stringtranslate.com

روکوکو

روکوکو ، معمولاً کمتر روکوکو ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh ، ایالات متحده نیز / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ؛ فرانسوی: [ʁɔkɔko] یا [ʁokoko] ⓘ ) که به عنوانباروک پسین، یک سبک استثنایی زینتی و دراماتیک از معماری، هنر و دکوراسیون است که ترکیبی از عدم تقارن، منحنی‌های پیمایشی، تذهیب، رنگ‌های سفید و پاستلی، قالب‌بندی مجسمه‌سازی‌شده وترومپ لویلبرای ایجاد شگفتی و شگفتی است. توهم حرکت و درام اغلب به عنوان بیان نهاییباروک.[1]

سبک روکوکو در دهه 1730 در فرانسه به عنوان واکنشی در برابر سبک رسمی و هندسی لویی چهاردهم آغاز شد . این سبک به سبک روکای یا روکای معروف بود. [2] به زودی به سایر نقاط اروپا، به ویژه شمال ایتالیا، اتریش، جنوب آلمان، اروپای مرکزی و روسیه گسترش یافت. [3] همچنین بر هنرهای دیگر، به ویژه مجسمه سازی، مبلمان، ظروف نقره، ظروف شیشه ای، نقاشی، موسیقی، تئاتر، [4] و ادبیات تأثیر گذاشت . [5] اگرچه در اصل یک سبک سکولار بود که عمدتاً برای فضای داخلی اقامتگاه‌های خصوصی استفاده می‌شد، اما روکوکو جنبه معنوی داشت که منجر به استفاده گسترده از آن در فضای داخلی کلیسا، به ویژه در اروپای مرکزی، پرتغال و آمریکای جنوبی شد. [6]

ریشه شناسی

حکاکی یکپارچه روکوکو، گچ کاری و نقاشی دیواری در ابی Zwiefalten (1739-1745)

کلمه روکوکو برای اولین بار به عنوان یک تغییر طنز از کلمه rocaille توسط Pierre-Maurice Quays استفاده شد . [7] [8] روکایل در اصل یک روش تزئینی بود که از سنگریزه، صدف‌های دریایی و سیمان استفاده می‌کرد که از دوره رنسانس اغلب برای تزئین غارها و فواره‌ها استفاده می‌شد. [9] [10] در اواخر قرن هفدهم و اوایل قرن هجدهم، روکایل اصطلاحی برای نوعی نقوش یا زیورآلات تزئینی شد که در اواخر سبک لویی چهاردهم ظاهر شد ، به شکل صدفی که با برگ‌های آکانتوس در هم آمیخته شده بود . در سال 1736، طراح و جواهرساز ژان موندون ، مجموعه‌ای از طرح‌های تزئینات مبلمان و دکوراسیون داخلی را منتشر کرد. این اولین باری بود که در چاپ اصطلاح روکایل به این سبک اشاره شد. [11] نقوش صدف دریایی حکاکی شده یا قالب‌گیری شده با برگ‌های نخل یا تاک‌های پیچ‌خورده برای تزئین درها، مبلمان، پانل‌های دیواری و سایر عناصر معماری ترکیب می‌شد. [12]

واژه روکوکو برای اولین بار در سال 1825 برای توصیف دکوراسیونی که "خارج از مد و قدیمی" بود در چاپ استفاده شد. در سال 1828 برای تزئین "که به سبک قرن 18 تعلق داشت، مملو از زیور آلات پیچشی" استفاده شد. در سال 1829، استاندال، نویسنده، روکوکو را به عنوان "سبک روکای قرن هجدهم" توصیف کرد. [13]

پایتخت کلیسای انگلسل ، از اتریش (1754 - 1764)

در قرن نوزدهم، این اصطلاح برای توصیف معماری یا موسیقی که بیش از حد زینتی بود استفاده می شد. [14] [15] از اواسط قرن 19، این اصطلاح توسط مورخان هنر پذیرفته شده است . در حالی که هنوز بحث هایی در مورد اهمیت تاریخی این سبک وجود دارد، روکوکو در حال حاضر اغلب به عنوان دوره ای متمایز در توسعه هنر اروپایی در نظر گرفته می شود .

خصوصیات

روکوکو دارای دکوراسیونی باشکوه، با فراوانی منحنی ها، منحنی های مخالف، موج ها و عناصر الگوبرداری شده از طبیعت است. نمای بیرونی ساختمان‌های روکوکو اغلب ساده است، در حالی که فضای داخلی کاملاً تحت سلطه تزئینات آنها است. این سبک به شدت نمایشی بود و برای تحت تاثیر قرار دادن و شگفتی در نگاه اول طراحی شده بود. پلان های طبقه کلیساها اغلب پیچیده بودند و دارای بیضی های در هم تنیده بودند. در کاخ‌ها، پلکان‌های بزرگ به محوریت تبدیل می‌شدند و دیدگاه‌های مختلفی از دکوراسیون را ارائه می‌دادند. [1] زیور آلات اصلی روکوکو عبارتند از: صدف های نامتقارن، آکانتوس و سایر برگ ها، پرندگان، دسته گل، میوه، آلات موسیقی، فرشتگان و چینی ها ( بتکده ها ، اژدها، میمون ها، گل های عجیب و غریب و مردم چین). [16]

این سبک اغلب شامل نقاشی، گچبری قالبی، کنده کاری روی چوب، و نقاشی های سقفی کوادراتورا یا توهم گرایی است، که به گونه ای طراحی شده بودند که این تصور را ایجاد کنند که کسانی که وارد اتاق می شوند به آسمان نگاه می کنند، جایی که کروبی ها و چهره های دیگر به آنها خیره می شوند. . مواد مورد استفاده شامل گچ بری، یا رنگ آمیزی شده یا سفید چپ. ترکیبی از چوب های رنگی مختلف (معمولا بلوط، راش یا گردو)؛ چوب لاکی به سبک ژاپنی، زیورآلات برنزی طلاکاری شده، و رویه های مرمری کمدها یا میزها. [17] هدف ایجاد حس شگفتی، هیبت و شگفتی در نمای اول بود. [18]

تفاوت بین باروک و روکوکو

روکوکو دارای ویژگی های زیر است که باروک فاقد آن است:

