کشیده شد در حالی که امپراطور چابی در جوانی به تصویر کشیده شد که هر دو لباس های سنتی امپراتوری مغولستان را پوشیده بودند. آرانیکو از تکنیک پرتره چینی مانند ترسیم طرح با جوهر و تقویت شکل با رنگ استفاده کرد، در حالی که نکات برجسته روی جواهرات چابی با همان رنگ اما ارزش روشن تر، ادامه سبک هیمالیا بود. جهت‌گیری کامل از جلوی نشسته‌کنندگان و مردمک مرکزی آنها تأثیری تقابل‌آمیز به بیننده می‌افزاید، که زیبایی‌شناسی و سبک نپالی را منعکس می‌کند. ترکیب بندی بسیار متقارن و تصویر سفت و سخت مو و لباس با سبک نقاشی سلسله سونگ قبلی متفاوت بود. دلالت چندانی بر شایستگی اخلاقی نشسته‌کنندگان یا شخصیت آنها وجود ندارد، که نشان‌دهنده جدایی نقاش از نشسته‌کننده است، که با تأکید سلسله سونگ بر تسخیر روح در تضاد است. [107]
در طول سلسله چینگ ، پرتره دربار بالماسکه اروپا در قرن هجدهم که اشراف را در حال انجام فعالیت های مختلف با لباس های مختلف به تصویر می کشید، به چین وارد شد. امپراتور یونگ ژنگ و پسرش، امپراتور کیانلونگ ، تعدادی نقاشی پرتره بالماسکه با مفاهیم سیاسی مختلف سفارش دادند. در بیشتر پرتره های بالماسکه امپراتور یونگ ژنگ، او لباس های عجیب و غریب مانند کت و شلوار نجیب زاده اروپایی می پوشد. فقدان کتیبه بر روی نقاشی پرتره قصد او را نامشخص می گذارد، اما برخی از محققان معتقدند این لباس عجیب و غریب نشان دهنده علاقه او به فرهنگ خارجی و تمایل او به حکومت بر جهان است. در مقایسه با نگرش مبهم امپراتور یونگ ژنگ، امپراتور کیان لونگ کتیبه هایی را بر روی پرتره های بالماسکه خود نوشت تا فلسفه خود را در مورد "راه فرمانروایی" اعلام کند که مخفی کردن و فریب دادن بود تا زیردستان و دشمنانش نتوانند استراتژی های او را دنبال کنند. در مقایسه با شور و شوق امپراتور یونگ ژنگ در لباس های عجیب و غریب، امپراتور کیان لونگ علاقه بیشتری به لباس های سنتی چینی مانند پوشیدن لباس یک محقق کنفوسیوس، کشیش تائوئیست و راهب بودایی نشان داد که تمایل او را در تسخیر میراث سنتی چین نشان می دهد.
امپراتور کیانلونگ پس از اینکه تاج و تخت را از پدرش به ارث برد ، پیام صلح بهار را سفارش داد ، که یک نقاشی پرتره دوتایی از او و پدرش است که به جای لباس‌های سنتی مانچویی که کنار هم در کنار بامبو ایستاده‌اند، لباس‌های محقق کنفوسیوس پوشیده است. محققان بر این باورند که این کمیسیون با تأکید بر شباهت فیزیکی بین او و پدرش مانند ساختار چهره، لباس و مدل موی یکسان، هدفش مشروعیت بخشیدن به جانشینی تاج و تخت او بود. جنگل بامبو در پس زمینه نشان دهنده عدالت اخلاقی آنها است که توسط کنفوسیوسیسم سنتی پیشنهاد شده است. این پرتره امپراتور یونگ ژنگ را به تصویر می‌کشد که در مقیاسی بزرگتر، شاخه‌ای گلدار را به عنوان استعاره‌ای سیاسی از قدرت امپراتوری برای سلطنت به امپراتور کیانلونگ می‌دهد. امپراتور کیانلونگ همچنین با ژست متواضعانه، فرزندسالاری خود را که توسط آیین کنفوسیوس پیشنهاد شده بود، تبلیغ کرد. [108]
جوزپه کاستیلیونه نقاش یسوعی قبل از مرگش در سال 1766 50 سال را در دربار امپراتوری گذراند و نقاش دربار سه امپراتور بود. او در پرتره های خود، مانند سایر ژانرها، جنبه هایی از سبک سنتی چینی را با نقاشی معاصر غربی ترکیب کرد.
