تئاتر یا خانه بازی سازه ای است که در آن آثار نمایشی ، هنرهای نمایشی و کنسرت های موسیقی ارائه می شود. ساختمان تئاتر در خدمت تعریف فضاهای اجرا و مخاطب است . این تسهیلات معمولاً به گونه‌ای سازماندهی می‌شود که مناطق پشتیبانی را برای اجراکنندگان، خدمه فنی و مخاطبان و همچنین صحنه‌ای که اجرا در آن برگزار می‌شود، فراهم کند.
به تعداد انواع تئاتر، انواع تئاتر وجود دارد. سالن‌ها ممکن است به طور خاص برای انواع خاصی از تولیدات ساخته شوند، ممکن است برای نیازهای عمومی‌تر اجرا خدمت کنند یا ممکن است برای استفاده به عنوان یک تئاتر اقتباس یا تبدیل شوند. آنها ممکن است از آمفی‌تئاترهای روباز گرفته تا سازه‌های پرآذین و کلیسای‌مانند تا اتاق‌های ساده و بدون تزئین یا تئاترهای جعبه سیاه متفاوت باشند . یک مرحله رانش و همچنین یک صحنه صحنه فقط چند نمونه دیگر از انبوه مراحلی است که نمایشنامه می تواند در آنها رخ دهد. تئاتری که برای اجرای اپرا استفاده می شود، خانه اپرا نامیده می شود . برای اجرا نیازی به تئاتر نیست (مانند تئاتر محیطی یا تئاتر خیابانی )، این مقاله در مورد سازه هایی است که به طور خاص برای اجرا استفاده می شوند. برخی از تئاترها ممکن است دارای یک منطقه بازیگری ثابت باشند (در بیشتر سالن‌ها به آن صحنه می‌گویند )، در حالی که برخی از سالن‌ها مانند تئاترهای جعبه سیاه دارای صندلی متحرک هستند که به تولید اجازه می‌دهد یک منطقه نمایش مناسب برای تولید ایجاد کند.
ساختمان یا سازه تئاتر شامل فضاهایی برای برگزاری یک رویداد یا اجرا است که معمولاً صحنه نامیده می شود و همچنین فضاهایی برای تماشاگران، کارکنان تئاتر، اجراکنندگان و خدمه قبل و بعد از رویداد. [1]
معمولاً دو ورودی اصلی ساختمان تئاتر وجود دارد. یکی در جلو است، توسط تماشاگران استفاده می شود، و به سالن خانه و فروش بلیط منتهی می شود. دومی درب صحنه نام دارد و از پشت صحنه قابل دسترسی است. اینجا جایی است که بازیگران و گروه وارد سالن تئاتر می شوند و از آن خارج می شوند و سنتی به نام «درب صحنه» وجود دارد که برخی از هواداران در آن شرکت می کنند که در آن طرفداران پس از نمایش بیرون از درب صحنه منتظر می مانند تا از بازیگران امضا بگیرند. .
فضای بازیگری یا اجرا صحنه است. در برخی از سالن‌های تئاتر مانند سالن‌های تئاتر ، سالن‌های تئاتر و آمفی‌تئاتر، این محوطه بخشی دائمی از سازه است. در برخی از تئاترها، به دلیل معمول رنگ آمیزی دیوارها و آویزان شدن دیوارها با پرده های سیاه، می توان فضای صحنه را تغییر داد و به طور خاص با یک اثر، که اغلب تئاتر جعبه سیاه نامیده می شود، تطبیق داد. [1]
معمولاً در ساختمانی که به طور خاص برای اجرا استفاده می شود، فضاهای خارج از صحنه وجود دارد که توسط مجریان و خدمه استفاده می شود. اینجا جایی است که وسایل ، دکورها و مناظر ذخیره می‌شوند و اجراکنندگان قبل از ورود به حالت آماده‌باش هستند. به این فضاهای خارج از صحنه، بال در دو طرف صحنه پیش‌نما می‌گویند. ممکن است جعبه اعلان در پشت صحنه پیدا شود. در آمفی‌تئاتر، ممکن است منطقه‌ای در پشت صحنه برای چنین استفاده‌هایی در نظر گرفته شود، در حالی که تئاتر بلک‌باکس ممکن است فضاهایی خارج از تئاتر واقعی برای چنین کاربری‌هایی داشته باشد.