فرانسه

سبک روکای یا روکوکوی فرانسوی در زمان سلطنت لویی پانزدهم در پاریس ظاهر شد و بین سال‌های 1723 تا 1759 شکوفا شد . برجسته ترین نمونه سالن پرنسس در هتل دو سوبیس در پاریس بود که توسط ژرمن بافراند و چارلز-ژوزف ناتوآر (1735-1740) طراحی شد. ویژگی‌های روکوکو فرانسوی شامل هنر استثنایی بود، به‌ویژه در قاب‌های پیچیده‌ای که برای آینه‌ها و نقاشی‌ها ساخته می‌شد، که در گچ و اغلب طلاکاری شده بودند. و استفاده از فرم های گیاهی (انگور، برگ، گل) در طرح های پیچیده در هم تنیده شده است. [22] مبلمان همچنین دارای انحناهای سیخ دار و طرح های گیاهی بودند. طراحان و صنعتگران برجسته مبلمان در این سبک عبارتند از Juste-Aurele Meissonier ، Charles Cressent و Nicolas Pineau . [23] [24]

سبک روکای تا اواسط قرن هجدهم در فرانسه دوام آورد، و در حالی که خمیده تر و گیاهی تر شد، هرگز به شکوه و نشاط روکوکو در باواریا، اتریش و ایتالیا دست یافت. اکتشافات آثار باستانی رومی که در سال 1738 در هرکولانیوم و به ویژه در پمپئی در سال 1748 آغاز شد، معماری فرانسه را به سمت نئوکلاسیکیسم متقارن تر و کمتر پر زرق و برق تبدیل کرد .

ایتالیا

هنرمندان ایتالیایی، به ویژه ونیز ، نیز سبک روکوکو را تولید کردند. کمدهای ونیزی خطوط منحنی و تزئینات حکاکی شده روکای فرانسوی را تقلید می کردند، اما با تنوع ونیزی خاصی. این قطعات اغلب با مناظر یا گل‌ها یا صحنه‌هایی از گاردی یا نقاشان دیگر، یا چینواسری ، در پس‌زمینه‌ای آبی یا سبز رنگ می‌شدند که با رنگ‌های مکتب نقاشان ونیزی که آثارشان سالن‌ها را تزئین می‌کرد، مطابقت داشت. نقاشان برجسته تزئینی عبارتند از: جووانی باتیستا تیپولو ، که سقف ها و نقاشی های دیواری کلیساها و کاخ ها را نقاشی می کرد، و جیووانی باتیستا کروساتو که سقف سالن رقص Ca' Rezzonico را به روش چهارتایی نقاشی کرد و توهم سه بعدی را به وجود آورد. تیپولو در طی سال‌های 1752 تا 1754 به همراه پسرش به آلمان سفر کرد و سقف‌های اقامتگاه وورزبورگ ، یکی از بناهای مهم روکوکوی باواریا را تزئین کرد. یکی از نقاشان مشهور ونیزی ، جووانی باتیستا پیاتزتا بود که چندین سقف کلیسا را ​​نقاشی کرد. [25]

روکوکو ونیزی همچنین دارای ظروف شیشه ای استثنایی، به ویژه شیشه مورانو ، اغلب حکاکی شده و رنگی بود که به سراسر اروپا صادر می شد. آثار شامل لوسترها و آینه های چند رنگ با قاب های بسیار پرآذین بود. [25]

آلمان جنوبی

در ساخت و ساز کلیسا، به ویژه در منطقه جنوب آلمان - اتریش، گاهی اوقات به دلایل عملی، خلاقیت های فضایی غول پیکر ایجاد می شود، که با این حال، یادگاری به نظر نمی رسد، اما با تلفیقی منحصر به فرد از معماری، نقاشی، گچ کاری و غیره مشخص می شود. اغلب مرزهای بین ژانرهای هنری را حذف می کنند و با بی وزنی پر نور، شادی جشن و حرکت مشخص می شوند. سبک تزئینی روکوکو از دهه 1730 تا 1770 در جنوب آلمان و اتریش به اوج خود رسید. در آنجا تا به امروز بر چشم انداز کلیسا تسلط دارد و عمیقاً در فرهنگ عامه در آنجا لنگر انداخته است. اولین بار از فرانسه از طریق انتشارات و آثار معماران و دکوراتورهای فرانسوی، از جمله مجسمه‌ساز کلود سوم آدران ، طراح داخلی ژیل ماری اوپنورد ، معمار ژرمن بافراند ، مجسمه‌ساز ژان موندون، و پیر لپاوت، نقشه‌کش و حکاک، از فرانسه معرفی شد . آثار آنها تأثیر مهمی بر سبک روکوکو آلمانی گذاشت، اما به سطح ساختمان های جنوب آلمان نمی رسد. [26]

معماران آلمانی سبک روکوکو را تطبیق دادند، اما آن را بسیار نامتقارن‌تر و پر از تزئینات آراسته‌تر از سبک اصلی فرانسوی ساختند. ویژگی سبک آلمانی انفجار فرم هایی بود که به پایین دیوارها می ریختند. این شامل قالب‌هایی بود که به صورت منحنی‌ها و منحنی‌های متضاد، الگوهای پیچشی و چرخشی، سقف‌ها و دیوارها بدون زاویه راست، و شاخ و برگ‌های گچبری شکل گرفته بود که به نظر می‌رسید از دیوارها و سقف بالا می‌رفتند. تزئینات اغلب طلاکاری یا نقره‌کاری می‌شد تا با دیوارهای پاستلی سفید یا کم‌رنگ تضاد ایجاد کند. [27]

معمار و طراح بلژیکی الاصل فرانسوا د کوویلیس یکی از اولین کسانی بود که ساختمانی روکوکو در آلمان با غرفه آمالینبورگ در مونیخ (1734-1739) با الهام از غرفه های تریانون و مارلی در فرانسه ایجاد کرد. این بنا به عنوان یک شکارگاه ساخته شده بود که در پشت بام سکویی برای تیراندازی قرقاول ها قرار داشت. تالار آینه در فضای داخلی، توسط نقاش و مجسمه‌ساز گچبری، یوهان باپتیست زیمرمان ، بسیار باشکوه‌تر از روکوکوهای فرانسوی بود. [28]

یکی دیگر از نمونه های قابل توجه روکوکوی اولیه آلمانی، اقامتگاه وورزبورگ (1737-1744) است که توسط بالتاسار نویمان برای شاهزاده اسقف یوهان فیلیپ فرانتس فون شونبورن وورزبورگ ساخته شد . نویمان به پاریس سفر کرده بود و با هنرمندان تزئینی روکای فرانسوی ژرمن بافراند و روبر د کوت مشورت کرد . در حالی که نمای بیرونی بیشتر به سبک باروک بود، فضای داخلی، به ویژه راه پله ها و سقف، بسیار سبک تر و تزئینی بود. شاهزاده اسقف، نقاش ایتالیایی روکوکو، جیووانی باتیستا تیپولو را در سال‌های 1750 تا 1753 برای ایجاد یک نقاشی دیواری بر بالای پلکان تشریفاتی سه طبقه وارد کرد. [29] [30] [31] نیومن فضای داخلی اقامتگاه را به عنوان "تئاتر نور" توصیف کرد. پلکان همچنین عنصر مرکزی اقامتگاه نویمان بود که در کاخ آگوستوسبورگ در برول (1743-1748) ساخته شد. در آن ساختمان، راه پله بازدیدکنندگان را از طریق فانتزی گچ بری از نقاشی ها، مجسمه ها، آهن کاری ها و تزئینات، با مناظر شگفت انگیز در هر نقطه هدایت می کرد. [29]