نقاشی پرتره زنان در چین باستان از سلسله هان تا سلسله چینگ (206 قبل از میلاد - 1912) تحت تأثیر فراوان کیهان‌شناسی پدرسالار کنفوسیوس توسعه یافت، با این حال، موضوع و سبک با توجه به فرهنگ هر سلسله متفاوت بود.
در سلسله هان (206 قبل از میلاد - 220 پس از میلاد)، زنان در نقاشی پرتره عمدتاً یک نوع بودند و نه فردی خاص. موضوع اصلی، زنان نمونه آرمانی ( lie nü ) با فضایل ناشی از آیین کنفوسیوس مانند عفت، اطاعت سه جانبه ( سان کونگ ) از پدر، شوهر، پسر بود. کتاب زنان نمونه گو کایجی (lie nü tu) که اندکی پس از سلسله هان ساخته شد، این سبک را نشان می دهد.
در سلسله تانگ (618-906)، زنان قصر ( shi nü ) که کارهای روزمره یا سرگرمی را انجام می‌دادند، موضوعی محبوب شد. زیبایی و جذابیت زنانه خانم‌های کاخ مورد توجه قرار می‌گرفت، اما موضوع تحت عنوان نقاشی «بانوان قصر» غیر اختصاصی باقی ماند. ویژگی های تشویق شده توسط کنفوسیوسیسم از جمله تسلیم و موافق به عنوان معیارهای زیبایی گنجانده شده و در پرتره مورد تاکید قرار گرفته است. نقاشان به دنبال درستی و تشبیه نشیمن بودند و هدفشان آشکار کردن پاکی روح بود.
در سلسله سونگ (960-1279)، نقاشی های پرتره زنان بر اساس اشعار عاشقانه که توسط شاعران دربار سروده شده بود، خلق شد. اگرچه زنان در این نقاشی به عنوان زندگی در مد مجلل و خانه‌های راحت به تصویر کشیده می‌شوند، اما زنان در این نقاشی معمولاً تنها و مالیخولیا به تصویر کشیده می‌شوند، زیرا در حالی که شوهرانشان بیرون می‌ماندند و شغل خود را دنبال می‌کنند احساس می‌کنند که در کارهای خانه مهجور مانده‌اند یا گرفتار شده‌اند. تنظیمات معمول شامل مسیر خالی باغ و کاناپه سکوی خالی است که به عدم وجود چهره های مرد اشاره دارد. پس زمینه متداول شامل درختان گلدار است که با زیبایی همراه بوده و درختان موز که نماد آسیب پذیری زنان است.
در سلسله مینگ (1368-1644)، نقاشی ادبی ( ونرن هوآ ) که ترکیبی از نقاشی، خوشنویسی و شعر بود، به یک گرایش محبوب در میان نخبگان تبدیل شد. بیشتر زنان در نقاشی اهل ادب، چهره‌های انتزاعی بودند که به عنوان استعاره بصری عمل می‌کردند و بی‌همت باقی می‌ماندند. در سلسله چینگ (1644-1912)، نقاشی ادبی تنوع بیشتری از قلم مو و استفاده از رنگ روشن پیدا کرد. [109]
.jpg/1280px-Lucas_Cranach_d.%C3%84._-_Bildnis_Christiane_von_Eulenau_(Neue_Residenz_Bamberg).jpg)
![Maarten van Heemskerck (1498-1574)، خانواده پیتر یان فوپس، قبل از حدود 1532، اولین پرتره خانوادگی، در پرتره هلندی در نظر گرفته شده است.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3c/Marten_van_Heemskerck_003.jpg/1280px-Marten_van_Heemskerck_003.jpg)
.jpg/1280px-Elizabeth_I_(Armada_Portrait).jpg)
,_by_Pompeo_Batoni.jpg/1280px-Thomas_Kerrich_(1748-1828),_by_Pompeo_Batoni.jpg)
.jpg/1280px-Amedeo_Modigliani_-_Chaim_Soutine_(1917).jpg)
.jpg/1280px-Nainsukh_2013GB2062_jpg_l_(cropped).jpg)
.jpg/1280px-Fath_Ali_Shah(hermitage1).jpg)
From_Bijin-ga_(Pictures_of_Beautiful_Women),_published_by_Tsutaya_Juzaburo_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-thumbnail.jpg)