اغلب یک تئاتر فضاهای دیگری را که برای اجراکنندگان و سایر پرسنل در نظر گرفته شده است، در خود جای می دهد. یک غرفه رو به صحنه ممکن است در خانه تعبیه شود که در آن پرسنل نورپردازی و صدا می توانند نمایش را ببینند و سازهای مربوطه خود را اجرا کنند. اتاق‌های دیگر ساختمان ممکن است برای اتاق‌های رختکن، اتاق‌های تمرین، فضاهایی برای ساخت دکور، وسایل و لباس‌ها و همچنین انبار استفاده شوند.
همه تئاترها فضایی را برای تماشاگر فراهم می کنند. در یک سالن نمایش با صندلی ثابت، تماشاگران اغلب با طاق پیشانی از اجراکنندگان جدا می شوند. در سالن‌های تئاتر و آمفی‌تئاتر ، طاق پیش‌سنیوم، مانند صحنه، از ویژگی‌های دائمی سازه است. این منطقه به عنوان سالن یا خانه شناخته می شود. [2]
قسمت های نشستن می تواند شامل برخی یا همه موارد زیر باشد:
ساختمان‌های تئاتر یونانی « تئاترون» («مکان دیدن») نامیده می‌شوند . تئاترها سازه های بزرگ و روبازی بودند که در دامنه تپه ها ساخته شده بودند. معروف ترین تئاتر یونانی در فضای باز، تئاتر گلوب بود که در آن بسیاری از نمایشنامه های شکسپیر اجرا می شد. آنها از سه عنصر اصلی تشکیل شده بودند: ارکستر ، صحنه و تماشاگر.
مرکز تئاتر ، ارکستر یا "محل رقص"، یک منطقه دایره ای یا مستطیلی بزرگ بود. ارکستر محل اجرای کرال، مراسم مذهبی و احتمالاً بازیگری بود. یک محراب در وسط ارکستر قرار داشت. در آتن، محراب به دیونیسوس ، خدای شراب و تئاتر تقدیم شد.
پشت ارکستر ساختمان مستطیل شکل بزرگی به نام اسکنه (به معنی خیمه یا کلبه) قرار داشت.[1] از آن به عنوان یک منطقه "پشت صحنه" استفاده می شد که بازیگران می توانستند لباس ها و ماسک های خود را عوض کنند، اما همچنین برای نشان دادن مکان نمایش ها، که معمولا در مقابل یک قصر یا خانه قرار می گرفتند، استفاده می شد. به طور معمول، دو یا سه در در صحنه وجود داشت که به ارکستر منتهی می شد و بازیگران می توانستند از آن وارد و خارج شوند. در ابتدا، اسکله به معنای واقعی کلمه یک خیمه یا کلبه بود که برای جشن مذهبی برپا می شد و پس از اتمام آن پایین می رفت. بعدها اسکنه به یک سازه سنگی دائمی تبدیل شد. این سازه‌ها گاهی اوقات برای استفاده به عنوان پس‌زمینه نقاشی می‌شدند، از این رو کلمه انگلیسی مناظر به کار می‌رود . معبدی در نزدیکی، به ویژه در سمت راست صحنه، تقریباً همیشه بخشی از مجموعه تئاتر یونان است، که می‌تواند به عنوان جابه‌جایی، تکرار پدیمان را با صحنه‌ی سنگی متأخرتر توجیه کند. [3]
ممکن است در جلوی صحنه، یک منطقه بازیگری برجسته به نام پروسکنیون وجود داشته باشد ، که جد صحنه‌ی پروسنیوم مدرن است . اعتقاد بر این است که بازیگران (برخلاف گروه کر) به طور کامل بر روی پروسکنیون عمل کرده اند ، اما این قطعی نیست.