در دهه‌های 1740 و 1750، تعدادی کلیسای زیارتی قابل توجه در بایرن ساخته شد که فضای داخلی آن به گونه‌ای متمایز از سبک روکوکو تزئین شده بود. یکی از برجسته ترین نمونه ها ویسکیرشه (1745-1754) است که توسط دومینیکوس زیمرمن طراحی شده است . مانند بسیاری از کلیساهای زیارتی باواریا، نمای بیرونی آن بسیار ساده است، با دیوارهای پاستلی و تزئینات کمی. با ورود به کلیسا، بازدیدکننده با تئاتر شگفت انگیز حرکت و نور روبرو می شود. این بنا دارای یک محراب بیضی شکل است، و یک اتاقک به همین شکل که کلیسا را ​​از هر طرف با نور پر می کند. دیوارهای سفید در تضاد با ستون‌های گچبری آبی و صورتی در گروه کر، و سقف گنبدی شکل که توسط فرشتگان گچی در زیر گنبدی احاطه شده بود که آسمان‌ها را مملو از مجسمه‌های رنگارنگ کتاب مقدس نشان می‌داد. دیگر کلیساهای زیارتی قابل توجه عبارتند از کلیسای چهارده یاری مقدس اثر بالتاسار نویمان (1743 - 1772). [32] [33]

یوهان مایکل فیشر معمار ابی Ottobeuren (1748 - 1766)، یکی دیگر از مکان‌های دیدنی روکوکو باواریا بود. این کلیسا مانند بسیاری از معماری های روکوکو در آلمان، تضاد قابل توجهی بین منظم بودن نما و تزئینات بیش از حد در فضای داخلی دارد. [29]

بریتانیا

در بریتانیای کبیر، روکوکو "طعم فرانسوی" نامیده می شد و تأثیر کمتری بر طراحی و هنرهای تزئینی نسبت به اروپای قاره ای داشت، اگرچه تأثیر آن در زمینه هایی مانند نقره کاری، چینی و ابریشم احساس می شد. ویلیام هوگارث به ایجاد یک پایه نظری برای زیبایی روکوکو کمک کرد. اگرچه نام روکوکو را ذکر نکرد، اما در تحلیل زیبایی (1753) استدلال کرد که خطوط مواج و منحنی‌های S برجسته در روکوکو اساس زیبایی و ظرافت در هنر یا طبیعت هستند (برخلاف خط مستقیم یا دایره در کلاسیکیسم ). . [34]

روکوکو در رسیدن به انگلستان کند بود. قبل از ورود به روکوکو، مبلمان بریتانیایی برای مدتی از مدل نئوکلاسیک پالادین زیر نظر طراح ویلیام کنت پیروی می‌کردند که برای لرد برلینگتون و دیگر حامیان مهم هنر طراحی می‌کرد. کنت بین سال‌های 1712 تا 1720 با لرد برلینگتون به ایتالیا سفر کرد و مدل‌ها و ایده‌های زیادی را از پالادیو آورد. او مبلمان را برای کاخ همپتون کورت (1732)، خانه چیسویک لرد برلینگتون (1729)، لندن، تالار هولخام توماس کوک ، نورفولک، تالار هاتون رابرت والپول ، خانه دوونشایر در لندن و خانه روشم طراحی کرد . [23]

ماهون در حدود سال 1720 در انگلستان ظاهر شد و بلافاصله برای مبلمان همراه با چوب گردو محبوبیت پیدا کرد . روکوکو بین سال‌های 1740 تا 1750 در انگلستان ظاهر شد. مبلمان توماس چیپندیل نزدیک‌ترین مبلمان به سبک روکوکو بود، در سال 1754 او "دایرکتوری آقایان و کابینت‌سازان" را منتشر کرد، کاتالوگی از طرح‌های روکوکو، شینیون و چینی‌آرایی. حتی مبلمان گوتیک که به محبوبیت زیادی دست یافت و سه نسخه را پشت سر گذاشت. بر خلاف طراحان فرانسوی، چیپندیل از خیاطی یا منبت در مبلمان خود استفاده نمی کرد. طراحان اصلی مبلمان منبت کاری شده ویل و کاب، کابینت سازان پادشاه جورج سوم بودند . یکی دیگر از چهره های مهم در مبلمان بریتانیا توماس جانسون بود که در سال 1761، در اواخر آن دوره، کاتالوگی از طرح های مبلمان روکوکو را منتشر کرد. اینها شامل اثاثیه‌ای بر اساس نقوش چینی و هندی نسبتاً خارق‌العاده است، از جمله یک تخت سایبان که توسط یک بتکده چینی (اکنون در موزه ویکتوریا و آلبرت ) تاج‌گذاری شده است. [25]

از دیگر چهره های قابل توجه در روکوکو بریتانیا می توان به چارلز فردریش کندلر نقره ساز اشاره کرد.

روسیه

کلیسای بزرگ کاخ زمستانی امروزه تزئینات روکوکوی اصلی خود را حفظ کرده است. گنبد پیاز بالای آن یکی از معدود امتیازاتی است که به معماری قدیمی روسی داده شده است که از نمای بیرونی قابل مشاهده است. نقاشی ادوارد هاو .

سبک روکوکو روسی تا حد زیادی توسط امپراطور الیزابت و کاترین کبیر [ نیاز به نقل از منبع ] ، در طول قرن هجدهم توسط معماران درباری مانند فرانچسکو بارتولومئو راسترلی معرفی شد .

آثار رسترلی در کاخ‌هایی مانند کاخ زمستانی در سن پترزبورگ و کاخ کاترین در تزارسکویه سلو ویژگی‌های بسیاری از معماری روکوکو اروپای غربی از جمله اتاق‌های بزرگ تزئین شده با ورق‌های طلا، آینه‌ها و پنجره‌های بزرگ برای نور طبیعی در فضای داخلی و نرم را در خود جای داده است. رنگ‌های پاستلی قاب‌بندی شده با پنجره‌های بزرگ کلاه‌دار و قرنیزهایی در نمای بیرونی با نقوش روکایل مانند صدف‌ها و سنگ‌های نامتقارن. [35] Plafonds اغلب دارای طومارهای روکوکو در اطراف نقاشی های تمثیلی از خدایان و الهه های یونان و روم باستان بودند. [36] کف اغلب با طرح های پارکت ساخته شده از چوب های مختلف برای ایجاد طرح های استادانه در کارهای چوبی منبت کاری می شد.

معماری کلیساهای ارتدکس روسی نیز در طول قرن هجدهم به شدت تحت تأثیر طرح های روکوکو قرار گرفت، که اغلب دارای طرح صلیب یونانی مربع با چهار بال مساوی بود. نمای بیرونی با رنگ های پاستلی روشن مانند آبی و صورتی رنگ می شد و برج های ناقوس اغلب با گنبدهای پیازی طلاکاری شده پوشانده می شدند. [37]

فردریک روکوکو

فردریک کبیر ، از یوهان اچ سی فرانکه، حدود 1781

روکوکوی فردریکی شکلی از روکوکو است که در پروس در دوران سلطنت فردریک بزرگ و ترکیبی از تأثیرات فرانسه، آلمان (به ویژه زاکسن ) و هلند توسعه یافت . [38] مشهورترین طرفدار آن معمار گئورگ ونزسلاو فون کنوبلسدورف بود . علاوه بر این، نقاش Antoine Pesne و حتی خود پادشاه فردریک بر طرح های Knobelsdorff تأثیر گذاشتند. ساختمان‌های معروف به سبک فردریک شامل کاخ سانسوچی ، [39] کاخ شهر پوتسدام و بخش‌هایی از کاخ شارلوتنبورگ است .

زوال و پایان

مقایسه بین حکاکی قرن 18 توسط ژاک دو لاژو , دهانه کاسه گل روکوکو . و یک دهانه کاسه گل رومی قرن اول که دقیقاً به شکل گلدان باغ سنگی نئوکلاسیک است.

هنر فرانسوا بوچر و دیگر نقاشان آن دوره، با تأکید بر اسطوره‌شناسی تزئینی و غرورآفرینی، به زودی واکنش‌ها و مطالبه مضامین «اصیل‌تر» را برانگیخت. در حالی که روکوکو در آلمان و اتریش ادامه داشت، آکادمی فرانسوی در رم شروع به آموزش سبک کلاسیک کرد. این امر با نامزدی ژان فرانسوا دو تروی به عنوان مدیر آکادمی در سال 1738 و سپس در سال 1751 توسط چارلز-ژوزف ناتوآر تأیید شد .

مادام دو پومپادور ، معشوقه لویی پانزدهم به افول سبک روکوکو کمک کرد. در سال 1750، او برادرش، آبل فرانسوا پواسون دو وندیر ، را برای یک مأموریت دو ساله برای مطالعه تحولات هنری و باستان‌شناسی در ایتالیا فرستاد. چندین هنرمند از جمله حکاکی چارلز نیکلاس کوچین و معمار سوفلوت او را همراهی می کردند . آنها با اشتیاق به هنر کلاسیک به پاریس بازگشتند. وندیر مارکیز ماریگنی شد و به عنوان مدیر کل ساختمان های پادشاه منصوب شد . او معماری رسمی فرانسه را به نئوکلاسیک تبدیل کرد. کوچین به یک منتقد هنری مهم تبدیل شد. او سبک کوچک بوچر را محکوم کرد و خواستار سبکی باشکوه با تاکید جدید بر قدمت و اشراف در آکادمی های نقاشی و معماری شد. [40]

آغاز پایان روکوکو در اوایل دهه 1760 بود زیرا چهره هایی مانند ولتر و ژاک فرانسوا بلوندل شروع به بیان انتقادات خود از سطحی بودن و انحطاط هنر کردند. بلوندل از ترکیب مضحک صدف، اژدها، نی، درختان نخل و گیاهان در فضای داخلی معاصر انتقاد کرد. [41]

در سال 1785، روکوکو در فرانسه از مد افتاده بود و نظم و جدیت هنرمندان نئوکلاسیک مانند ژاک لوئیس دیوید جایگزین آن شد . در آلمان، روکوکوی اواخر قرن هجدهم به عنوان Zopf und Perücke ("دم خوکچه و periwig") مورد تمسخر قرار گرفت، و این مرحله گاهی اوقات به عنوان Zopfstil نامیده می شود . روکوکو در برخی از ایالت های استانی آلمان و در ایتالیا محبوبیت خود را حفظ کرد تا اینکه مرحله دوم نئوکلاسیک، " سبک امپراتوری " با دولت های ناپلئونی رسید و روکوکو را از بین برد.

مبلمان و دکوراسیون

سبک تزئینی به نام روکای در فرانسه بین سال‌های 1710 و 1750، بیشتر در دوران سلطنت و سلطنت لویی پانزدهم پدیدار شد . به این سبک لویی کوئینز نیز می گفتند . ویژگی های اصلی آن جزئیات زیبا، منحنی ها و منحنی های متضاد، عدم تقارن، و شور و نشاط نمایشی بود. روی دیوارهای سالن‌های جدید پاریس، طرح‌های پیچ در پیچ، که معمولاً از گچ بری‌های طلاکاری شده یا رنگ‌آمیزی ساخته شده‌اند، دور درها و آینه‌ها مانند تاک‌ها پیچیده شده‌اند. یکی از اولین نمونه ها هتل سوبیس در پاریس (1704-1705) با سالن معروف بیضی شکل آن بود که با نقاشی های بوچر و چارلز-ژوزف ناتوآر تزئین شده بود . [42]

شناخته شده ترین طراح مبلمان فرانسوی در آن دوره Juste-Aurèle Meissonnier (1695 - 1750) بود که یک مجسمه ساز و نقاش نیز بود. و زرگری برای خاندان سلطنتی. او عنوان طراح رسمی اتاق و کابینه لویی پانزدهم را داشت. امروزه کار او به دلیل تعداد بسیار زیاد حکاکی‌های ساخته شده از آثار او که این سبک را در سراسر اروپا رایج کرده است، به خوبی شناخته شده است. او آثاری را برای خانواده های سلطنتی ساکسونی و پرتغال طراحی کرد .

ایتالیا مکانی دیگری بود که روکوکو چه در مراحل اولیه و چه در مراحل بعدی آن شکوفا شد. صنعتگران در رم، میلان و ونیز همگی مبلمان و اقلام تزیینی با تزئینات مجلل تولید می کردند.