برخاسته از دایره ارکستر حضار بودند. حضار روی نیمکت هایی که در کنار تپه ساخته شده بودند، می نشستند. بنابراین، تئاترهای یونانی فقط بر روی تپه هایی ساخته می شدند که شکل درستی داشتند. یک تئاتر معمولی بسیار بزرگ بود و می توانست حدود 15000 بیننده را در خود جای دهد.
تئاترهای یونانی محصور نبودند. تماشاگران می توانستند همدیگر و حومه اطراف و همچنین بازیگران و گروه کر را ببینند.
رومی‌ها از سبک یونانی ساخت‌وساز کپی می‌کردند، اما تمایل چندانی به مکان نداشتند و به جای جستجوی مکان طبیعی، آماده ساختن دیوارها و تراس‌ها بودند .
سالن نمایش (به معنای واقعی کلمه "محل شنیدن" در لاتین) منطقه ای بود که مردم در آن جمع می شدند، و گاهی اوقات بر روی یک تپه یا شیب کوچکی ساخته می شد که در آن می توان به راحتی در سنت تئاترهای یونانی صندلی های روی هم قرار داد. قسمت مرکزی سالن از یک تپه یا شیب توخالی شده بود، در حالی که صندلی‌های رادیانی بیرونی به تکیه‌گاه ساختاری و دیوارهای حائل جامد نیاز داشتند. البته همیشه اینطور نبود، زیرا رومی ها تمایل داشتند تئاترهای خود را بدون توجه به در دسترس بودن دامنه تپه ها بسازند. تمام تئاترهای ساخته شده در شهر رم کاملاً ساخته دست بشر و بدون استفاده از کارهای خاکی بودند. سالن مسقف نبود. در عوض، سایبان ها ( vela ) را می توان بالای سر کشید تا از باران یا نور خورشید سرپناهی ایجاد کند. [4]
برخی از تئاترهای رومی که از چوب ساخته شده بودند، پس از پایان جشنواره ای که برای آن ساخته شده بودند، تخریب شدند. این عمل به دلیل تعلیق سازه‌های تئاتر دائمی بود که تا سال 55 قبل از میلاد ادامه داشت، زمانی که تئاتر پمپی با اضافه کردن معبدی برای اجتناب از قانون ساخته شد. برخی از تئاترهای رومی نشانه هایی از اینکه در وهله اول هرگز تکمیل نشده اند را نشان می دهند. [5]
در داخل رم، تعداد کمی از تئاترها در قرن های پس از ساخت خود باقی مانده اند که شواهد کمی در مورد تئاترهای خاص ارائه می دهد. آرائوسیو ، تئاتری در اورنج امروزی ، فرانسه ، نمونه خوبی از تئاتر کلاسیک رومی است، با پیشانی‌های اسکنائه فرورفته ، که یادآور طرح‌های تئاتر روم غربی است، اما ساختار تزئینی‌تر را ندارد. Arausio هنوز پابرجاست و با آکوستیک ساختاری شگفت‌انگیز و بازسازی صندلی‌هایش، می‌توان به عنوان یک شگفتی از معماری رومی دید . [4]
در دوران الیزابت در انگلستان ، سالن‌های تئاتر از قاب‌های چوبی ساخته می‌شدند که با چوب و دابل پر می‌شدند و سقف آن با کاهگل بود . بیشتر تئاترها کاملاً در فضای باز بودند. آنها از چندین طبقه از گالری های سرپوشیده تشکیل شده بودند که حیاطی را احاطه کرده بودند که به روی عناصر باز بود. بخش بزرگی از تماشاگران در حیاط، درست مقابل صحنه می‌ایستند. گفته می شود که این چیدمان ناشی از تمرین برگزاری نمایش در حیاط یک مسافرخانه است. کاوش های باستان شناسی تئاتر رز در بنک ساید لندن ، ساخته شده در سال 1587، نشان داد که قطر خارجی آن 72 فوت (22 متر) است. تئاتر گلوب (1599) بزرگتر بود و 100 فوت (30 متر) داشت. شواهد دیگر برای شکل گرد، خطی در هنری پنجم شکسپیر است که ساختمان را "این O چوبی " می نامد، و چندین تصویر چوبی خشن از شهر لندن.