تزئینات حجاری شده شامل فلورت، نخل، صدف دریایی و شاخ و برگ حکاکی شده در چوب بود. عجیب‌ترین شکل‌های روکیل در کنسول‌ها ، میزهایی که برای ایستادن در برابر دیوار طراحی شده‌اند، یافت شد. Commodes یا صندوقچه ها ، که برای اولین بار در زمان لوئی چهاردهم ظاهر شد، با تزئینات روکای ساخته شده از برنز طلاکاری شده تزئین شده بودند. آنها توسط صنعتگران چیره دستی از جمله ژان پیر لاتز ساخته شدند و همچنین دارای خیاطی از چوب های رنگارنگ مختلف بودند که گاهی در طرح های مکعبی تخته کشی قرار می گرفتند و با چوب های روشن و تیره ساخته می شدند. این دوره همچنین شاهد ورود Chinoiserie بود که اغلب به شکل کمدهای لاکی و طلاکاری شده به نام شاهین دو چین از Vernis Martin نامیده می شد ، به نام ebenist که این تکنیک را به فرانسه معرفی کرد. اورمولو یا برنز طلاکاری شده توسط استادکاران از جمله ژان پیر لاتز استفاده می شد . لاتز برای کاخ فردریک کبیر در پوتسدام ساعت مخصوصاً پرآذینی را بر روی کارتنی نصب کرد [ توضیحات لازم ] . قطعات چینی وارداتی اغلب در تنظیمات روکوکوی ormolu (برنز طلاکاری شده) برای نمایش روی میزها یا کنسول ها در سالن ها نصب می شدند. سایر صنعتگران از مبلمان لاکی ژاپنی تقلید کردند و کمودهایی با نقوش ژاپنی تولید کردند. [18]

روکوکوی بریتانیایی تمایل بیشتری به خودداری داشت. طرح‌های مبلمان توماس چیپندیل منحنی‌ها و احساس را حفظ می‌کردند، اما از اوج هوی و هوس فرانسوی کوتاهی کردند. موفق ترین نماینده روکوکوی بریتانیایی احتمالا توماس جانسون ، یک منبت کار با استعداد و طراح مبلمان بود که در اواسط قرن هجدهم در لندن کار می کرد.

نقاشی

عناصر سبک روکای در آثار برخی از نقاشان فرانسوی ظاهر شد، از جمله ذوق زیبایی در جزئیات. منحنی ها و منحنی های متقابل؛ و عدم تقارن که حرکت باروک را با شور و نشاط جایگزین کرد، اگرچه روکای فرانسوی هرگز به ولخرجی روکوکو آلمانی نرسید. [43] طرفدار اصلی آنتوان واتو بود ، به ویژه در سوار شدن برای سیترا (1717)، لوور ، در ژانری به نام Fête galante که صحنه هایی از نجیب زادگان جوان را برای جشن گرفتن در یک محیط شبانی به تصویر می کشد. واتو در سال 1721 در سن سی و هفت سالگی درگذشت، اما اثر او تا پایان قرن ادامه یافت. نسخه ای از نقاشی واتو با عنوان زیارت سیترا توسط فردریک کبیر پروس در سال 1752 یا 1765 برای تزئین کاخ شارلوتنبورگ در برلین خریداری شد . [43]

جانشین Watteau و Féte Galante در نقاشی تزئینی فرانسوا بوچر (1703 - 1770) نقاش مورد علاقه مادام دو پمپادور بود . کارهای او شامل Toilette de Venus (1746) بود که به یکی از شناخته شده ترین نمونه های این سبک تبدیل شد. بوچر در تمام ژانرهای آن زمان، طراحی ملیله، مدل‌هایی برای مجسمه‌های چینی، دکورهای دکور اپرای پاریس و اپرا-کمیک ، و دکور نمایشگاه سن لوران شرکت داشت . [44] دیگر نقاشان مهم سبک Fête Galante عبارتند از Nicolas Lancret و Jean-Baptiste Pater . این سبک به ویژه بر فرانسوا لموین تأثیر گذاشت که تزئینات مجلل سقف سالن هرکول در کاخ ورسای را که در سال 1735 تکمیل شد، نقاشی کرد . جوزف ناتوآر سالن معروف هتل سوبیس در پاریس را تزئین کرد (1735 - 1740). [44] دیگر نقاشان روکوکو عبارتند از: ژان فرانسوا دو تروی (1679 - 1752)، ژان باپتیست ون لو (1685 - 1745)، دو پسر او لوئیس میشل ون لو (1707 - 1771) و چارلز-امده فیلیپ ون لو. (1719 - 1795)، برادر کوچکترش چارلز آندره ون لو (1705 - 1765)، نیکلاس لانکرت (1690 - 1743) و ژان اونوره فراگونارد (1732 - 1806).

در اتریش و جنوب آلمان، نقاشی ایتالیایی بیشترین تأثیر را بر سبک روکوکو داشت. نقاش ونیزی، جووانی باتیستا تیپولو ، به کمک پسرش، جووانی دومنیکو تیپولو ، برای نقاشی دیواری برای اقامتگاه وورزبورگ (1720-1744) دعوت شد . برجسته ترین نقاش کلیساهای روکوکوی باواریا ، یوهان باپتیست زیمرمان بود که سقف ویسکیرچه (1745-1754) را نقاشی کرد.

مجسمه سازی

مجسمه روکوکو نمایشی، حسی و پویا بود و حس حرکت را در هر جهت می داد. بیشتر در فضای داخلی کلیساها یافت می شد که معمولاً با نقاشی و معماری ادغام می شد. مجسمه‌سازی مذهبی از سبک باروک ایتالیایی پیروی می‌کند، که نمونه آن در محراب تئاتری کارلسکیرچه در وین است.

مجسمه‌سازی روکوکو یا روکای اولیه در فرانسه، سبک‌تر بود و حرکت بیشتری نسبت به سبک کلاسیک لویی چهاردهم داشت. به ویژه توسط مادام دو پومپادور ، معشوقه لویی پانزدهم، که کارهای زیادی را برای قلعه ها و باغ های خود سفارش داد، تشویق شد . مجسمه ساز Edmé Bouchardon نماینده کوپید بود که مشغول کندن دارت های عشق خود از باشگاه هرکول بود . چهره‌های روکوکو فواره‌های بعدی ورسای مانند فواره نپتون اثر لامبرت-سیگیسبرت آدام و نیکلاس-سباستین آدام (1740) را نیز شلوغ کردند. بر اساس موفقیت آنها در ورسای، آنها توسط فردریک کبیر به پروس دعوت شدند تا مجسمه فواره ای برای پارک Sanssouci ، پروس (دهه 1740) ایجاد کنند. [45]

اتین موریس فالکونه (1716 - 1791) یکی دیگر از مجسمه‌سازان برجسته فرانسوی در این دوره بود. فالکونت بیشتر به خاطر مجسمه سوارکار برنزی خود از پیتر کبیر در سن پترزبورگ معروف بود، اما او همچنین مجموعه ای از آثار کوچکتر را برای مجموعه داران ثروتمند خلق کرد که می توانستند در یک مجموعه در سفال یا برنز ریخته شوند. مجسمه سازان فرانسوی، ژان لوئیس لمون ، ژان باپتیست لموین ، لویی سیمون بویزوت ، میشل کلودیون ، لامبرت سیگیسبرت آدام و ژان باپتیست پیگال همگی مجسمه هایی را به صورت مجموعه ای برای کلکسیونرها تولید کردند. [46]

در ایتالیا، آنتونیو کورادینی از مجسمه سازان برجسته سبک روکوکو بود. او که یک ونیزی بود، به دور اروپا سفر کرد و برای پیتر کبیر در سن پترزبورگ، برای دادگاه‌ها در اتریش و ناپل کار کرد . او مضامین احساساتی را ترجیح می داد و چندین اثر ماهرانه از زنان با چهره های پوشیده از حجاب ساخت که یکی از آنها اکنون در موزه لوور است . [47]

استادانه‌ترین نمونه‌های مجسمه‌سازی روکوکو در اسپانیا، اتریش و جنوب آلمان در تزئین کاخ‌ها و کلیساها یافت شد. مجسمه از نزدیک با معماری ادغام شد. غیرممکن بود که بفهمیم یکی از کجا متوقف شد و دیگری شروع شد. در کاخ Belvedere در وین، (1721-1721)، سقف طاق‌دار تالار آتلانتیس بر روی شانه‌های پیکره‌های عضلانی طراحی شده توسط یوهان لوکاس فون هیلدبرانت بالا گرفته شده است . درگاه کاخ Marqués de Dos Aguas در والنسیا (1715 - 1776) به طور کامل با مجسمه های حک شده در سنگ مرمر، از طرح های Hipolito Rovira Brocandel آغشته شده بود. [48]

محراب ال ترانسپارنت ، در کلیسای بزرگ کلیسای جامع تولدو، مجسمه ای بلند از سنگ مرمر چند رنگ و گچ بری طلاکاری شده است که با نقاشی ها، مجسمه ها و نمادها ترکیب شده است. توسط Narciso Tomé (1721 - 1732) ساخته شد ، طراحی آن اجازه عبور نور را می دهد و در تغییر نور به نظر می رسد که حرکت می کند. [49]

چینی

شکل جدیدی از مجسمه سازی در مقیاس کوچک ظاهر شد، پیکره چینی یا گروه کوچکی از پیکره ها، که در ابتدا جایگزین مجسمه های شکری روی میزهای بزرگ ناهارخوری شد، اما به زودی برای قرار دادن روی شومینه ها و مبلمان محبوبیت یافت. تعداد کارخانه‌های اروپایی در طول قرن به طور پیوسته افزایش یافت و برخی از آنها ظروف چینی می‌ساختند که طبقات متوسط ​​رو به رشد توانایی خرید آن را داشتند. میزان تزیین لعاب رنگارنگ به کار رفته روی آنها نیز افزایش یافت. آنها معمولاً توسط هنرمندانی که در مجسمه سازی آموزش دیده بودند الگوبرداری می شدند. موضوعات رایج شامل چهره هایی از کمدیا دل آرته ، فروشندگان خیابانی شهر، عاشقان و چهره هایی با لباس های مد روز و جفت پرندگان بود.

یوهان یواخیم کندلر مهمترین مدل ساز چینی مایسن ، اولین کارخانه اروپایی بود که تا حدود سال 1760 مهم ترین کارخانه باقی ماند . که در سراسر اروپا فروخته شد. مجسمه ساز فرانسوی اتین موریس فالکونه (1716 - 1791) از این مثال پیروی کرد. او در حالی که کارهای بزرگی هم می ساخت، مدیر کارخانه چینی سِور شد و آثاری در مقیاس کوچک، معمولاً درباره عشق و شادی، برای تولید سریال تولید کرد.

موسیقی

یک دوره روکوکو در تاریخ موسیقی وجود داشت ، اگرچه به اندازه باروک اولیه و فرم های کلاسیک بعدی شناخته شده نیست. خود سبک موسیقی روکوکو هم در فرانسه از موسیقی باروک توسعه یافت، جایی که سبک جدید به عنوان سبک گالانت (سبک "گالانت" یا "زیبا") شناخته می شد، و هم در آلمان، جایی که به عنوان empfindsamer Stil ("حساس") نامیده می شد. سبک"). می توان آن را به عنوان موسیقی سبک و صمیمی با اشکال بسیار استادانه و زیبا از تزئینات مشخص کرد . نمونه های آن عبارتند از : ژان فیلیپ رامو ، لویی کلود داکوین و فرانسوا کوپرین در فرانسه. در آلمان، طرفداران اصلی این سبک CPE باخ و یوهان کریستین باخ ، دو پسر JS باخ بودند .

در نیمه دوم قرن هجدهم، واکنشی علیه سبک روکوکو، عمدتاً در برابر استفاده بیش از حد تصور شده از تزئینات و تزئینات رخ داد. این واکنش به رهبری کریستوف ویلیبالد گلوک ، عصر کلاسیک را آغاز کرد . در اوایل قرن نوزدهم، عقاید کاتولیک مخالف مناسب بودن این سبک برای زمینه‌های کلیسایی بود، زیرا "به هیچ وجه برای احساسات فداکاری مفید نبود". [50]

پیوتر ایلیچ چایکوفسکی، آهنگساز روسی دوران رمانتیک، « تغییرها در تم روکوکو» را نوشت . 33، برای ویولنسل و ارکستر در سال 1877. اگرچه موضوع اصلی آن روکوکو نیست، اما به سبک روکوکو نوشته شده است.