تقریباً در این زمان، اتاق سبز ، مکانی برای انتظار بازیگران تا زمانی که روی صحنه لازم باشد، اصطلاحات رایج در تئاترهای انگلیسی شد.
گلوب اکنون به‌عنوان یک تئاتر کاملاً فعال و تولیدکننده در نزدیکی محل اصلی خود (که عمدتاً به لطف تلاش‌های کارگردان فیلم سام وانامیکر ) بازسازی شده است تا به مخاطبان مدرن ایده‌ای از محیطی که شکسپیر و سایر نمایشنامه‌نویسان آن دوره برای آن می‌نوشتند، بدهد.
در دوران رنسانس ، اولین تئاترهای محصور مدرن در ایتالیا ساخته شد. ساختار آنها شبیه به تئاترهای باستانی بود، با یک حفره و مناظر معماری، که نمایانگر یک خیابان شهر بود. قدیمی ترین نمونه های باقی مانده از این سبک، تئاتر المپیک در ویچنزا (1580) و تئاتر آلانتیکا در سابیونتا (1590) هستند.
در آغاز قرن هفدهم، تئاترها در داخل خانه جابجا شده بودند و شبیه چیدمانی که امروزه بیشتر می بینیم، با صحنه ای که توسط یک طاق نما از تماشاگران جدا شده بود، شدند. این مصادف بود با علاقه فزاینده به عناصر منظره نقاشی شده در پرسپکتیو، مانند آنهایی که توسط اینیگو جونز ، نیکولا ساباتینی و خانواده گالی دا بیبینا خلق شده اند . چشم انداز این عناصر را فقط می توان از قسمت پشتی وسط سالن، در صندلی موسوم به "صندلی دوک" به درستی مشاهده کرد. هرچه جایگاه فرد بالاتر باشد، به این نقطه دید نزدیکتر می‌نشیند و می‌تواند عناصر پرسپکتیو را با دقت بیشتری ببیند.
اولین تئاترهای محصور، تئاترهای درباری بودند که فقط به روی حاکمان و اشراف باز بودند. اولین خانه اپرایی که به روی عموم باز شد، تئاتر سن کاسیانو (1637) در ونیز بود. خانه های اپرای ایتالیا الگوی تئاترهای بعدی در سراسر اروپا بودند.
ریچارد واگنر به عناصر "تنظیم خلق و خو" مانند تئاتر تاریک، جلوه های صوتی و چیدمان صندلی (کاهش گودال ارکستر ) اهمیت زیادی می داد که توجه تماشاگران را روی صحنه متمرکز می کرد و آنها را کاملاً در دنیای خیالی موسیقی غوطه ور می کرد. درام این مفاهیم در آن زمان انقلابی بودند، اما از آن زمان در محیط اپرا مدرن و همچنین بسیاری از انواع دیگر تلاش‌های تئاتری بدیهی تلقی شدند.
تئاترهای معاصر اغلب غیر سنتی هستند، مانند فضاهای بسیار سازگار، یا تئاترهایی که تماشاگر و اجراکننده از هم جدا نیستند. یک مثال عمده از این تئاتر مدولار ، به ویژه تئاتر مدولار والت دیزنی است . این تئاتر بزرگ دارای کف و دیوار است که به بخش‌های متحرک کوچک تقسیم می‌شود و بخش‌های کف آن بر روی پیستون پنوماتیک قابل تنظیم است، به طوری که فضا را می‌توان به هر پیکربندی برای هر بازی تنظیم کرد. همانطور که سبک های جدید اجرای تئاتر تکامل یافته است، تمایل به بهبود یا بازسازی مکان های اجرا نیز افزایش یافته است. این به همان اندازه در مورد تکنیک های هنری و ارائه مانند نورپردازی صحنه صدق می کند .
طرح‌های خاص تئاترهای زنده معاصر شامل پروسنیوم ، تراست ، تئاتر جعبه سیاه ، تئاتر در دور ، آمفی‌تئاتر و عرصه است . در رقص کلاسیک هندی ، ناتیا شاسترا سه نوع صحنه را تعریف می کند. در استرالیا و نیوزلند یک تئاتر کوچک و ساده، به ویژه تئاتری که در یک مکان بزرگتر قرار دارد، تئاتر نامیده می شود . [6] این کلمه در لندن دهه 1920 برای یک مکان موسیقی در مقیاس کوچک سرچشمه گرفت. [7]
نمایش‌های تئاتری همچنین می‌توانند در مکان‌هایی که با اهداف دیگر اقتباس شده‌اند، مانند واگن‌های قطار اجرا شوند. به عنوان مثال، در سال های اخیر حاشیه ادینبورگ اجراهایی را در یک تاکسی دیده است .
صحنه سنتی مورد استفاده در تئاتر نو بر اساس الگوی چینی است. کاملاً باز است و تجربه ای مشترک بین اجراکنندگان و تماشاگران در طول نمایش فراهم می کند. تماشاگر بدون هیچ پیش‌نما یا پرده‌ای که جلوی دید را بگیرد، هر بازیگری را در لحظاتی حتی قبل از ورود به سکوی اصلی صحنه می‌بیند. خود تئاتر نمادین تلقی می شود و هم توسط اجراکنندگان و هم از سوی تماشاگران با احترام برخورد می شود. [8]
صحنه شامل یک سکوی مربع بزرگ، بدون دیوار یا پرده در سه طرف، و به طور سنتی با نقاشی یک درخت کاج در پشت است. سکو بالاتر از محل نشستن تماشاگران است که در خاک شن سفید پوشیده شده است. چهار گوشه صحنه با ستون‌های سرو مشخص شده‌اند و کل آن با سقفی پوشانده شده است، حتی زمانی که صحنه Noh در داخل خانه برپا می‌شود. یک سیستم شیشه سرامیکی در زیر صحنه، صداهای رقص را در حین اجرا تقویت می کند. یک در کوچک برای اجازه ورود نوازندگان و خوانندگان وجود دارد.
سقف مستقل یکی از قابل تشخیص ترین ویژگی های مرحله نوه است. سقفی که توسط چهار ستون حمایت می شود، نماد تقدس صحنه است، با طراحی معماری آن برگرفته از غرفه عبادت ( haiden ) یا غرفه رقص مقدس ( kaguraden ) زیارتگاه های شینتو . سقف همچنین فضای تئاتر را یکپارچه می کند و صحنه را به عنوان یک موجود معماری تعریف می کند. [8]
ستون های نگهدارنده سقف به ترتیب در جهت عقربه های ساعت از بالا به سمت راست ، شیتباشیرا (ستون شخصیت اصلی)، متسوکباشیرا (ستون خیره کننده)، واکیباشیرا (ستون شخصیت ثانویه)، و فوبشیرا (ستون فلوت) نام دارند. هر ستون با مجریان و اعمال آنها مرتبط است. [9]
صحنه کاملاً از هینوکی ناتمام ، سرو ژاپنی، تقریباً بدون هیچ عنصر تزئینی ساخته شده است. توسون شیمازاکی شاعر و رمان نویس می نویسد که "روی صحنه تئاتر نو هیچ مجموعه ای وجود ندارد که با هر قطعه تغییر کند. پرده ای هم وجود ندارد. فقط یک تابلوی ساده ( کاگامی ایتا ) با نقاشی یک کاج سبز وجود دارد. درخت این تصور را ایجاد می کند که هر چیزی که می تواند سایه ای ایجاد کند، از بین رفته است. [8]