مد

لباس و کت و شلوار گونی، 1775–1780 V&A موزه شماره. T.180&A-1965

مد روکوکو بر اساس اسراف، ظرافت، ظرافت و دکوراسیون بود. مد زنان در قرن هفدهم با مد قرن هجدهم که آراسته و پیچیده بود، یعنی سبک واقعی روکوکو، در تضاد بود. [51] این مدها فراتر از دربار سلطنتی به سالن‌ها و کافه‌های بورژوازی پیشرو گسترش یافت. [52] سبک دکوراسیون و طراحی پرشور، بازیگوش و ظریفی که ما اکنون آن را «روکوکو» می نامیم، در آن زمان با نام های le style rocaille، le style moderne، le gout شناخته می شد. [53]

سبکی که در اوایل قرن هجدهم ظاهر شد، ردای ولانت بود ، [51] لباسی روان، که در اواخر سلطنت شاه لویی چهاردهم رایج شد. این لباس مجلسی دارای ویژگی‌های نیم تنه با چین‌های بزرگ بود که از پشت روی یک کتانی گرد به زمین می‌ریخت. پالت رنگ پارچه های غنی و تیره بود که با ویژگی های طراحی پیچیده و سنگین همراه بود. پس از مرگ لویی چهاردهم، سبک لباس شروع به تغییر کرد. مد به سبکی سبک تر و بیهوده تر تبدیل شد و از دوره باروک به سبک معروف روکوکو منتقل شد. [54] دوره‌های بعدی به خاطر رنگ‌های پاستلی، لباس‌های آشکارتر، و انبوهی از زوزه‌ها، پاپیون‌ها، پاپیون‌ها و توری‌ها به عنوان تزئینات معروف بود. مدت کوتاهی پس از معرفی لباس معمولی زنانه روکوکو، robe à la Française، [51] یک لباس مجلسی با اندام تنگ که دارای یقه کوتاهی بود، معمولاً با یک روبان بزرگ پاپیون در قسمت جلوی وسط، پنیرهای پهن، و به طرز مجللی تزئین شده بود. مقدار زیادی توری، روبان و گل.

چین‌های واتو [ 51] نیز محبوبیت بیشتری پیدا کردند، به نام نقاش ژان آنتوان واتو ، که جزئیات لباس‌ها را تا دوخت‌های توری و دیگر تزئینات با دقت بسیار زیاد نقاشی می‌کرد. بعداً، «پانیر» و «مانتوآ » در حدود سال 1718 مد شدند. آنها حلقه‌های پهنی زیر لباس بودند تا باسن را به طرف بیرون بکشند و خیلی زود به یکی از اصلی‌ترین لباس‌های رسمی تبدیل شدند. این به دوره روکوکو لباس نمادین باسن پهن همراه با مقدار زیادی تزئین روی لباس ها داد. پنیرهای پهن برای مناسبت‌های خاص پوشیده می‌شد و می‌توانست به قطر 16 فوت (4.9 متر) برسد، [55] و حلقه‌های کوچک‌تری برای تنظیمات روزمره می‌پوشیدند. این ویژگی ها در اصل از مد اسپانیایی قرن هفدهم، معروف به guardainfante ، در ابتدا برای پنهان کردن معده باردار طراحی شده بود، سپس بعداً دوباره به عنوان پانیری تصور شد. [55] 1745 با معرفی فرهنگ عجیب‌تر و شرقی‌تر در فرانسه به نام a la turque به عصر طلایی روکوکو تبدیل شد . [51] این توسط معشوقه لویی پانزدهم، مادام دو پمپادور ، محبوب شد ، که به هنرمند، چارلز آندره ون لو ، دستور داد تا او را به عنوان یک سلطان ترک نقاشی کند.

در دهه 1760، سبکی از لباس‌های کمتر رسمی پدیدار شد و یکی از این لباس‌ها پولونیز بود که از لهستان الهام گرفته بود. این لباس کوتاه‌تر از لباس فرانسوی بود و باعث می‌شد که زیر دامن و مچ پا دیده شود و همین امر باعث می‌شد که راحت‌تر حرکت کنید. یک ژاکت کوتاه، یقه های پهن و آستین بلند. [54] همچنین دارای نیم تنه‌ای نرم، دامن کامل بدون پنیر بود، اما در پشت کمی بلند بود تا یک قطار کوچک را تشکیل دهد، و اغلب نوعی دستمال توری که دور گردن می‌پوشیدند. قطعه دیگر «redingote» بود که در نیمه راه بین شنل و پالتو قرار داشت.

اکسسوری‌ها نیز در این دوران برای همه خانم‌ها مهم بودند، زیرا به مجلل و دکور بدن برای هماهنگی با لباس‌هایشان اضافه می‌کردند. در هر مراسم رسمی، خانم‌ها در صورتی که لباس‌هایشان بدون آستین بود، باید دست‌ها و بازوهای خود را با دستکش بپوشانند. [54]

ادبیات

در ادبیات این اصطلاح "به طور غیر مفید مبهم است، اما معمولاً سبکی شاد و صمیمیت لحن، و بازیگوشی ظریف را نشان می دهد." [5] ژانرهای اصلی ادبی روکوکو اشکال کوچکی بودند، مانند شعر سبک وابسته به عشق شهوانی ( فرانسوی : poésie légère یا poésie fugitive )، غزل ، مادریگال و ترانه های دیگر، شبانی ، دم پری، رمان ، اما برای مثال شعرهای روایی بلند نیز وجود داشت . ، شاهکار آلمانی زبان کریستوف مارتین ویلند اوبرون .

عمدتاً یک سبک ادبیات فرانسوی قرن هجدهم ، متاثر از مکتب پرسیوزس قرن هفدهم ، توسط آن کلود دو کایلوس ، نویسنده هنر عشق پی جی برنارد، الکساندر ماسون دو پزا (شعر روایی حمام کردن زلیس )، ابه ارائه شده است . de Favre (شعر Les quatre heures de la toilette des dames )، Évariste de Parny ، Jean-Baptiste Louvet de Couvray ، و نویسندگان دیگر. روکوکو همچنین در ایتالیا ( پائولو رولی ، پیترو متاستازیو ) و آلمان ( فریدریش فون هاگدورن ، یوهان ویلهلم لودویگ گلیم ، یوهان اوز ، یوهان نیکولاس گوتز )، [56] و تا حدی در زبان انگلیسی و روسی ( Ippolith Bogdan) پیروانی داشت. ) نوشته ها