یکی دیگر از ویژگی های منحصر به فرد صحنه، هاشیگاکاری است ، یک پل باریک در سمت راست بالای صحنه که توسط بازیگران برای ورود به صحنه استفاده می شود. هاشیگاکاری به معنای «پل معلق» است که به معنای چیزی هوایی است که دو جهان مجزا را در یک سطح به هم متصل می کند. این پل نمادی از ماهیت اسطوره‌ای نمایش‌های نوه است که در آن ارواح و ارواح ماورایی اغلب ظاهر می‌شوند. در مقابل، هانامیچی در تئاترهای کابوکی به معنای واقعی کلمه یک مسیر ( میچی ) است که دو فضا را در یک جهان واحد به هم متصل می کند، بنابراین اهمیت کاملاً متفاوتی دارد. [8]
صحنه کابوکی ژاپنی دارای طرحی به نام هانامیچی (花道؛ به معنای واقعی کلمه، مسیر گل )، مسیری است که به سمت تماشاگران امتداد می یابد و از طریق آن ورودی ها و خروجی های نمایشی ایجاد می شود. اوکونی به همراه همراهانش روی صحنه هانامیچی اجرا کرد. از صحنه نه تنها به عنوان راهرو یا مسیر رفت و آمد به صحنه اصلی استفاده می شود، بلکه صحنه های مهمی نیز روی صحنه اجرا می شود. صحنه‌ها و تئاترهای کابوکی به طور پیوسته از نظر فناوری پیشرفته‌تر شده‌اند و نوآوری‌هایی از جمله صحنه‌های گردان و درهای تله‌ای در طول قرن هجدهم معرفی شدند. یک نیروی محرکه میل به تجلی یکی از مضامین مکرر تئاتر کابوکی، یعنی مکاشفه یا دگرگونی ناگهانی و دراماتیک بوده است. [10] تعدادی از ترفندهای صحنه، از جمله ظاهر شدن و ناپدید شدن سریع بازیگران، از این نوآوری ها استفاده می کنند. اصطلاح کرن (外連) که اغلب به عنوان نواختن در گالری ترجمه می شود ، گاهی اوقات به عنوان ابزاری برای این ترفندها استفاده می شود. هانامیچی و چندین نوآوری از جمله استیج گردان، سری و چونوری همگی به بازی کابوکی کمک کرده اند. Hanamichi عمق ایجاد می کند و هر دو سری و chunori یک بعد عمودی ارائه می دهند.
معبد هندی کوثامبالام فضایی است که برای اجرای نمایشنامه سانسکریت استفاده می شود . این معبد که کوتامبالام یا کوتامپالام نامیده می شود، یک معبد مستطیل شکل با طبقه بالا در کرالا است که نشان دهنده یک "قربانی بصری" برای خدایان یا خدایان معبد است. آنها برای اجراهای کوتیاتام یا "بازیگری ترکیبی" ساخته شدند که امروزه فقط دو درام اجرا می شود. [11]
این معبد دارای سقفی هرمی شکل، با دیوارهای بلند و فضای داخلی بلندی است. در داخل معبد بزرگ یک مرحله وجود دارد که در داخل آن یک سکوی بزرگ با سقف هرمی خود قرار دارد. محوطه صحنه جدا از محوطه تماشاگران است و نوازنده (درامز روی صندلی بلند) پشت صحنه و اتاق‌های رختکن نیز در عقب با درهای خروجی پشت صحنه قرار دارد. حضار روی زمین صاف و صیقلی می‌نشینند. چندین Koothambalam در چندین معبد هندی وجود دارد، [ توضیح لازم است ] [ آیا این به معنای چندین در هر یک است؟ ] و همان پلان و ساختار مستطیلی را دنبال کنید.
.jpg/1280px-The_Sydney_Opera_House_(9342488636).jpg)