گالری

معماری

حکاکی ها

نقاشی

نقاشی دوران روکوکو

همچنین ببینید

یادداشت ها و نقل قول ها

  1. ^ ab Hopkins 2014, p. 92.
  2. ^ دوچر 1988، ص. 136.
  3. ↑ «میز روکوکو». موزه ویکتوریا و آلبرت بایگانی شده از نسخه اصلی در 21 اکتبر 2018 . بازبینی شده در 20 اکتبر 2018 .
  4. ↑ «سبک روکوکو (طراحی)». دایره المعارف بریتانیکا آنلاین . بایگانی شده از نسخه اصلی در 28 اوت 2012 . بازبینی شده در 24 آوریل 2012 .
  5. ^ ab Baldick 2015.
  6. ^ بیلی 2014.
  7. ^ دیکشنری مریام-وبستر به صورت آنلاین
  8. ↑ مونیک واگنر، از گل تا دوگل: طرح کلی تمدن فرانسه. پیتر لانگ، 2005، ص. 139. شابک 0-8204-2277-0 
  9. ^ فرهنگ لغت لاروس به صورت آنلاین
  10. ↑ مرلین استوکستاد، ویرایش. تاریخ هنر. ویرایش 4 نیوجرسی: پرنتیس هال، 2005. چاپ.
  11. ^ د مورانت 1970، ص. 355.
  12. ↑ رنو 2006، ص. 66.
  13. ↑ «ریشه‌شناسی روکوکو» (به فرانسوی). Ortolong: سایت مرکز ملی منابع Textuelles et Lexicales . بازبینی شده در 12 ژانویه 2019 .
  14. ↑ رژیم باستانی روکوکو در 11 آوریل 2018 در Wayback Machine بایگانی شد . Bc.edu. بازبینی شده در 29/05/2011.
  15. ↑ «روکوکو (1700–1760)». HuntFor.com. 2007. بایگانی شده از نسخه اصلی در 7 اکتبر 2009 . بازبینی شده در 8 فوریه 2023 .{{cite web}}: CS1 maint: URL نامناسب ( پیوند )
  16. ↑ Graur 1970، صفحات 193-194.
  17. ^ Graur 1970, p. 194.
  18. ^ ab Ducher 1988, p. 144.
  19. ↑ Graur 1970, pp. 160-163.
  20. ^ Graur 1970, p. 192.
  21. ↑ Lovreglio، Aurélia and Anne, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art , Le Robert, Paris, 2006, p. 369
  22. ^ هاپکینز 2014، صفحات 92-93.
  23. ^ ab de Morant 1970, p. 382.
  24. ↑ کلینر، فرد (2010). هنر گاردنر در طول اعصار: دیدگاه غربی Cengage Learning. صص 583-584. شابک 978-0-495-57355-5. بازیابی شده در 21 فوریه 2011 .
  25. ^ abc de Morant 1970, p. 383.
  26. ^ د مورانت 1970، صفحات 354-355.
  27. ^ دوچر 1988، صفحات 150-153.
  28. ^ دوچر 1988، ص. 150.
  29. ^ abc Prina & Demartini 2006, pp. 222-223.
  30. ↑ «محل اقامت وورزبورگ». بایرن . بایگانی شده از نسخه اصلی در 30 اکتبر 2018.
  31. ^ فیلد، BM (2001). بزرگترین معماری جهان: گذشته و حال . Regency House Publishing Ltd.
  32. ^ دوچر 1988، ص. 152.
  33. ^ Cabanne 1988، صفحات 89-94.
  34. ↑ «تأثیر روکوکو در هنر بریتانیا – آدمک‌ها». آدمک ها . بازبینی شده در 23 ژوئن 2017 .
  35. ↑ «بیوگرافی راسترلی، فرانچسکو بارتولومئو در گالری وب هنر». www.wga.hu .
  36. ↑ «بارتولومئو فرانچسکو راسترلی». موزه ایالتی Tsarskoe Selo و سایت میراث .
  37. ↑ «معماری کلیسای ارتدکس روسیه». دانشگاه آبرن .
  38. ↑ Locker، Tobias (2017). "فریدریک روکوکو در خدمت امپراتوری آلمان: نمایشگاه جهانی پاریس 1900 و هنرهای تزئینی". ACTA ARTIS: Estudis d'Art Modern (4–5): 89–97. doi : 10.1344/actaartis.4-5.2017.19634 . ISSN  2014-1912.
  39. ^ مایکل شرف؛ هانس باخ؛ جوآن کلاف (2012). کاخ سانسوچی (ویرایش دوم). برلین. شابک 978-3-422-04036-6. OCLC  796240061.{{cite book}}: CS1 maint: مکان ناشر موجود نیست ( پیوند )
  40. ^ Cabanne 1988، ص. 106.
  41. ↑ "Die aufgerufene Seite existiert nicht auf dem server". UB هایدلبرگ . بایگانی شده از نسخه اصلی در 17 مارس 2020 . بازبینی شده در 8 آوریل 2013 .
  42. ^ Cabanne 1988، ص. 102.
  43. ^ abc Cabanne 1988, p. 98.
  44. ^ ab Cabanne 1988, p. 104.
  45. ↑ دوبی و داوال 2013، صفحات 789–791.
  46. ^ دوبی و داوال 2013، ص. 819.
  47. ↑ دوبی و داوال 2013، صفحات 781-832.
  48. ↑ دوبی و داوال 2013، صفحات 782-783.
  49. ↑ Duby & Daval 2013, pp. 802–803.
  50. ↑ Gietmann, G. (1912). "دایره المعارف کاتولیک: سبک روکوکو". ظهور جدید . رونویسی توسط ژرمانی، فروچیو . بازبینی شده در 8 فوریه 2023 .
  51. ^ abcde Fukui, A. & Suoh, T. (2012). مد: تاریخی از قرن 18 تا 20 .
  52. ↑ «باروک/روکوکو 1650–1800». تاریخچه لباس .
  53. ↑ Coffin, S. (2008). روکوکو: منحنی ادامه دار، 1730-2008 . نیویورک.{{cite book}}: CS1 maint: مکان ناشر موجود نیست ( پیوند )
  54. ↑ abc "انقلاب سبک ماری آنتوانت". نشنال جئوگرافیک . نوامبر 2016. بایگانی شده از نسخه اصلی در 1 آوریل 2017 . بازبینی شده در 22 آوریل 2018 .
  55. ^ ab Glasscock، J. "Silhouette and Support قرن هجدهم". موزه هنر متروپولیتن . بازبینی شده در 22 آوریل 2018 .
  56. ↑ ارمتینگر 1928.
  57. ↑ خوزه کامپچه (۱۷۹۶). «دونا ماریا د لس دولورس گوتیرز دل مازو و پرز». وب سایت موزه بروکلین نیویورک.

کتابشناسی

در ادامه مطلب

لینک های خارجی

در ویکی‌انبار رسانه‌هایی مربوط به معماری روکوکو موجود است .
در ویکی‌انبار رسانه‌هایی مربوط به هنر روکوکو موجود است .
روکوکو را در ویکی‌واژه، فرهنگ لغت رایگان جستجو کنید .